5. La naturaleza de las cosas acostumbra a ocultarse. "Heráclito"

Umbra

Todos los sistemas teóricos dentro del mundo del arte que han utilizado la geometría como base estructural o de sentido, han estado tentados a introducir elementos de ruptura. La tensión entre orden y desorden ha dado lugar a múltiples interpretaciones de las obras basadas en la complejidad geométrica.

La emoción que corrige la regla agrupa la práctica de artistas que bajo el esqueleto de líneas y círculos apela a la emotividad, al orden musical, incluso al paisaje tanto interior como descriptivo. 

Otros artistas trabajan sobre la inestabilidad, el orden es solo una apariencia ya que lo fundamental es introducir al espectador en el espacio de la obra y que baile a su son.

La arquitectura propone la ilusión de algo sólido, siempre alternando la importancia de la estructura y la piel de los edificios. Las propias ciudades son un campo visual en el que participan muy diversos elementos de los que los artistas extraen planteamientos visuales. 

La repetición, modulación y las escalas de variaciones o las tramas textiles son elementos que articulan el trabajo de otros artistas y basan en ellas su resultado plástico. Otros han utilizado la geometría de forma casual como estructura de sentido más que de forma.

Para otros las nociones de peso, equilibrio y volumen son la base de su trabajo, a la par que atienden al espacio casi escultórico del papel. El equilibrio entre mancha y vacío es fundamental para estos artistas.

Queremos olvidarnos de la pura geometría para adentrarnos en las múltiples caras del -tomando el nombre de un mítico grupo musical- Esplendor Geométrico.

ORDEN. 25 artistas en los límites de la geometría

Alexander Apóstol, Carlos Garaicoa, Patrick Hamilton, Teresa Margolles, Santiago Sierra.

Viaje al fin de la Revolución(es), es una exposición colectiva de fotografía en la que participan un grupo de destacados artistas contemporáneos que viven y trabajan en la ciudad de Madrid. El nombre de la exposición juega con el título del libro “Cuba. Viaje al fin de la Revolución” del escritor chileno Patricio Fernández. En dicho libro, Fernández narra, en tiempo presente, el final de uno de los procesos políticos y sociales más relevantes de las últimas décadas en el mundo: la Revolución Cubana. En este ensayo el autor nos muestra un retrato de una sociedad o como señala, "lo que ha quedado de ella: lo bueno, lo malo y lo inclasificable de unos de los proyectos sociales más ambiciosos de la historia humana, llevado a cabo en una pequeña isla que hoy habita en compás de espera, aunque sin esperanza”.

Más allá del caso cubano, esta exposición trata sobre el concepto de revolución como metáfora de una promesa redentora y horizonte utópico y su tránsito desde un discurso emancipador hacia la actual atrofia de la idea misma de “futuro”. En este sentido, Viaje al fin de la Revolución(es) pretende reflexionar sobre las distintas modulaciones que ha tenido en Latinoamérica la utopía revolucionaria tanto la archiconocida de izquierdas como la más silenciosa capitalista asumiendo sus fantasmas y sus realidades, sus contradicciones y sus consecuencias. Desde la Revolución Cubana, pasando por la Revolución Bolivariana, a la menos conocida “revolución neoliberal”, como diría Tomás Moulian en el caso chileno, la muestra presenta un conjunto de trabajos fotográficos que abordan poéticamente y desde distintas perspectivas, conceptos como los de utopía, poder, progreso, ruina, crisis o violencia que se proyectan sobre ciudades y territorios devenidos en estados fallidos y en presentes distópicos.

Partidos políticos desaparecidos; ruinas urbanas; edificios convertidos en lápidas; rastros materiales de violencia social y veteranos de guerras y guerrillas como vestigios de diversos conflictos en Latinoamérica y la Guerra Fría como telón de fondo, confluyen en una exposición que reúne por primera vez en Madrid el trabajo de cinco artistas cuyo interés por la historia y la arqueología contemporánea es característico en sus poéticas y es punto de unión y diferencia.

Viaje Al Fin De La Revolución(Es)

En este proyecto histórico hemos colaborado con la Universidad de Duke para sacar a la luz el trabajo de Hugh Mangum (1877-1922) por primera vez en Europa. Tras su muerte inesperada en 1922 a la edad de 44 años, los negativos en blanco y negro en placas de cristal de Mangum fueron almacenados y olvidados en el granero de la granja familiar en Durham, en Carolina del Norte. Condenado a la demolición en los años 70, el granero fue salvado en el último minuto y, con él, este sorprendente y extraordinario documento de vida de una época turbulenta de la historia del sur de los Estados Unidos.

A finales de la última década de 1890, Mangum se aventuró como fotógrafo retratista ambulante, viajando principalmente por Carolina del Norte y Virginia durante el surgimiento de la era de Jim Crow, un periodo en el que se impulsaron las leyes por la segregación de blancos y negros. A pesar de ello, sus retratos revelan una clientela que era muy diversa racial y económicamente hablando, y muestra unas vidas marcadas por el trabajo duro y la opulencia, todos ellos imbuidos de un gran sentido de individualidad y emprendimiento.

Una de las más profundas sorpresas de la fotografía de Mangum es su frescura, artísticamente hablando. Tenía un encanto y una curiosidad que se refleja frecuentemente en los rostros de sus modelos. En otras imágenes, su presencia se convierte en invisible y los modelos parecen perdidos en sus mundos interiores y privados. La habilidad de Mangum para capturar esos momentos de vulnerabilidad y de intenso autoreconocimiento se encuentra en el centro de su don como fotógrafo.

Las personas que aparecen en estos retratos nos miran desde un pasado de un siglo atrás, a través de las marcas indelebles de la pérdida y la indiferencia. Podríamos pensar que la diferencia de un siglo es considerable, y en muchos sentidos es muy cierto. Sin embargo, estos retratos nos sugieren que la distancia entre el pasado y el presente, entre ellos y nosotros, es mucho menor de lo que esperaríamos.

Where We Find Ourselves

El fotógrafo Alejandro Guijarro nos ofrece 36 imágenes donde nos muestra la fotografía en su intersección con otros medios como la pintura o el grabado. Su proceso creativo revela una técnica muy afín con la pintura surrealista: la decalcomanía. Esta técnica tan utilizada por artistas como Óscar Domínguez o Max Ernst, entre otros, es conocida como uno de los llamados procesos de pintura mecánica o automática. Utilizando un tipo de película instantánea ahora obsoleta y sus químicos de procesado como pigmentos, Alejandro Guijarro lleva esta técnica al terreno de la fotografía desdibujando la linea entre lo real y lo ficticio, entre lo tangible y lo imaginado: "este trabajo establece un espacio ficticio. Desde mi estudio, documento el mundo con los ojos cerrados”. El artista rompe con los límites de la imagen fotográfica y crea una relación fragmentada entre el objeto y su representación. Se cuestiona así la realidad y subjetiva aún más su experiencia visual. De este modo, el artista logra crear una serie de paisajes que homenajean a Katsushika Hokusai y sus 36 vistas del Monte Fuji. Él lo considera un viaje interior a través de paisajes que incluso tienen un recorrido geográfico y nos invita a nosotros como espectadores a crear nuestro propio viaje.

36 View from Within

Primera exposición individual de David Beltrán, en la que se mostrarán obras bidimensionales abstractas basadas en fotografías estratigráficas de partículas de obras maestras del Museo Nacional del Prado, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Para ello David Beltrán colabora con los departamentos de restauración de museos internacionales, aunando así el arte y la ciencia, estableciendo un estrecho vínculo entre las artes plásticas y la restauración.

Arqueología del color

En "Begin the Beguine" pueden verse una serie de diez obras inéditas, de gran formato realizadas exclusivamente para esta muestra en el último mes y que representan lo que todos deseamos: volver a empezar. Las nuevas pinturas de 195 x 162 cm revelan la impronta gestual tan fluida y rápida que caracteriza a la artista cuya forma de trabajar es muy directa y fresca. Han sido pintadas sobre lino, un soporte totalmente nuevo para la artista y que a pesar de considerarlo complejo, admite que “tiene mucha presencia” y confirma su interés y su curiosidad por el uso de diferentes materiales. Destaca la diversidad de colores utilizados y de su importancia a la hora de transmitir numerosas sensaciones. Son el reflejo de lo que los “inputs” que recibe la artista en el día a día. Vuelve, por ejemplo, a ese verde con el que se siente tan cómo da trabajando y con esa “magia tan maravillosa”. Retoma también el naranja fluorescente que según ella pone de manera latente y que proporciona esa luz tan necesaria hoy por hoy en contraste con otros colores más tormentosos. Podemos hablar de Rebeca Plana como una artista informalista y sus pinturas son el reflejo de su carácter pasional y arrebatado. Ella misma considera que su esencia está en la pintura, por ende pinta porque tiene que pintar y puede hacerlo desde la “mala leche” pero siempre tiene que ser en condiciones de sosiego: “me gusta decir que pinto desde el estomago y no del corazón, porque la rabia te sale desde las tripas, aunque vayas aprendiendo a controlar”. En este periodo de amplia incertidumbre, cada uno se centra en lo que sabe hacer y Rebeca Plana sabe pintar y plasmar su sentir. Ella vuelve a empezar.

Begin the Beguine

Desde sus inicios, las mujeres han formado parte activa de la historia de la fotografía, bien como creadoras artísticas o ejerciendo distintos roles en su materialización. Sin embargo, hasta muy recientemente, y salvo contadas excepciones, su aportación no sólo ha sido objeto del desaire más rotundo por parte de la sociedad patriarcal, sino que incluso ha sido premeditadamente ocultada, escondiendo su autoría tras pseudónimos masculinos, o atribuyéndola a fotógrafos varones que usurparon su identidad artística. Primero los años veinte y  treinta del pasado siglo, y más tarde, la década de los setenta, comenzó a presenciar en Europa y Norteamérica un resurgimiento de la creatividad femenina en la fotografía y su visualización implantó los cimientos de un paulatino desmantelamiento de la jerarquía cultural y patriarcal en el ámbito del arte y la fotografía.

La llegada del nuevo siglo ha traído consigo una toma gradual de protagonismo femenino en el panorama fotográfico mundial. Y nuestro país no ha sido una excepción: se podría decir que la mejor fotografía española contemporánea es, en gran medida, fruto del trabajo de mujeres. En reconocimiento de este hecho, la galería Blanca Berlín ha querido reunir a un grupo de creadoras de distintas nacionalidades, eligiendo como contexto su aportación fotográfica, enriquecida en algunos casos con la instalación y el dibujo.

Escuchando el susurro de las mujeres

En las fotografías de Jordi Socías no aparecen escenas rurales, ni procesiones ni carnavales. No fotografía fiestas populares ni sugerentes bodegones ni trata de concienciar sobre la “España vacía”. Tampoco practica una fotografía que podría denominarse social o política −a excepción de esa primera etapa “de compromiso” de mediados de los años 70− ni está especialmente interesado en paisajes idealizados ni en los aspectos formales o técnicos de la arquitectura que nos rodea. Tampoco aspira a reflejar estudios antropológicos o sociológicos ni practica una fotografía experimental-conceptual. Lo que sí se podrá ver o percibir en las imágenes de Jordi Socías será Naturalismo Cosmopolita, una selección de fotografías que recorre toda la trayectoria del fotógrafo y que debe su título al escritor y periodista Jesús Ruiz Mantilla, quien resaltó esa forma del fotógrafo de estar e interpretar la vida, con sencillez, sin estridencias, sin aparatosidad, sin oportunismo, “un naturalismo que no le ha abandonado nunca y que junto a un cosmopolitismo abierto y decididamente curioso construirá esa especial manera de mirar”. La exposición muestra el particular mundo y los personajes singulares que a Jordi Socías le interesan, y que podríamos simplificar en dos: cultura y ciudad o, dicho de otro modo, arte y calle, sin que sepamos −en las fotografías de Socías− dónde empieza lo uno y dónde lo otro. Retratos individuales de artistas (Dalí, Arroyo, Gordillo) o directores de cine (Bertolucci, José Luis Cuerda); escenas cotidianas de calles y barrios de ciudades como Barcelona, Madrid, Sicilia, Nueva York, París, Cuba, Pekín.... cafés, librerías, parques, monumentos, museos. Fotografías de rodajes cinematográficos −un género en sí mismo para Socías− y alguna escena aislada extraña, rara, desconcertante. Imágenes que van más allá de lo que representan, en la estela de vanguardias clásicascomo el Surrealismo, la “Nouvelle Vague” o el Neorrealismo. Movimientos siempre dados al doble sentido, a la alusión, al guiño, a la ironía, a la crítica, al deseo, al desconcierto.

Fotografías que tampoco ocultan la influencia de aquellos maestros que le han servido de inspiración: Man Ray, Cartier Bresson, Robert Frank, Richard Avedon, Jean-Luc Godard, Bertolucci. Surrealistas, documentalistas, retratistas, cineastas. Todos ellos presentes en esta exposición, en cuerpo o en alma, en las 40 fotografías de la exposición. Treinta y seis en blanco y negro. Cuatro en color. La más antigua realizada en 1975. Las más recientes en 2017-18.

Naturalismo Cosmopolita

La Galería Blanca Soto Arte  presenta "LIGHTSPACES: Infinite Equilibrium", una exposición de obras del colectivo de artistas Cascione & Lusciov (Italia y Lituania).

La exposición se desarrolla a través de un paisaje luminoso y sonoro mediante obras escultóricas e instalaciones inmersivas, que crean composiciones ambientales donde la luz, el sonido, el espacio, el tiempo y la interacción de estos elementos alteran la percepción sensorial de la realidad, que se convierte en una ilusión futurista.

El pulso controlado de la instalación “Blue Large-Amplitude Pulsator Star” (2018) marca el principio de la exposición, donde escultura, luz y sonido se mezclan en la oscuridad total.

Sucesivamente, el recorrido se canaliza en un túnel de luz densa y fuerte, una instalación site specific que, como un salto espacial, provoca una sensación de propulsión, hacia adelante, hacia un futuro desconocido y abstracto, pero que se atrae a sí mismo como un planeta con su propio satélite.

Los artistas crean iluminaciones hipnóticas en un juego emocional de luz y oscuridad.

Fuertemente influenciados por los conceptos que surgen de los movimientos como la Luz y el Espacio, la Abstracción geométrica, el Minimalismo y el Neo-Futurismo, Cascione & Lusciov se apoderan de las técnicas de la escultura, del design e incluso de la joyería.

Ambos artistas creen en la evolución y la rapidez del progreso tecnológico con la ayuda de las artes, la ciencia y la tecnología. En este sentido, su arte es una visión del futuro.

Su trabajo está despojado de todo elemento innecesario, creando así una forma pura.

En su investigación artística el dúo se centra en el concepto básico de un objeto en movimiento, trayéndolo al presente a través de un elemento futurista de la serie: el viaje dimensional, el espacio, el tiempo y la forma de la luz que pasa a través del universo.

Silvia Cascione y Roman Lusciov trabajan principalmente en esculturas e instalaciones conceptuales, usando materiales como bronce, acero, acrílico y luces.

Cada obra, realizada enteramente a mano, caracterizada por líneas aerodinámicas limpias, acentuadas por el aspecto fluido en el estado líquido y por superficies metálicas altamente reflectantes junto con formas orgánicas y biomórficas, crean esculturas cargadas de emoción y dinamismo.

LIGHTSPACES: Infinite Equilibrium

En esta ocasión, la galería BAT Alberto Cornejo apuesta por un ciclo de diálogos que pone en común de manera muy estrecha e íntima las disciplinas artísticas llevadas a cabo por Marta S.Luengo y Diego Benéitez.

"El presente del pasado" de la mano del pintor zamorano e "Instantes acontecidos" por parte de la escultora madrileña, dialogan conceptualmente en una muestra expositiva que nos habla del paso del tiempo, los espacios de reflexión y la redefinición de los escenarios sociales en los que nos desenvolvemos.

Por medio de los paisajes contemplativos de Benéitez, que invitan a poner acento en la simplicidad de lo cotidiano, y las esculturas escenografiadas de Sánchez Luengo, que nos llevan a escapar del rigor de la inmediatez, nos rendiremos ante una experiencia meditativa para con la obra artística en sí misma. Teniendo en cuenta esta puesta en escena, la obra de estos dos artistas nos empujará hacia un vacío, donde el tiempo tomará protagonismo.

Con una sobriedad abrumadora, "Diálogos X" sumergirá al espectador en un espacio de calma, sosiego y serenidad.

Diálogos X

A través de una instalación escultórica que ocupa el espacio de La Fragua, Javier Chozas plantea una reflexión abierta sobre la articulación del deseo, la vanidad y la culpa en el ecosistema contemporáneo, cada vez más definido y diseñado en la esfera digital.

Utiliza el lenguaje escultórico y propone una escenografía continua que nos asoma a la dimensión más oscura del deseo, al espacio de lo carnal frente al personaje, la osadía frente al miedo al rechazo, la pugna entre identidad y la piel.

A partir de esta serie de obras y su proposición espacial, esta exposición nos acerca al universo estético del artista, que abre una puerta para cuestionar nuestro modo de canalizar el deseo y vincularnos en un mundo cada vez más mediatizado. 

La piel construida

Entre 1955 y 1965 Ramón Masats recorre la geografía de España con su cámara y una obsesión en su cabeza: retratar los tópicos con los que la cultura oficial, bendecía los valores patrios. Iniciaba entonces su carrera como colaborador de varias publicaciones, y este viaje le permitió el desarrollo de un trabajo innovador que revolucionó el triste panorama de la fotografía oficial, todavía enredada en su dependencia de los cánones estéticos que el orden clásico imponía a la nueva disciplina.
En el tiempo, el trabajo de Masats coincide con el fin de la autarquía en la dictadura franquista y con la apertura diseñada por el gobierno con la creación del Ministerio de Información y Turismo (1951), y el Plan Nacional de Turismo (1953). Visit Spain fue ese primer mensaje que utilizó la propaganda oficial.
En este escenario Masats emprendió su particular recorrido centrado en los ritos castizos y folclóricos que describe como tópicos. Su relato dibuja una imagen de país atrapado en la pobreza material, laminado en lo social y acérrimo en su atadura espiritual. El poderoso grafismo de sus fotografías y la particular ironía de su mirada significaron la nueva impronta de la fotografía documental, en la que la personalidad del fotógrafo construye una sugerencia más allá de la mera realidad óptica de la imagen fotográfica, y su interpretación final queda en manos solo del espectador. Sugerencias fotográficas que han colonizado nuestra memoria.

Xisco Mensua

Umbra

David Beltrán

Arqueología del color

Diego Benéitez y Marta S. Luengo

Diálogos X

Varios artistas

ORDEN. 25 artistas en los límites de la geometría

Rebeca Plana

Begin the Beguine

Javier Chozas

La piel construida

Varios artistas

Viaje Al Fin De La Revolución(Es)

Varios artistas

Escuchando el susurro de las mujeres

Ramón Masats

Ramón Masats. Visit Spain.

Hugh Mangum

Where We Find Ourselves

Jordi Socías

Naturalismo Cosmopolita

Alejandro Guijarro

36 View from Within

Cascione & Lusciov

LIGHTSPACES: Infinite Equilibrium