Para su trabajo, Waldo Balart ha creado un sistema basado en un "orden axiomático" del 1 al 8, en el que cada número representa a un color del espectro de la luz y que utiliza en la confección de cada serie. Sus investigaciones sobre la luz y el color en la plástica le han proporcionado un espacio propio dentro de la historia del arte concreto.



Nudos Génesis

Un aspecto notable de los 35 años de la práctica artística de Ignasi Aballí ha sido su capacidad para evolucionar continuamente a través de cambios y renovaciones de estilo, formato y materiales, manteniéndose al mismo tiempo constante en ciertas preocupaciones centrales y duraderas de su trabajo. Estas incluyen la búsqueda de maneras de llevar los impulsos de un pintor al proceso de creación de imágenes sin recurrir al acto de pintar o a la pintura en sí; la incorporación de materiales no convencionales importados directamente del mundo "real" al objeto artístico; el hábil manejo de la poética de la ausencia, la fugacidad y lo efímero; y el abrazo a la inestabilidad oscilatoria que une el lenguaje y la imagen. Todo esto es evidente, una vez más, en la actual exposición de Aballí en la Galería Elba Benítez.Titulada Palabras vacías, la muestra consta de dos instalaciones separadas que recubren todas las paredes de los espacios expositivos de la galería. La instalación homónima Palabras vacías(2020) se compone de una línea continua de 27 plantillas metálicas que perfilan palabras que se refieren de alguna manera a estados de ausencia o inexistencia, como inadvertido, oculto, invisible, borrado, eliminado, robado, inconcebible. Las plantillas, al delinear los bordes exteriores de las letras, pueden verse como "contenedores" de las palabras o, más bien, de los espacios negativos que comunican el contenido semántico de las palabras. La ausencia comunica ausencia; la imagen (en la medida en que hay una) "falta" y, al mismo tiempo, está presente. Además, al igual que las plantillas individuales delimitan los bordes de las palabras, la línea continua que configuran las mismas demarca los bordes del espacio expositivo en sí, delimitando su "significado" al delinear su perímetro. Así, Palabras vacías refracta simultáneamente en múltiples niveles operativos de comunicación visual y verbal, mientras destila y mezcla eficazmente las constantes preocupaciones de Aballí.La otra instalación de la muestra, Línea roja(2020), se presenta asimismo como una especie de friso que envuelve el espaciode la galería. El trabajo se compone de varios recortes de periódico en los que se ha impreso el color rojo. Los tonos de rojo varían de recorte a recorte y los recortes en sí son de una variedad de formas y tamaños diferentes. Sin embargo, están unidos en una secuencia continua, formando un rojo ininterrumpido pero no uniforme que ejerce una presencia visual llamativa a lo largo de las paredes de la galería. Además, hay palabras impresas en el reverso de los recortes, palabras invertidas que se pueden detectar pero no leer fácilmente tras ese "velo" rojo. Una línea roja es una metáfora potente y universal, que implica prohibición, advertencia o alarma; sin embargo, en Línea roja el poder de la metáfora se traslada a un territorio más incierto, lo que le otorga al trabajo una mayor y cambiada complejidad.La combinación aparentemente simple pero magistral de complejidad, profundidad y delicadeza manifestada en la exposiciónLínea rojaes característica de toda la obra de Aballí, mientras que, en otro nivel, la vinculación de elementos modulares pero sutilmente diferentes en secuencias ininterrumpidas en las obras expuestas podría ser “leída” como un emblema de la constancia y el cambio de la práctica que las ha producido.

Palabras vacías

Esta exposición recoge una selección de las obras más recientes del artista, en la que encontraremos tanto estructuras simples como otras más complejas de diferentes formas, texturas y colores.

El mismo Asensio aclara: 

"La idea es intentar comprender mejor el mundo que me rodea a través de la observación de la naturaleza y sus patrones. De manera más intuitiva que científica y después de un profundo análisis estético, mostrar mis conclusiones a través de mi obra.

El hecho de que esa geometría con la que estaba trabajando estuviera tan presente en la naturaleza, me fascina cómo esa geometría ordena, rige y confiere belleza a nuestro alrededor. También me atrajo el que en la naturaleza siempre se buscase la solución más simple, procurando la mayor eficiencia con la menor energía posible. Algo parecido a lo que yo intentaba transmitir con mis obras cuando buscaba una mayor intensidad emocional a través de recursos expresivos mínimos. Una especie de postminimalismo barroco, donde muestro una naturaleza inerte y silenciosa, paradójicamente, una suerte de ejercicio contra natura”.

Ese primer acercamiento a la naturaleza desde la abstracción geométrica ha ido dando paso a una obra en la que el mundo de lo orgánico se ha hecho cada vez más evidente siendo su principal referencia y punto de partida.

Contra natura

En este nuevo apartado queremos compartir una selección de obras de los artistas con los que estamos trabajando.

Algunas han sido expuestas en la galería, otras permanecen en nuestro almacén esperando a ser mostradas y también podrás descubrir obras inéditas que todavía están en los estudios de los artistas.

Estamos a tu disposición y por favor, no dudes en contactarnos si quieres más información sobre nuestros artistas. Será un placer responder a cualquier consulta que quieras hacernos.

Showroom online

La Galería Heinrich Ehrhardt presenta una selección de piezas, nuevas, recientes, inéditas o históricas de algunas y algunos de nuestros artistas:

Secundino Hernández, Herbert Brandl, Sarmento, Thomas Zipp, Björn Dahlem, Stefan Müller, Michael Beutler, Rosa Tharrats

Some unveiled treasures

La galería Helga de Alvear nos presenta bajo el título "Renania Libre" la fotografía contemporánea de esta región de Alemania Occidental. El título roba, el "grito de batalla" de algunos separatistas en la Renania católica a principios del siglo XX, que querían liberarse de los prusianos protestantes en la capital alemana. Los artistas aquí presentes siguen la escuela de fotografía artística fundada a finalesde 1970 por Bernd y Hilla Becher y caracterizada por su lenguaje visual documental. En línea con el irónico título "Renania libre", los artistas –nacidos todos en la década de 1980 cuando la escena del arte de la tierra del Rin estaba recibiendo una atención internacional sobresaliente– se toman toda la libertad, separándose con éxito de sus modelos a seguir tanto en contenido como en forma. Esta separación es completamente diferente a la que se pretendía alcanzar con las revoluciones que se llevaron acabo en Renania, cuyos intentos de independencia de la Prusia protestante fracasaron, al igual que la fundación de la "República de Renania". Para esta exposición los fotógrafos Johannes Bendzulla, Alex Grein, Johannes Post, Arne Schmitt, Berit Schneidereit, Sebastian Riemer, Lucia Tollens, Anna Vogel y Nico Joana Weber han adoptado una interpretación similarmente libre del subtítulo "Más espacio" y exploran el espacio que se abre fundamentalmente por la fotografía, tanto en formas concretas como metafóricas. Para ello capturan objetos fugaces; buscan enfoques para el proceso de abstracción; abren espacios interiores y exteriores uniendo, a su vez, gestos pictóricos, de instalación y cinemáticos con los de un fotógrafo, ya sea analógico o digital. Esta exposición es la tercera en la serie de exposiciones de arte joven de Renania organizadas en la galería Helga de Alvear. Las dos primeras se realizaron en 1999 y 2012, respectivamente, en el espacio más reducido de la galería: el primer piso de su galería. En cambio, para esta edición se ha abiertotoda la galería, concediéndole, literalmente, "Más Espacio".

Renania Libre

5. La naturaleza de las cosas acostumbra a ocultarse. "Heráclito"

Umbra

Todos los sistemas teóricos dentro del mundo del arte que han utilizado la geometría como base estructural o de sentido, han estado tentados a introducir elementos de ruptura. La tensión entre orden y desorden ha dado lugar a múltiples interpretaciones de las obras basadas en la complejidad geométrica.

La emoción que corrige la regla agrupa la práctica de artistas que bajo el esqueleto de líneas y círculos apela a la emotividad, al orden musical, incluso al paisaje tanto interior como descriptivo. 

Otros artistas trabajan sobre la inestabilidad, el orden es solo una apariencia ya que lo fundamental es introducir al espectador en el espacio de la obra y que baile a su son.

La arquitectura propone la ilusión de algo sólido, siempre alternando la importancia de la estructura y la piel de los edificios. Las propias ciudades son un campo visual en el que participan muy diversos elementos de los que los artistas extraen planteamientos visuales. 

La repetición, modulación y las escalas de variaciones o las tramas textiles son elementos que articulan el trabajo de otros artistas y basan en ellas su resultado plástico. Otros han utilizado la geometría de forma casual como estructura de sentido más que de forma.

Para otros las nociones de peso, equilibrio y volumen son la base de su trabajo, a la par que atienden al espacio casi escultórico del papel. El equilibrio entre mancha y vacío es fundamental para estos artistas.

Queremos olvidarnos de la pura geometría para adentrarnos en las múltiples caras del -tomando el nombre de un mítico grupo musical- Esplendor Geométrico.

ORDEN. 25 artistas en los límites de la geometría

En este proyecto histórico hemos colaborado con la Universidad de Duke para sacar a la luz el trabajo de Hugh Mangum (1877-1922) por primera vez en Europa. Tras su muerte inesperada en 1922 a la edad de 44 años, los negativos en blanco y negro en placas de cristal de Mangum fueron almacenados y olvidados en el granero de la granja familiar en Durham, en Carolina del Norte. Condenado a la demolición en los años 70, el granero fue salvado en el último minuto y, con él, este sorprendente y extraordinario documento de vida de una época turbulenta de la historia del sur de los Estados Unidos.

A finales de la última década de 1890, Mangum se aventuró como fotógrafo retratista ambulante, viajando principalmente por Carolina del Norte y Virginia durante el surgimiento de la era de Jim Crow, un periodo en el que se impulsaron las leyes por la segregación de blancos y negros. A pesar de ello, sus retratos revelan una clientela que era muy diversa racial y económicamente hablando, y muestra unas vidas marcadas por el trabajo duro y la opulencia, todos ellos imbuidos de un gran sentido de individualidad y emprendimiento.

Una de las más profundas sorpresas de la fotografía de Mangum es su frescura, artísticamente hablando. Tenía un encanto y una curiosidad que se refleja frecuentemente en los rostros de sus modelos. En otras imágenes, su presencia se convierte en invisible y los modelos parecen perdidos en sus mundos interiores y privados. La habilidad de Mangum para capturar esos momentos de vulnerabilidad y de intenso autoreconocimiento se encuentra en el centro de su don como fotógrafo.

Las personas que aparecen en estos retratos nos miran desde un pasado de un siglo atrás, a través de las marcas indelebles de la pérdida y la indiferencia. Podríamos pensar que la diferencia de un siglo es considerable, y en muchos sentidos es muy cierto. Sin embargo, estos retratos nos sugieren que la distancia entre el pasado y el presente, entre ellos y nosotros, es mucho menor de lo que esperaríamos.

Where We Find Ourselves

Primera exposición individual de David Beltrán, en la que se mostrarán obras bidimensionales abstractas basadas en fotografías estratigráficas de partículas de obras maestras del Museo Nacional del Prado, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Para ello David Beltrán colabora con los departamentos de restauración de museos internacionales, aunando así el arte y la ciencia, estableciendo un estrecho vínculo entre las artes plásticas y la restauración.

Arqueología del color

Desde sus inicios, las mujeres han formado parte activa de la historia de la fotografía, bien como creadoras artísticas o ejerciendo distintos roles en su materialización. Sin embargo, hasta muy recientemente, y salvo contadas excepciones, su aportación no sólo ha sido objeto del desaire más rotundo por parte de la sociedad patriarcal, sino que incluso ha sido premeditadamente ocultada, escondiendo su autoría tras pseudónimos masculinos, o atribuyéndola a fotógrafos varones que usurparon su identidad artística. Primero los años veinte y  treinta del pasado siglo, y más tarde, la década de los setenta, comenzó a presenciar en Europa y Norteamérica un resurgimiento de la creatividad femenina en la fotografía y su visualización implantó los cimientos de un paulatino desmantelamiento de la jerarquía cultural y patriarcal en el ámbito del arte y la fotografía.

La llegada del nuevo siglo ha traído consigo una toma gradual de protagonismo femenino en el panorama fotográfico mundial. Y nuestro país no ha sido una excepción: se podría decir que la mejor fotografía española contemporánea es, en gran medida, fruto del trabajo de mujeres. En reconocimiento de este hecho, la galería Blanca Berlín ha querido reunir a un grupo de creadoras de distintas nacionalidades, eligiendo como contexto su aportación fotográfica, enriquecida en algunos casos con la instalación y el dibujo.

Escuchando el susurro de las mujeres

En las fotografías de Jordi Socías no aparecen escenas rurales, ni procesiones ni carnavales. No fotografía fiestas populares ni sugerentes bodegones ni trata de concienciar sobre la “España vacía”. Tampoco practica una fotografía que podría denominarse social o política −a excepción de esa primera etapa “de compromiso” de mediados de los años 70− ni está especialmente interesado en paisajes idealizados ni en los aspectos formales o técnicos de la arquitectura que nos rodea. Tampoco aspira a reflejar estudios antropológicos o sociológicos ni practica una fotografía experimental-conceptual. Lo que sí se podrá ver o percibir en las imágenes de Jordi Socías será Naturalismo Cosmopolita, una selección de fotografías que recorre toda la trayectoria del fotógrafo y que debe su título al escritor y periodista Jesús Ruiz Mantilla, quien resaltó esa forma del fotógrafo de estar e interpretar la vida, con sencillez, sin estridencias, sin aparatosidad, sin oportunismo, “un naturalismo que no le ha abandonado nunca y que junto a un cosmopolitismo abierto y decididamente curioso construirá esa especial manera de mirar”. La exposición muestra el particular mundo y los personajes singulares que a Jordi Socías le interesan, y que podríamos simplificar en dos: cultura y ciudad o, dicho de otro modo, arte y calle, sin que sepamos −en las fotografías de Socías− dónde empieza lo uno y dónde lo otro. Retratos individuales de artistas (Dalí, Arroyo, Gordillo) o directores de cine (Bertolucci, José Luis Cuerda); escenas cotidianas de calles y barrios de ciudades como Barcelona, Madrid, Sicilia, Nueva York, París, Cuba, Pekín.... cafés, librerías, parques, monumentos, museos. Fotografías de rodajes cinematográficos −un género en sí mismo para Socías− y alguna escena aislada extraña, rara, desconcertante. Imágenes que van más allá de lo que representan, en la estela de vanguardias clásicascomo el Surrealismo, la “Nouvelle Vague” o el Neorrealismo. Movimientos siempre dados al doble sentido, a la alusión, al guiño, a la ironía, a la crítica, al deseo, al desconcierto.

Fotografías que tampoco ocultan la influencia de aquellos maestros que le han servido de inspiración: Man Ray, Cartier Bresson, Robert Frank, Richard Avedon, Jean-Luc Godard, Bertolucci. Surrealistas, documentalistas, retratistas, cineastas. Todos ellos presentes en esta exposición, en cuerpo o en alma, en las 40 fotografías de la exposición. Treinta y seis en blanco y negro. Cuatro en color. La más antigua realizada en 1975. Las más recientes en 2017-18.

Naturalismo Cosmopolita

En esta ocasión, la galería BAT Alberto Cornejo apuesta por un ciclo de diálogos que pone en común de manera muy estrecha e íntima las disciplinas artísticas llevadas a cabo por Marta S.Luengo y Diego Benéitez.

"El presente del pasado" de la mano del pintor zamorano e "Instantes acontecidos" por parte de la escultora madrileña, dialogan conceptualmente en una muestra expositiva que nos habla del paso del tiempo, los espacios de reflexión y la redefinición de los escenarios sociales en los que nos desenvolvemos.

Por medio de los paisajes contemplativos de Benéitez, que invitan a poner acento en la simplicidad de lo cotidiano, y las esculturas escenografiadas de Sánchez Luengo, que nos llevan a escapar del rigor de la inmediatez, nos rendiremos ante una experiencia meditativa para con la obra artística en sí misma. Teniendo en cuenta esta puesta en escena, la obra de estos dos artistas nos empujará hacia un vacío, donde el tiempo tomará protagonismo.

Con una sobriedad abrumadora, "Diálogos X" sumergirá al espectador en un espacio de calma, sosiego y serenidad.

Waldo Balart

Nudos Génesis

Varios artistas

Renania Libre

Varios artistas

Escuchando el susurro de las mujeres

Ignasi Aballí

Palabras vacías

Xisco Mensua

Umbra

Jordi Socías

Naturalismo Cosmopolita

Juan Asensio

Contra natura

Varios artistas

ORDEN. 25 artistas en los límites de la geometría

Diego Benéitez y Marta S. Luengo

Diálogos X

Varios artistas

Showroom online

Hugh Mangum

Where We Find Ourselves

Varios artistas

Some unveiled treasures

David Beltrán

Arqueología del color