“El silencio de la materia” explora las connotaciones de diferentes materiales, desde el alabastro azul hasta el pan de oro, pasando por el mármol de Calatorao y la madera. Mientras que Borja Barrajón recurre a la sustracción, Isabela Puga emplea la adicción para llegar a un mismo fin: la contemplación de elementos geométricos que nos abstraen de la realidad hasta un plano de recogimiento y finalmente... silencio, tan dificil de alcanzar en el día a día del siglo XXI.

El silencio de la materia

Mi objetivo es trascender el sujeto… Ir más allá del sujeto de alguna manera, para que la composición, la iluminación, todo alrededor, alcance un cierto punto de perfección.

La Galería Elvira González presenta Elogio a la Sombra, la cuarta exposición dedicada al artista estadounidense Robert Mapplethorpe. En colaboración con The Robert Mapplethorpe Foundation, se han seleccionado fotografías de diversas temáticas —retratos, flores y desnudos— que giran en torno al deliberado juego de luz y sombra. Esta selección muestra una visión de la práctica distintiva de Mapplethorpe: en lugar de centrarse en el testimonio de un momento o de un tema concreto, el artista explora formas y composiciones a través del uso de la luz y la sombra que ponen de manifiesto su notable dominio técnico y formal.

La exposición reúne más de treinta fotografías en su mayoría realizadas en Nueva York y fechadas en la década de 1977 a 1987. Estas obras nos invitan a recorrer un inexplorado terreno invadido por una idílica y enigmática atmósfera en blanco y negro, donde la figura de la sombra puede llegar a tener incluso más protagonismo que el sujeto u objeto.

Elogio a la Sombra

La Fundación Canal presenta la exposición “Alicia en el país de las maravillas por Dalí, Ernst, Laurencin &amp; Tenniel”, que muestra las obras que, basándose en la inmortal obra de Lewis Carroll, realizaron Salvador Dalí, Max Ernst y Marie Laurencin. La exposición también presenta una nutrida representación de las estampas de las ilustraciones originales que John Tenniel hizo para la primera edición de la novela en 1865, las dos películas pioneras basadas en la publicación y el cortometraje “Destino”, de Walt Disney y Salvador Dalí, estrenado en 2003.

Alicia en el país de las maravillas

Luis González Santamaría es natural de Talavera de la Reina, inicia aprendizaje y conocimiento de las fases de producción en la fábrica familiar con el maestro ceramista Antonio González Durán. En 1977 y 1978 instala taller propio en Talavera compaginando la cerámica tradicional con la escultura cerámica contemporánea. En la actualidad acumula una experiencia vital de más de 50 años de dedicación exclusiva a la cerámica artística.

Relatos

<h4>Macaparana o De la Geometría Sensible1</h4>Lo primero que sorprende de Macaparana es su propio nombre, tomado de una escasamente conocida ciudad del nordeste brasileño a la que apenas regresa, donde nació y pasó sus primeros años. Sin embargo, José de Souza Oliveira Filho, que es su verdadero nombre, ya es incapaz de renunciar a su nombre adquirido, más bien impuesto, cuando Pietro Maria Bardi2, secundado por el pintor Antonio Maluf, deciden colocar éste, y no su nombre real, en la invitación para la muestra que organizaba el Museo de Arte de São Paulo (MASP) en 1979. Así, un poco a su pesar, inesperadamente, Macaparana se queda para sí el nombre rítmico y cacofónico de su ciudad, al que los más próximos hemos conseguido reducir a sus dos primeras sílabas.Habría que buscar en esos primeros años en Macaparana, ciudad que obliga a encontrarla en el extenso plano de la geografía brasileña, sus primeros impulsos artísticos estimulados por su abuela materna, el contacto con los tejidos, las texturas y los cortes en la sastrería de su padre, para entender el posible origen de su vocación. Esos tiempos de infancia y juventud fueron años de aprendizaje artístico y de formación profesional domésticos que sustituyeron necesariamente estudios más profesionales. Su familia no tenía recursos para enviarlo a estudiar a Recife, así que al fondo de la sastrería de su padre se habilitó un pequeño espacio para improvisar un taller en el que dio forma a sus primeras aguadas coloristas de formato reducido y con una vinculación muy directa con el entorno natural del joven artista. Macaparana ayudaba diariamente en la sastrería de su padre y cada vez que podía o tarde en la noche se escapaba al fondo de la misma para hacer su obra en el escaso tiempo que le quedaba libre.De este primer período se conservan algunos paisajes áridos, agrestes y desolados, en tonos apagados y ligeramente emparentados con un surrealismo social, y de ahí –ya en la mitad de la década de los ochenta del siglo pasado–, el salto a la madera, en un intento por situarse dentro de los márgenes de la poética constructiva de Joaquín Torres García. Los relevos, esos fragmentos de madera encontrados en basureros o demoliciones son el primer intento sólido por explorar la tridimensionalidad, y donde la intención narrativa termina por desaparecer, y también es la primera aproximación tímida de Macaparana a una modernidad continental que sólo se podía leer en clave geometrizante. El encuentro de Macaparana con el legado de Joaquín Torres García sirve al pernambucano como estrategia para elaborar muy tímidamente un discurso y una fuente de afirmación de un espacio para la utopía que conseguirá sus mejores resultados casi dos décadas más tarde.En 1985, Theon Spanudis3 escribe en un breve texto de apenas media página una interesante aproximación a las nuevas intenciones del artista. Spanudis es uno de los primeros críticos que centra su atención para celebrar este giro y vincularlo originalmente con los exvotos nordestinos en madera como punto de partida de su anterior trabajo gráfico. Sin embargo, dos años antes, en 1983, la galería Bonino de Río de Janeiro exhibió una pequeña selección de pinturas de Macaparana, acompañada de un pequeño catálogo,4 en el que el escritor y crítico Geraldo Edson de Andrade pedía seguir con atención la obra del artista pernambucano, advirtiendo del peso simbólico de sus composiciones y de la compleja discusión plástica entre la forma y la composición.Para entender el proceso en el que Macaparana asume y radicaliza sus experiencias geométricas –en las que llega a estar muy cerca de los postulados neoconcretos–, el encuentro y la amistad con Willys de Castro5 se advierten como un accidente determinante. El primero de todos tuvo lugar en una galería a principios de los años ochenta, cuando Macaparana apenas llegaba a los 30 años, y Willys estaba ya inmerso en las investigaciones de sus Pluriobjetos. A partir de éste, Willys y Macaparana mantuvieron un diálogo intenso y continuo, en el que muchas veces se hacía valer la sorprendente categoría híbrida de las propuestas neoconcretas por encima de los rigores y la ortodoxia concreta. Estos diálogos sólo se interrumpen en 1988, con la muerte del autor de los Objetos ativos, pero conseguirán que en pocos años la obra de Macaparana adquiera una calidez sensorial y una voluntad de diálogo con el espectador que no había tenido nunca antes.Las conversaciones y los paseos largos, los viajes a Europa, las frecuentes visitas a museos y galerías y la ácida visión crítica de Willys de Castro y de Hércules Barsotti6 a todo lo que los rodeaba terminaron por ejercer una fuerte influencia en la obra de Macaparana, que exigió de él tomar un poco de distancia para procesar el peso de su admiración por dos de las figuras más definitivas de la segunda mitad del siglo XX en Brasil. A Barsotti le rinde homenaje en una obra homónima de 2003, en la que Macaparana recupera uno de los formatos inusuales con los que Barsotti solía trabajar para explorar las posibilidades de la forma, y en Barsottiano I y II, dos delicadas obras sobre papel fechadas en 2006; a Barsotti –y a su padre– dedica su muestra personal en la galería bonaerense de Jorge Mara7. En 1988 le dedica a Willys su muestra individual, en la galería Mónica Filgueiras de São Paulo. Willys murió en ese mismo año y no alcanzó a ver el homenaje que Macaparana le rendía estableciendo una fuerte conexión con los postulados neoconcretos, en los que el concepto tradicional del cuadro apenas tenía lugar.A partir del año 2000, Macaparana prácticamente abandona los relieves en madera que ocuparon buena parte de sus reflexiones en los años ochenta y noventa, y con ello cierra un período que exigía la muerte de las intenciones neoconcretas, para poder llegar a otros caminos. Parece más entusiasmado por las esculturas en acero pintado o inoxidable, se refugia en la intimidad de la obra de pequeñas dimensiones, experimenta más con el papel, hay una presencia mucho más meditada del espacio y del vacío, y continúa trabajando con base en series, como usualmente suele hacer. En El jardín de Sara, serie desarrollada entre 2000 y 2008, refleja la agonía lenta del jardín de la galerista Sara Campos; en Cartas para Bispo de Rosario aborda la obra y figura legendarias de un personaje excluido, enfermo y marginal del nordeste brasileño que desarrolló una obra singular, en la que los bordados y las acumulaciones de objetos encontrados forman el eje central de sus composiciones, en su mayor parte creadas en el hospicio carioca que le cobijaba.En los últimos catorce años, Macaparana ha desarrollado una geometría audaz, sensible, intuitiva, casi orgánica, porque no hay cálculos previos respecto a la ejecución definitiva y porque las desconcertantes interrupciones en el plano saben encontrar un acomodo feliz dentro de la composición final. Macaparana troquela, perfora la superficie, hace marcas con el buril, pliega el papel una y otra vez hasta el punto de hacernos ver en ocasiones una planimetría en relieve, donde lo que en apariencia se ve no es lo que realmente acontece. Estas intenciones del artista exigen del espectador atención y lo obligan a agudizar la mirada en un juego sutil de esencias y apariencias. Estas intenciones fueron muy bien entendidas por Eduardo Stupía, cuando en el catálogo de la muestra, en la galería Jorge Mara, afirma: “De hecho, podría decirse que el arte de Macaparana consiste, a su vez, en la transmutación prodigiosa de sistemas y alfabetos simples y puros que, a partir de la iluminada reconfiguración que el artista ejerce sobre formas básicas o apenas irregulares, se proyectan, ubicuos, hacia otro estado de maleabilidad y tensión, tanto en lo que hace a sus propios perímetros y dimensiones como a su ubicación en el espacio”. El color lo consigue después de varios ejercicios de búsqueda; nunca toma el pigmento directamente del tubo sino que mezcla y reduce hasta encontrar el color exacto para la pieza en cuestión. Y también porque ha sabido encontrar dentro del enorme legado geométrico brasileño –y latinoamericano, por extensión– un espacio propio donde la presencia sosegada del elemento musical es determinante y puede llegar a convertir en partitura el trazo, y a la línea, en signo.La inserción de la obra de Macaparana dentro del enorme y contradictorio territorio del arte brasileño contemporáneo podría situarse en un punto intermedio entre las poéticas de Waltércio Caldas y de Ernesto Neto, todos ellos herederos de la vasta herencia geométrica brasileña y, en particular, del sugerente y rompedor peso de la irrupción neoconcreta carioca, a pesar de que sus soluciones formales a ratos pervierten, ironizan, y se cuestionan los modos emprendidos por aquéllos. Sin embargo, la obra de Macaparana ha conseguido mantenerse desvinculada del último boom en el que se han sumergido las producciones modernas y contemporáneas del arte del gigante sudamericano relegando el estudio, el conocimiento y el consumo de su obra a espectadores más atentos y menos comprometidos con cualquier moda o estereotipo.Osbel Suárez Texto publicado en ArtNexus 95, Arte en Colombia 141, 2015.1. El término “geometría sensible” es tomado parcialmente de la exposición Arte ahora III. América Latina: geometría sensible. Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (MAM/RJ), 1978.

Composiciones libres

Cayón tiene el placer de presentar, en uno de sus espacios madrileños la quinta muestra individual dedicada a la figura de Pablo Palazuelo (Madrid, 1915 – Galapagar, Madrid, 2007) en la Galería.

Las obras que conforman la exposición revelan la conclusión plástica y escultórica a la que Pablo Palazuelo llegó tras más de 60 años de actividad creadora. Mediante cuatro esculturas -de diferentes épocas- que sintetizan su trayectoria, un gouache sobre papel de 1972, y tres óleos sobre lienzo de sus últimos años, esta exposición pretende ser una síntesis de su coherente producción. Así, basado en una profunda observación del orden implícito en la naturaleza, valorada por él mismo como un elemento ilimitado, aspira a representarlas en su apariencia más simplificada. Haciendo uso de la geometría, instrumento que consideraba fundamental para conocer la materia, el artista revela en sus composiciones la realidad oculta del mundo que nos rodea.

Actualmente, también puede visitarse Pablo Palazuelo (1915-2007) “Ensoñación de la materia”; una muestra que ocupa los espacios interiores y exteriores de la bodega centenaria de Haro, La Rioja.

Síntesis

El arte es un generador de patrimonio cultural y de conocimiento.

Del 1 Diciembre al 19 Enero en la Galería Blanca Soto exponemos obras de varios artista a precios especiales para que sorprendas REGALANDO ARTE a tu familia y amigos.

Regala ARTE

Desde 2009 la Fábrica de Lozas de Caldas (Portugal) ha invitado a un conjunto de artistas para la creación de ediciones cerámicas contemporáneas, inspiradas libremente en la figura del maestro Bordallo Pinheiro (1846-1905). Una revisión del arte popular, utilitario y a la vez refinado que caracteriza los trabajos de Bordallo, puesto bajo la mirada de los artistas contemporáneos.Rafael Bordallo Pinheiro fue una de las figuras más importantes de la cultura portuguesa del siglo XIX, con una notable producción en la cerámica artística y el dibujo satírico, siendo creador de periódicos y dibujante de historietas precursoras del comic. La peculiaridad de sus trabajos a la vez populares y sofisticados quedó como marca del carácter de las cerámicas de Caldas. Los artistas contemporáneos han revisitado esas temáticas coloristas y fantásticas de animales, vegetales, bustos, vajillas o jarrones llevando a sus particulares territorios ese imaginario.<h4>Artistas participantes:</h4><ul><li>Efrain Almeida</li><li>Barrão</li><li>Adriana Barreto</li><li>Carlito Carvalhosa</li><li>Marcos Chaves</li><li>José Pedro Croft</li><li>Tonico Lemos</li><li>María Lynch</li><li>Vik Muniz</li><li>Juliâo Sarmento</li><li>Regina Silveira</li><li>Melanie Smith</li><li>Estela Sokol</li><li>Tunga</li><li>Joana Vasconcelos</li><li>Angelo Venosa</li><li>Erika Verzutti</li></ul>

Fayenzas. Ediciones cerámicas Bordallo Pinheiro

Hamish Fulton (Londres, Reino Unido, 1946) es “un walking artist” cuya práctica artística es el resultado de la combinación de dos actividades aparentemente independientes como caminar y crear arte. Durante los últimos cincuenta años, a través de cientos de caminatas, Fulton ha recorrido el mundo a pie observando e investigando sus paisajes, estableciendo un vínculo físico y mental con la naturaleza. Fiel a su determinación de hacer arte que surja únicamente de la acción individual de caminar, no de situaciones ficticias o de la manipulación de medios, el artista inglés transforma sus ideas en experiencias físicas y convierte en material artístico el acto irreproducible e invendible de pasear. Para Fulton el objeto artístico no es el acto de caminar en sí, ni sus obras una representación del paseo, sino que sus piezas –fotografías, pequeñas esculturas de madera, dibujos, instalaciones y libros de artista– son la materialización de las experiencias efímeras y espirituales que son sus viajes, a veces de un solo día otros de semanas e incluso meses de duración.

Freedom of Expression

La galería Lucía Mendoza presenta Materia Vibrante, una exposición comisariada por Gabriel Pérez-Barreiro con la obra de Álvaro Oyarzún (Santiago de Chile, 1960) y de Christian Vinck (Maracaibo, 1978) que reúne una serie de óleos y un dibujo site specific que Oyarzún y Marlene Azocar realizarán a lo largo de la primera semana de la muestra.

Oyarzún y Vinck salen al mundo con la mirada de exploradores contemporáneos para registrar visualmente las cosas que nos rodean y nos afectan. Piedras, ríos, montañas, esculturas, bicicletas, basura: todos merecen el mismo tratamiento y suscitan la misma fascinación visual. Ambos artistas presentan un mundo de materias vibrantes, de una relación de encanto y desenfado con el mundo que nos rodea.

Materia vibrante

Maggie Cardelús se trasladó a París en 2013 y poco después comenzó a coleccionar lienzos de punto de cruz, tanto terminados como inacabados, adquiriéndolos en los mercadillos parisinos y online, comenzando una fructuosa exploración que duró varios años y cuyo resultado son las piezas de Meshworks en las que utiliza la malla y la pintura. El proceso está documentado, sin tratar de hacerlo de una manera exhaustiva, a lo largo de la exposición y, en particular, en el Process Wall: Años de investigación y experimentos con el punto de cruz, callejones sin salida, posibilidades tentadoras, pausas y aceleraciones, un replanteamiento de ciertos artistas y escritores, y una reinterpretación de su propio trabajo anterior.

La invención del punto de cruz a principios del siglo XIX sistematizó y democratizó la actividad del bordado, que hasta entonces se basaba en la destreza, con "kits" asequibles de colores restringidos e instrucciones que consistían en contar las puntadas que seguían un dibujo previamente cuadriculado. Más tarde, estos kits evolucionaron hasta convertirse en la popular técnica de bordar imágenes impresas directamente en una malla cuadriculada. Al igual que en todas las demás formas de producción industrial, la programación guiaba las decisiones del bordador, suprimiendo la necesidad de cualquier inventiva significativa por parte del fabricante.

Esta nueva técnica de producción de imágenes era tan innovadora y emocionante como lo son las pantallas digitales pixeladas para el público contemporáneo. Aunque 150 años separan la malla de punto de aguja de la pantalla digital, ambas exhiben las técnicas culturales fundamentales de superposición de superficies a cualquier escala con puntos fijos y líneas ortogonales matemáticamente regulares, asumiendo que hay un espacio vacío que no sólo existe, sino que existe para ser llenado. Se podría decir que la superficie cuadriculada, la retícula, es una de las técnicas culturales más significativas que ha marcado el comienzo de la era moderna.

En la serie Meshworks, Cardelús fusiona las técnicas de grabado con las de la pintura y el punto de cruz para enfrentarse críticamente a las tensiones de la cuadrícula. Recurriendo a técnicas de serigrafía, se basa en la de porosidad y resistencia estructural de la malla, similares a las de una membrana, para planificar la obra. A continuación, empuja la pintura a través de la malla desde atrás, permitiendo que brote y se reconfigure a voluntad, construyendo efectos geológicos o biológicos en tres dimensiones en el otro lado. La pintura y la dinámica del material de la malla ceden a la viscosidad y a la gravedad, al tiempo que se relacionan con las técnicas de grabado de inversión, estratificación y presión.

La artista explica que trabajando al revés, desde reverso del lienzo, está creando una forma de retícula caótica, conjurando las energías dinámicas naturales de las erupciones volcánicas, la formación de las nubes y el parto. Para las Meshworks, en las que solo se vale de la malla, Cardelús desmonta y vuelve a tejerla en formas que sustituyen el orden inherente a la malla

En Meshworks, la artista depende de la malla mientras lidia con sus tensiones y paradojas, su libertad y autoridad. Lo que está en juego, según ella, es la condición de posibilidad del autoconocimiento a través de la experiencia de la unión corporal con la materia. Tim Ingold escribe, y Cardelús coincide, "Es precisamente donde el alcance de la imaginación se encuentra con la fricción de los materiales, o donde las fuerzas de la ambición se rozan con los bordes ásperos del mundo, donde se vive la vida humana". A través del entendimiento y el diálogo de las propiedades del material, Cardelús recurre al tacto de la mano para toparse con sus cualidades (o preguntas). Responde con una serie de posibles respuestas, materializando geologías íntimas, paisajes místicos de gran riqueza cromática, cosmos psíquicos y formas simbólicas.

Meshworks

¿Qué es para ti la intimidad?
 
Angela Burson, Anne Buckwalter, Chechu Álava, Rosalía Banet, Sabine Finkenauer, Scout Zabinski y Sofia Pashaei: siete mujeres artistas, todas con estilos y lenguajes muy diferentes, se reúnen en torno al concepto de "INTIMIDAD", aportando su visión sobre el mismo a través de sus obras en una exposición de grupo.

El germen de esta exposición surge durante el confinamiento. Pasar varias semanas encerrado durante la primavera de 2020, me permitió descubrir más a fondo las redes sociales, y aprender a sacarles partido como herramienta para conocer desde mi sofá el trabajo de artistas de lugares diversos y lejanos. Un día, fruto de la casualidad, en una de estas búsquedas me topé con Anne Buckwalter (Lancaster, 1987). Me sorprendió la sutileza con la que las obras de esta joven pintora hablaban de la intimidad de las personas, de la sexualidad y otros tabúes, a través de habitaciones misteriosas que describían a unos personajes sin necesidad de representarlos. Después, el algoritmo hizo su trabajo, y comenzamos a conectar con una serie de pintoras, todas ellas unidas por la figuración, expresándose a través de la pintura, el dibujo o las imágenes visuales. 

Fruto de estos contactos, poco después llegaron a nosotros las obras de Angela Burson (Liberty, 1969) y Sofia Pashaei (Estocolmo, 1989). Sus interiores, y sus personajes retratados, en su mayoría femeninos, provocan en el espectador extrañeza y cierto misterio, incitándole a observar, analizar y descifrar cada detalle. 

Ya en el mundo real, fuera de la red, a finales de 2021 establecemos contacto con Rosalía Banet (Madrid, 1972). Visito el estudio de esta pintora que había seguido desde hacía años en diversos proyectos institucionales, y allí descubro una serie de lienzos de principios de los 2000 que me fascinan. De nuevo, la “intimidad” aparece en forma de santas contemporáneas que, en medio de escenas aparentemente cotidianas, exponen sus pecados a través de sus heridas y vísceras.

Y es que un trabajo antiguo también puede ser redescubierto como algo nuevo, y por esa misma razón me vienen a mente las enigmáticas “princesas” y los “vestidos” de Sabine Finkenauer (Rockenhausen, 1961) artista de la galería desde hace varios años, que no podía faltar en esta exposición.

Por último, también agradecemos a los coleccionistas que nos han permitido completar este proyecto con el préstamo de sus obras de las artistas Chechu Álava (Asturias, 1973) y Scout Zabinski (New Jersey, 1997), cuyo trabajo también admiramos, y complementa la exposición con diferentes puntos de vista sobre este mismo concepto.

Intimacy

La Galería Elba Benítez se complace en anunciar la sexta exposición individual de Carlos Bunga.

Bajo el título de Luces y sombras la exposición se presenta cómo una continuación a modo de reflexión del proyecto que el artista ha realizado este mismo año en el Palacio de Cristal de Madrid, titulado Contra la extravagancia del deseo.

En las instalaciones site-specific Bunga aborda el espacio desde la improvisación y el diálogo con la arquitectura preexistente; los dibujos surgen siempre a posteriori como nuevas posibilidades de abordar el lugar. Por primera vez en una misma ciudad y sucesivos en el tiempo, Bunga presenta un mismo proyecto completo: la instalación y los dibujos, videos y fotografías que nos desvelan el proceso creativo y nos acercan de un modo más íntimo a su pensamiento.

Luces y sombras

La Valija Iberoamericana es una recopilación de obras de arte contemporáneo, realizadas y donadas por 77 artistas visuales iberoamericanos de 23 países, que conforman la colección de arte permanente del Centro Cultural San Clemente de Toledo. Esta propuesta ha sido creada con una ideología abierta y dinámica para ser exhibida en cualquier lugar de España y del resto de los países de Iberoamérica. Su inauguración y presentación al público fue realizada el 17 de septiembre de 2022.

Esta primera muestra itinerante, de reducida participación, que será presentada en Espacio Ronda, Centro Cultural Ronda de Segovia, reúne a 10 artistas de España y Venezuela, combinando el trabajo de algunos ya consagrados con talentos emergentes, a los fines de promover su génesis y abrir sus puertas a la intervención de nuevas obras y expresiones artísticas que permitirán nutrir esta exclusiva colección.

La Valija Iberoamericana

Para su primera exposición individual en la galería Albarrán Bourdais, Adrien presenta una gran colección de obras, creadas específicamente para esta ocasión. El artista decidió triplicar el grosor de sus obras para esta exposición y elaborar una nueva paleta de colores, extraída de los cuadernos alquímicos que ha estado desarrollando y trabajando desde 2019/2020. A través de la narración de formas abstractas, paletas de colores reconocibles y formatos espectaculares, cientos de páginas han visto la luz.

En el núcleo de esta exposición “Adeshora”, se presentan un total de doce páginas y seis marcapáginas: páginas tensadas en un marco pegado a las paredes, o libres y suspendidas, a veces verticalmente y a veces horizontalmente.

Doce telas al día, sumergidas en dos baños de seis colores de ocres naturales durante más de dos horas; es decir, seis vasijas que contienen las recetas secretas de Vescovi. Jornadas de trabajo en el estudio de 7 de la mañana a 5 de la tarde. No lo suficiente para el artista, pero sí para un padre activo y preocupado. Todas estas cifras son un buen indicador para comprender la obsesión de Adrien por el tiempo y su pérdida, para captar esta alienación esencial en el proceso de organización de sus propios momentos para pensar, dibujar, manchar, cortar, coser, colgar pero también para comprender y para olvidar. Adrien olvida mucho.

Adrien dibuja lunas hasta el infinito para captar sus curvas y coserlas después.La luna siempre ha sido un instrumento para medir el tiempo. Calendario lunar, reloj de sol, ¿y si ya no saliera el sol? Una pregunta que, durante este tiempo, interroga al artista en su estudio, donde la luz natural de Marsella penetra muy poco y de la que procede el término que nunca deja de utilizar: “suavizar los colores”; como esta idea de dejar pasar la luz, pero a muy baja intensidad. En otras palabras, y de manera más técnica, se trata de querer reproducir el tinte de una tela cruda coloreándola con tonos pasteles. Este deseo del artista de trabajar sus tejidos hasta la fibra, de sentirlos y la importancia de hacer reaparecer el color original con algunas desviaciones apenas perceptibles pero con métodos de tratamiento sin concesiones, es una labor que el artista se esfuerza en poner en práctica.

Imaginar paredes viejas en las que se desprenden las distintas capas de pintura. La idea de una casa donde las paredes se revelan en capas inferiores y donde se suceden los colores de la masilla y el beige. Como sucesivas pieles o sobres. Una casa en la que uno se siente bien y donde encuentra todas las razones para quedarse y querer construir un nido. Es en este enfoque sensible donde los cuadros de Adrien nos acogen. Nos devuelven a nuestros cuerpos, a nuestros sentidos, a nuestros apegos y, de forma suave y sutil, nos devuelven la necesidad vital de la fragilidad de nuestros ritmos en nuestras vidas. Una narración tangible del tiempo, de lo que se transmite en nosotros, y que Adrien se esfuerza en escribir página tras página.

Marie De Gaulejac

Adeshora

Curada por Alejandro Alonso Díaz a partir de un poema de Chika Sagawa, junto a los artistas Isabel Carvalho, Lucía C. Pino, Fernando García Dory / INLAND y Victor Ruiz Colomer, "Green Flames" toma como punto de partida la obra poética de Chika Sagawa, (Japón, 1911 - 1936) y más concretamente el poema que da nombre a la exposición para imaginar la posibilidad de un intercambio energético donde lo material retrocede, dando paso a formas inasibles, efímeras e inmateriales en permanente circulación.

“Ahora imagina la humedad de la brisa nocturna, la hierba rozando la parte posterior de tus piernas. 
En el humo tuvimos visiones... ¿recuerdas? Había cuerpos flotantes y una energía alargada, nucas vestidas de raso y colores que nos suben hasta las sienes."

Adentrándose juntos en el poema de Chika Sagawa, curador y artistas invocan una precariedad contraria a la pesadumbre. Partiendo de las lecturas, anotaciones y disecciones colectivas de un solo poema, Green Flames se consume en lo etéreo: la relación entre la abstracción de los mercados y la energía de un hacer inmaterial activa corrientes dentro de un sistema de carga, atravesándolo para, al final, regresar a los cuerpos.

"Ahora cuéntanos lo que viste.”

Alejandro Alonso Díaz

Green Flames

Esta exposición establece un recorrido por algunas de las obras fundamentales en la trayectoria de Maribel Domènech (Valencia, 1951), artista, activista, investigadora y catedrática, que enfoca su práctica artística a temas sociales, de género y tecnología.

Esta es su primera exposición individual en Galería Freijo y aborda un recorrido por sus cajas de luz de finales de los años 80, pasando por sus piezas tejidas, fotografías, acciones registradas en video, hasta uno de sus trabajos de más reciente creación: la palabra empoderamiento devenida en un extenso objeto de 4 metros con luz azul.

La reflexión sobre el tiempo y los procesos vitales presente en su obra se refleja en el título de la pieza de vídeo que da nombre a esta exposición, Acción continua, en la cual la artista teje cada año "un metro de existencia" más. Una acción que comenzó en 1993 con una producción inicial de 42 metros tejidos de cable de PVC (aludiendo a su edad en ese entonces) y que continúa creciendo año a año hasta el día de hoy, en una especie de balance vital que no cesa de ejercerse. Desde entonces ha incorporado la acción de tejer como parte del proceso de muchas de sus obras, rescatando su cualidad narrativa.

Desde los materiales que utiliza, en general materiales industriales presentes en el hogar (cables eléctricos, de teléfono, guirnaldas festivas), hasta el modo en que la luz insinúa lo que se puede ver y lo que no, Maribel indaga en lo cotidiano, en las relaciones que se tejen, en la construcción identitaria desde la experiencia vivida.

Con una fuerte impronta interdisciplinar, Maribel supera la espesura del muro de una casa o la opacidad de la piel, para sugerir espacios interiores y todo lo que en ellos puede ser habitado. En la serie de trabajos con cajas de luz, la artista sale del interior de la casa, donde se había posicionado en obras precedentes, y observa el lugar desde fuera, como quien pasea por la ciudad observando las ventanas iluminadas de los otros. En palabras de Doménech la luz se contiene en su interior “como un tesoro, una fuente de energía vital que queda encerrada entre las cuatro paredes de la caja” y “nos deja entrever la singularidad de sus habitantes”, sembrando así la curiosidad sobre lo que sucede detrás del muro.

Una serie de chalecos salvavidas tejidos con hilo de pescar, dan cuenta de la interrelación de su obra con la comunidad que habita y su memoria. Surgen como símbolo de la resistencia ejercida durante años por las vecinas del Cabanyal, en su lucha por preservar el barrio frente a los proyectos de gentrificación que amenazaban con destruir gran parte de las edificaciones existentes. Como en el resto de sus obras, los títulos de cada chaleco completan la pieza y aluden elocuentemente a distintos modos de estar en el mundo: Flotar a pesar de todo, Amarrarse a toda costa, Guardar el equilibrio, Soñar con flotar.

Acción continua

"Venimos al mundo con un animal hermano, una criatura doble, un gemelo en el bosque"

Eraclio Zepeda

Las fotografías elegidas para esta exposición son testimonio vivo de la obra de Flor Garduño. A través del desnudo femenino, las naturalezas muertas, y la representación de animales cargados de simbología la fotógrafa mexicana se muestra en permanente búsqueda de los límites sutiles de la imaginación. Mediante estas imágenes, nos sumerge en una tierra impregnada de los mitos y leyendas que tocaron su alma desde muy temprana edad.

El zoológico familiar donde Flor Garduño pasó la infancia creó en el imaginario de la artista un universo de criaturas que posteriormente reproduciría a través de su cámara. Mujeres que se presentan en diálogo con la naturaleza salvaje, un lugar fantástico donde se traspasa lo personal y se sucumbe a lo misterioso. Un juego de metáforas entre la realidad y la ficción que se repiten continuamente en el trabajo de la artista.

La naturaleza es una constante en la obra de esta creadora, el lugar de donde surge la quimera abierta a significados inesperados. Un territorio mágico por el que transita el espíritu lúdico de Flor Garduño con imágenes que consiguen traspasar la frontera de la realidad personal con presencias extraordinarias procedentes del ámbito de lo fantástico.

Esta exposición se desarrolla de forma paralela con la muestra "La construcción del instante", que Casa México dedica en Madrid a la artista, una de las más prestigiosas del panorama internacional latinoamericano.

La construcción del instante

Cerramos el año 2022 con la exposición Una versión casi aproximada del artista sevillano Rodríguez Silva (Olivares, 1960). En su cuarta exhibición en la galería Fernando Pradilla, las salas se abren a un entorno monocromático que exhorta al espectador a percibir y sentir las cualidades físicas de la forma y el espacio, la naturaleza sensible de los materiales, y la conexión con el proceso pictórico, muchas veces fortuito, del artista.

La obra de Rodríguez Silva es la expresión de un recorrido investigativo en torno a la naturaleza de la propia pintura, en su literalidad en tanto objeto artístico, renunciando a toda referencia externa y utilizando soportes no tradicionales como el acero, el aluminio, la chapa de hierro, el cartón o el papel, sobre los que despliega pigmentos y emulsiones, que lejos de suprimir la marca pictórica, le confiere a su obra un enfoque expansivo, de carácter objetual, que apuesta por el diálogo entre las dimensiones de la pintura y la escultura.

Rodríguez Silva define su propia obra como sintética y reflexiva, resultado de una constante investigación sobre los materiales y las superficies, y afirma "nunca me ha interesado representar nada de la realidad visible, sino utilizar los recursos a mi alcance para disponer ciertas sustancias líquidas o dúctiles sobre superficies planas, y así darle forma a una pintura que refleje en cierto modo la imagen desde la que partí, que suelen ser imágenes mentales que o bien me surgen porque sí o bien porque son una nueva versión de otra anterior, que es lo que suele proporcionar el trabajo continuado en el estudio".

La exposición que presenta Rodríguez Silva en nuestras salas reúne pinturas recientes (2021-2022) en óleo sobre papel (Los Llanos y Nuevas Distancias); pintura en emulsión acrílica sobre chapa de aluminio-vanadio plegada (Frontal en Fuga) o sobre aluminio en rectángulos muy gruesos (Los pequeños fuegos); y unos prototipos que actúan como proceso previo a la obra bidimensional y tridimensional, a la que el artista da forma con cartón para trabajar la composición y la presencia de las futuras obras.

Una versión casi aproximada, tal vez aluda a ese camino de búsqueda al que procura acercarse este artista; un itinerario de hallazgos formales y conceptuales que le permitan "ordenar las ideas, concentrarlas en un hecho, en una obra que al fin contenga la experiencia de su búsqueda. Propiciar la escapada del significado hacia una nueva versión. Rechazar el atributo, vislumbrar, decidir, actuar, presenciar, aceptar".

En abril de este año Rodríguez Silva presentó su obra en el Colegio Oficial de Arquitectos de Sevilla (COAS) con la exposición ZOOM, en la que expresaba una vez más su compromiso con las claves plásticas que definen su trabajo artístico: "La materia, tanto la pintura como el soporte donde la aplico, tiene casi la primera palabra sobre el resultado final de la obra. La primera la tengo yo, pero la segunda la tiene el material. Por ello, procuro tener el máximo respeto con los materiales para que se apliquen tal cual son".

La exposición Una versión casi aproximada, cuenta con un texto del crítico y comisario Francisco Carpio, y estará abierta al público hasta el 11 de febrero de 2023.

Una versión casi aproximada

Estación Total investiga cómo la ciencia cartográfica y su representación se ha colado en las prácticas artísticas contemporáneas para dejar de situarnos, de acotar el terreno y de facilitar la orientación.

A través de una mirada empírica, matérica, del terreno, sus obras rastrean la geografía desde distintos prismas y temporalidades que nada tienen que ver con la voluntad orientadora y delimitadora —incluso posesiva— del mapa o carta de navegación tradicional.

Estación Total

"Retrospect. 15 years of photography" es fundamentalmente una celebración de los primeros 15 años de la trayectoria de la galería que han sido todo un ejercicio de supervivencia, y de demostración de que, con muy pocas dosis de talento y muchas de trabajo duro, se puede conseguir establecer con éxito una galería de arte especializada en fotografía contemporánea internacional en un país como España. En este camino hemos programado más de 70 exposiciones y hemos expuesto en más de 50 ferias en todo el mundo incluyendo ARCOMadrid, Photo Basel, Unseen, Art Miami, Art Paris, etc.
 
Los artistas invitados son Roger Ballen, Elina Brotherus, Julia Fullerton-Batten, Nanna Hänninen, Ellen Kooi, Hugh Mangum, y Johann Ryno de Wet.

 En la exposición hemos seleccionado algunos de nuestros artistas representados más significativos a lo largo de nuestra trayectoria y con los que hemos compartido nuestra visión de la fotografía actual, una fotografía construida en base a las miradas, las narrativas, las puestas en escena, y la postproducción. En cuanto a las piezas elegidas, hemos dado prioridad a fotografías que no se hubieran visto anteriormente en la galería o que, a nuestro parecer, no se les hubiera prestado la atención que se merecían.

Comisariada por Juan Curto.

Borja Barrajón e Isabela Puga

El silencio de la materia

Varios artistas

Regala ARTE

Carlos Bunga

Luces y sombras

Rodríguez Silva

Una versión casi aproximada

Robert Mapplethorpe

Elogio a la Sombra

Varios artistas

Fayenzas. Ediciones cerámicas Bordallo Pinheiro

Varios artistas

La Valija Iberoamericana

Varios artistas

Estación Total

Varios artistas

Alicia en el país de las maravillas

Hamish Fulton

Freedom of Expression

Adrien Vescovi

Adeshora

Varios artistas

Retrospect. 15 years of photography

Luis González Santamaría

Relatos

Álvaro Oyarzún y Christian Vinck

Materia vibrante

Varios artistas

Green Flames

Macaparana

Composiciones libres

Maggie Cardelús

Meshworks

Maribel Domènech

Acción continua

Pablo Palazuelo

Síntesis

Varios artistas

Intimacy

Flor Garduño

La construcción del instante