La exposición La línea roja recoge un conjunto de dibujos realizados por ‘El Roto’ durante el año 2020, que constituye una reflexión profunda de la situación límite a la que hemos llegado durante el último año. Todos los dibujos están recopilados en un libro, con el mismo título, editado por Libros del Zorro Rojo.

La línea roja

Esta exposición pretende ampliar el conocimiento de la obra de Nicolás Muller a través de fotografías, documentos, negativos y publicaciones integrantes del Fondo Nicolás Muller, en su mayoría inéditas, que nunca se llegaron a producir o de las que solo se utilizó una pequeña parte, reencuadradas para adaptarse a las necesidades de las publicaciones, llegando en muchos casos a ser casi irreconocibles respecto a la toma original.

Nicolás Muller fue testigo de una época que llenó Europa de cicatrices, y realizó un registro notarial de lo que era la vida obrera de su tiempo. Vivió y sufrió los principios del nazismo y en su búsqueda de una sociedad libre fue recalando en varios de los países que caían bajo el influjo de la barbarie nazi: Austria, Italia y Francia, o en los que tenían su propia desdicha como Portugal o España, con sendas dictaduras.

La muestra la forman 125 fotografías tomadas entre 1930 y 1960 de las cuales 29 fueron realizadas en España, 26 en Francia, 26 en Hungría, 24 en Marruecos y 20 en Portugal

La mirada comprometida

Como si de una expedición se tratara, la muestra colectiva "Dioramas de lo real" parte de las arquitecturas más profundas del imaginario de seis artistas (Marta Aguirre, Gustavo Díaz Sosa, Toya García Senra, Carlos Iglesias Faura, Pablo Maeso y Manuel Mediavilla) en un viaje teatralizado, oscilando entre lo real y lo ficticio, y coincidiendo, eventualmente, en las salas de Galería BAT.

Durante ese vaivén, en el recorrido de un entorno subjetivo, nace el origen de esta exposición y se plantea un vínculo donde confluyen desde paisajes kafkianos hasta jardines abstractos. La pintura, en este caso, se presenta tan detallada como gestual, debatiéndose entre el camino de la abstracción y la figuración, dejando de ser medio para convertirse experiencia. De su mano, lejos de retratar un espacio cotidiano o real, las esculturas propuestas impulsan al espectador, de una forma casi imperativa, a recorrer sus ángulos y formas cuestionando desde los límites de la geometría hasta las relaciones interpersonales.

En suma, la exposición invita a participar en un diálogo a través de sus espacios, acompañados por una representación cercana a la narrativa, y guiando al espectador a descubrir nuevos escenarios haciéndole partícipe en su contemplación de estos escenográficos “dioramas”.

Dioramas de lo Real

Línea Dolca es una exposición formada por ciento ochenta y dos fotografías, siete cuadros y una franja de pared color chocolate del pintor y fotógrafo Juan Uslé y que ha sido vista ya en Valencia y Berlín.

El modo en que se relacionan las pequeñas imágenes de Uslé es tan contingente como obvio: una barandilla y la sombra de un andamio, una mano que sujeta la mano de Cristo y un anuncio de cerveza. Las fotografías se suceden, subiendo y bajando caprichosamente la linde que separa el blanco y el marrón, comenzando con un retrato familiar en el que unos niños sostienen entre las manos una tableta de chocolate Dolca y termina con la mano ya adulta de Uslé manchada de pintura negra.

Línea Dolca 2008-2018 Irrefrenable

"No existe mancha sin el contacto con el otro. La mancha es una cosa informe que alcanza la superficie de otra cosa de manera inesperada, accidentada... y en el contacto, la mancha cambia la configuración de su superficie, generando nuevas fronteras, nuevos bordes, modificando los cuerpos", María Jerez. "La mancha" es la precuela de la pieza performativa "The Stain" (2019) y la primera muestra individual de María Jerez en Twin Gallery. Para esta nueva versión expositiva, la artista sigue insistiendo en la convivencia de múltiples puntos de vista y en la heterogeneidad de materiales, que se afectan e invaden unos a otros. Para ello, se basa en la convivencia de 5 tipos de técnicas: la pintura, la alfarería, la confección de pan, el diseño sonoro y la iluminación.Así, la galería es considerada como un terreno, un bosque o un cuerpo donde todos y cada uno de los milímetros del espacio son diferentes y donde todos y cada uno de los detalles, cuentan. Una gran mancha de color invade el espacio y los diferentes cuerpos que lo habitan. El visitante es invitado a adentrarse en la mancha para “componerse con” las materias que conviven en esta escenografía y prestar atención a cada una de las escenas que se disponen en el suelo, entre los pliegues de la mancha, pero también arriba, con los elementos colgantes que invaden el aire de la galería. En la cercanía a las piezas se escucha la banda sonora alojada en los distintos cuerpos: una pieza de barro cocida con pan que suena a roce de telas, un trozo de tela rígido que esconde un gruñido o un brioche que suda pintura y silba. La relación establecida entre estos "cuerpos" dispares no se basa en una relación "inteligente" o jerárquica, que busca una coherencia, sino, por el contrario, en la experiencia de un parentesco extraño donde los límites se entrecruzan una y otra vez: lo humano, lo mineral, lo fúngico, lo orgánico, lo artificial, lo animado, lo inanimado... Cada ensamblaje es, a su vez, poroso y susceptible de mutar y manchar. La Mancha es una exposición de María Jerez para Twin Gallery, que ha contado con el apoyo y colaboración de Javi Cruz, Óscar Bueno, Anto Rodríguez, Carlos Carpintero, Javier Fernández Rubio, Antonio Peñuelas, Pablo Capitán del Río, Juan Ruiz-Rivas, Uriel Fogué y Cuqui Jerez.

La mancha

María Lara ha desarrollado desde inicios de los años setenta un cuerpo de trabajo centrado en las impresiones sensoriales y emocionales de todo tipo, que en su obra se traducen en sencillos y poderosos elementos –muy a menudo bandas y líneas– que, por un lado, sintetizan esos efectos perceptivos, y, por otro, las convierten en pura plasticidad.

Sus escuetas composiciones enfatizan la cualidad pictórica autorreferencial propugnada por Greenberg y ejemplificada por los conceptos del colour field painting o all-over painting, sin hacer concesiones ni a la ilusión ni a la anécdota. Con una economía de medios la artista granadina logra plasmar un lenguaje sintético y refinado que a pesar de esa consciente restricción en los medios y las grafías que utiliza de forma rigurosa en su obra –su método de trabajo puede parecer a primera vista severo y hasta rígidamente programado– el resultado es altamente emocional y evocador.

De esa forma, las pinturas y los dibujos de María Lara presentan un alto valor y sutilidad cromática; en sus obras, el color vibra intensamente en la sucesión de líneas verticales u horizontales que las conforman. Aparentemente silenciosas, sus piezas reclaman una interioridad y una intimidad muy alejadas de lo espectacular o lo anecdótico, y se concentran en una intensidad abstracta y depurada que, lejos de restarle emoción, transmite impresiones tan vívidas como perspicaces y sensaciones cotidianas relacionadas con asuntos inefables como la luz, el aire, la reverberación espacial, la cotidianeidad o la espiritualidad, entre otros. Eliminando todo tipo de ilusionismo, queda una realidad pictórica potente y aparentemente plana que afecta a nivel perceptivo emitiendo vibraciones visuales y también táctiles que alteran la planitud hasta alcanzar una apertura perceptiva que hace que la materialidad de la pintura y el dibujo sea tal, pero también sustancia transfigurada.

(Extraído de "Luz prolongada. La trayectoria artística de María Lara", Manuel Olveira)

Percepciones de interior

"El Museo Infinito" reúne por primera vez en una misma exposición los dos proyectos realizados por Antonio Pérez Río en el marco de dos de los principales museos europeos: el Louvre (París) y el Rijksmuseum (Amsterdam).

"Obras Maestras" (2014-2018), explora la transformación de la mirada humana sobre el arte. Se desarrolla en el Museo del Louvre y propone una nueva versión del canon del arte occidental, a través de su plasmación en las pantallas de móviles de los visitantes, que se convierten en un campo de juego simbólico que muestra las tensiones existentes entre las obras, los dispositivos digitales y las personas que miran a través de ellos.

En su siguiente proyecto, "Las Metamorfosis" (2018-2021), el artista presenta un museo imaginario generado por algoritmos creado a partir de reproducciones fotográficas de pinturas de la colección del Rijksmuseum. Las posibilidades de manipulación de la imagen digital le permiten crear nuevas obras partiendo de las piezas originales, inaugurando un nuevo museo imaginario, iconoclasta y fragmentado, en el que la autoría y la originalidad adquieren nuevos significados.

"El Museo Infinito" es una puerta abierta en el espacio que permite acceder, en una extraña alucinación, a estos dos formidables museos desde una galería de arte en el centro de Madrid. Las obras originales se reencarnan fragmentariamente, siguen vivas en las nuevas obras, pero su respiración se entrecorta. Entre la ironía y la melancolía, las imágenes del museo infinito aluden tanto como eluden, revelan tanto como ocultan. Su autor no renuncia al empeño, dislocado y anacrónico, que sigue latiendo en la espiral interminable del arte: la búsqueda de la belleza.

El Museo Infinito

Castro Prieto, uno de los mejores representantes de la generación de fotógrafos españoles surgida en los años ochenta, ha rescatado de entre sus fotografías un repertorio de imágenes pertenecientes a distintas series como Extraños, Paisajes imaginarios o Cespedosa. Y como si de una baraja de naipes se tratara, los ha repartido por las paredes de la galería para componer Vanitas, un gabinete de arcanos misteriosos tras el que se intuyen la certeza de la muerte y la fragilidad de la vida, siempre con un cierto toque de ironía y humor con el que parece querer despojar de transcendencia a tan abismales asuntos. Su obra transita por los espacios personales y familiares de su infancia con una mirada autobiográfica con la que explora las huellas latentes de la memoria y subraya los aspectos oníricos y literarios de la vida cotidiana.

En su vocación alquimista, Castro Prieto ha convertido el confinamiento obligado por la pandemia en una oportunidad para explorar las posibilidades del oro en el positivado de sus obras. En blanco y negro, aplicando capas y capas de gelatina de plata sobre vidrio y, tras ellas, oro de 24 quilates. Y, en color, con tintas minerales sobre acetato. La utilización del áureo metal le ha permitido resaltar el valor simbólico y alegórico de estas Vanitas de desvaríos y luces fugaces pobladas de personajes extraños y fascinantes. El resultado, un poema visual y un alarde técnico de este gran fotógrafo y virtuoso del cuarto oscuro.

Castro Prieto ha sido galardonado con numerosos premios, como el César Vallejo 2001, el Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid 2003, el Bartolomé Ros de PhotoEspaña 2002, o el Premio Nacional de Fotografía en 2015. Su obra está presente en un gran número de colecciones internacionales privadas e institucionales.

Vanitas

Tabacalera Promoción del Arte presenta una retrospectiva de la artista Mabi Revuelta que revisa más de dos décadas de trayectoria de la artista junto con su último proyecto inédito: "Acromática".

La exposición se presenta en Madrid después de una primera sede en el Azkuna Zentroa Alhóndiga de Bilbao, institución con la que se ha coproducido este proyecto. Las obras de Mabi Revuelta reflexionan sobre temas universales, presentes en su trabajo desde sus comienzos: las relaciones realidad-ficción, la permeabilidad de los géneros (literatura, artes escénicas, escultura, dibujo, artes audiovisuales); la investigación sobre la educación artística y la búsqueda de estrategias didácticas para valorar el hecho artístico como motor de cambio social. Como describe la comisaria Susana Blas: "la parte antológica revisa la trayectoria de la artista organizando su trabajo en cuatro categorías que definen las eras de la historia del ajedrez y que son a su vez, cuatro maneras de jugar y de enfrentarse a esta disciplina universal: la era romántica, la era científica, la era hipermoderna y la era dinámica".

En palabras de Mabi Revuelta: "en la serie de piezas Acromática vuelvo con insistencia al universo de los juegos, esta vez tomando como inspiración el ajedrez y su conjunto especial de reglas y movimientos. Sobre un reducido campo bicolor asistimos al despliegue, inmenso y grave, del orden del mundo y el destino de los seres y las cosas. A través de la escultura, el cine, la danza contemporánea, la música y la escritura, trato de elaborar un relato del juego de los juegos más allá de los límites del mismo, articulado desde las metáforas artística, intelectual, bélica y vital".

El Roto

La línea roja

María Lara

Percepciones de interior

Nicolás Muller

La mirada comprometida

Antonio Pérez Río

El Museo Infinito

Varios Artistas

Dioramas de lo Real

Castro Prieto

Vanitas

Juan Uslé

Línea Dolca 2008-2018 Irrefrenable

Mabi Revuelta

Acromática. Una partida inmortal

María Jerez

La mancha