Una mínima alteración en los cromosomas puede condicionarlo todo. Una equis nos cambia la vida.

Fue esa inquietud la que dio comienzo a la colección EKIS de José Pablo Arriaga, la cual está formada a su vez por varias obras inspiradas en hechos recientes e intensos para el autor. Son etapas que Arriaga ansía tachar con una equis, episodios marcados por accidentes laborales, crisis pandémica y guerras.

Sin embargo, una equis no es un simple tachón. Son dos puntadas que cierran la herida y la preparan para una nueva piel.

Una equis es un cruce de caminos, el punto de unión entre dos miradas opuestas. El cruce es tensión. El cruce es esperanza.

Una equis multiplicará aquello que elijamos multiplicar. Liberar la equis es liberar el nudo.

Eres EKIS desde el principio.
Tensión y esperanza.
Cierre y misterio.

EKIS

La exposición tendrá lugar en Espacio Ronda Madrid del 19 de Mayo al 7 de junio del 2022 con el patrocinio de la Embajada de la República Argentina.

La muestra comisariada por Héctor Salud Eckerdt se compone de lienzos de gran formato y de acuarelas donde la artista ha utilizado: acrílico, grafito y lápices acuarelables sobre tela y papel, estableciendo un diálogo con la exuberante naturaleza de Brasil.

La artista visual germano-argentina se formó en Bellas Artes en la Escuela Nacional Manuel Belgrano y en los Talleres de Adriana Dellepiane y el Maestro Miguel Dávila. Guggenheim ejerció como docente del Campus Altos de Chavón de la República Dominicana filial de la Parsons School of Design New York. Las obras de Vivian Guggenheim recogen a través del color y las texturas la fuerza de la emoción que la artista ha experimentado tras su larga estancia en Brasil. La naturaleza exuberante cobra vida para explosionar y formar parte de su propio universo que fluye espontáneamente de una forma poética. El agua, sin cuya indómita fluidez no se podría concebir dicha naturaleza, es la que riega la semilla de cada obra, la que entra por los poros de la artista y se desliza por los papeles, por los lienzos, como un caudaloso río, como una cascada, como la fina lluvia que impregna la propia vida.

La naturaleza que hay en mí​

El pensamiento es tiempo. El pensamiento proviene de la experiencia y el conocimiento, que son inseparables del tiempo y del pasado. El tiempo es el enemigo psicológico del ser humano. Nuestras acciones se basan en el conocimiento y, por tanto, en el tiempo, por lo que el ser humano es siempre esclavo del pasado.

Ser humano, Jiddu Krishnamurti

Mi trabajo gira en torno al entrelazamiento del tiempo, el espacio y el movimiento. La memoria y el trauma desempeñan un papel fundamental, al igual que la idea de detenerse para percibirse a uno mismo, física y psicológicamente. El despliegue del material representa metafóricamente el despliegue y la expansión del espacio. Por otro lado, el doblado del material refleja la contracción del espacio, el colapso del aquí y el allá, del ahora y el entonces. Aquí entra en juego el concepto de espacio-tiempo-distancia, temas como la aceleración, el trauma y la pérdida de espacio y presencia, cuya interacción y significado en la vida exploro en mis exposiciones. Me preocupa lo destructivo, lo deconstructivo, lo constructivo y lo constructivista… Más allá del pensamiento y la conceptualización, hay algo vivo almacenado en el tiempo y el espacio.

Katja Strunz, 2020

Breath Hold

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 "Voy caminando por entre la laguna, este es un lugar tranquilo, lleno de vida, donde siempre hay agua, aquí venimos en familia a pescar peces pequeños, me detengo a escuchar a los pájaros, hay mucha paz, no se escuchan ruidos de gente trabajando ni personas hablando. Me siento a observar cómo llegan los chácharos a tomar agua en manada o a la anaconda sumergirse lentamente y desaparecer en el agua. La luz del sol se cuela entre los grandes árboles de la selva y descubre un mundo diferente: el de los insectos, las pequeñas larvas, orugas, mariposas, hormigas o gusanos que están por todos lados. El señor de este lugar es Thororo nasipe, el sapo gigante que mientras canta su cuello se infla como un globo, todos lo escuchamos y respetamos, este sapo no se come. Y siempre está feliz cantando en este lugar."
 Sheroanawe Hakihiiwe
</blockquote>

El trabajo de Sheroanawe Hakihiiwe se relaciona con la observación de lo que lo rodea y con una revisión constante de las tradiciones de su pueblo. Su particular interpretación de la flora y fauna de la cuenca hidrográfica del alto Orinoco se mezcla con componentes culturales y personales, creando diferentes capas de lectura y posibilidades de acercamiento a una obra que van desplegándose desde su cotidianidad hasta los complejos entramados mágico-religiosos, cosmogónicos y culturales propios del pueblo Yanomami. El artista habla a través de su obra desde el orgullo y, simultáneamente, desde el miedo a la pérdida de la memoria de su pueblo, del espacio en el que habitan y de sus creencias. Estos constituyen una herramienta de resistencia frente al proceso devastador de destrucción de todo lo que conoce.

En sus dibujos y pinturas sobre papel hay un despliegue de líneas delicadas y formas sintéticas, por lo general, la repetición de un mismo símbolo cubre en gran parte la superficie del formato. Esta estrategia compositiva desarrollada por Sheroanawe, la de llenar el espacio o soporte con símbolos, tiene como referente la manera en que los Yanomami utilizan la pintura en sus soportes naturales: las cestas y los cuerpos. No obstante, su obra tiene un carácter muy propio, extrañamente distante y cercano a la vez al colectivo al que pertenece. En pocas ocasiones la paleta cromática que utiliza supera los dos o tres colores, utilizados puntualmente de una manera elegante y muy sencilla.

Este gran archivo vivo, en construcción, intenta preservar una memoria a través de una pulsante inquietud artística, estética y racional; los dibujos y pinturas están planteados como un vínculo de entendimiento y cercanía entre nosotros los nape (extranjeros) y los Yanomami.

Luis Romero, Galería ABRA Caracas

Thororo nasipe re u no wawe wawe

Miró y Calder, los artistas que rompieron la guitarra, dejan una herencia de reflexiones que no podemos ignorar; una nueva filosofía universal que tiene al Cosmos como centro y al hombre como parte; y una advertencia: quien no se adapta con tino y humildad a su circunstancia, debe destruirse para que prosiga lo demás. La larga historia de embelesos debe terminar.

La última vez que Joan salió a pasear por el jardín de Son Abrínes, apenas podía andar. Ayudado por David, su nieto preferido, y por Josefina, la esposa de David, descendió con gran dificultad las escaleras que conducían a la explanada inferior y allí se detuvo a contemplar que conducían a la explanada inferior y allí se detuvo a contemplar el mar. Yo observaba desolado su silueta, erguida a duras penas. Sus frágiles cabellos alborotados daban a su cráneo nevado un aíre adusto y digno. Me acerqué para observar su rostro. Sus ojos azules, soñadores y profundos como siempre, observaban el mar con expresión de asombro. Pasamos varios minutos en silencio hasta que Joan alzó el brazo y, señalando al mar, susurró un ¡ah puñeta! que pareció un adiós.

Sin prisas y bromeando, regresamos a la casa. Llegados al umbral nos detuvimos y Joan se quedó mirándome en silencio unos instantes. Me pareció que esbozaba una sonrisa pero no dijo nada. Yo, apenas acerté a balbucear un hasta pronto mientras la puerta se cerraba.

Fue la última vez que vi a Miró.

Alfredo Melgar, 2014

Calder-Miró bajo la mirada de un fotógrafo español

Cayón Madrid tiene el placer de presentar, en sus dos espacios una exposición que reúne a Philippe Decrauzat, Dan Graham, Dan Flavin y Fred Sandback; un conjunto de artistas de distintas generaciones que, de manera variada pero complementaria, han planteado diferentes maneras de abordar el hecho de la percepción de una obra de arte.

En este hecho perceptivo del objeto artístico existe un efecto doble; por un lado, se trata de conocer o tener idea de lo que se presencia y, por otro, y complementando a este de una manera más profunda –menos visceral–, se trata de obtener la sensación interior de una impresión material recibida, por tanto, por el sentido corporal de la vista. Es esa suerte de impresión interior de lo obtenido a través de la vista (por tanto, de lo que procede del exterior), lo que interesa a los artistas que presenta PERCEPCIÓN. /</h3>

Las más de las veces, las percepciones son tremendamente sutiles; el reflejo en un Graham, la luz difuminada de un Flavin, el espacio modificado por una simple lana de un Sandback o el efecto moiré de un Decrauzat. Como señala Jimena Canales en su texto sobre Philippe Decrauzat en el libro de reciente aparición sobre el artista: “Hace falta un arte tan sutil como el de Decrauzat para dirigir nuestra atención a los cambios que se producen en nuestro entorno sensorial-motor y que pasan desapercibidos».

Bien podríamos añadir a este comentario que, en realidad, la impresión que nos produce esa sutileza no pasa nunca desapercibida. Lo que percibimos, aunque pueda pensarse que nos pasa por alto, deja su señal, la sensación interior, que trasciende “una percepción óptica que requiere “una coincidencia perfecta entre los elementos básicos de la pintura (los planos de color) y la arquitectura (la pared)”; es, insistimos, la impresión interior de la percepción la que nos ocupa en esta exposición.

Percepcion

Famosos y anónimos. Retratos, exposición colectiva que forma parte del Festival Off de PHotoESPAÑA 2022.

A través de diferentes técnicas, desde la tradicional gelatina de plata hasta la fotocopia, presentamos un recorrido por el mundo del (auto)retrato a lo largo de los siglos XX y XXI, de los siguientes autores: Antoni Abad, Ana Laura Aláez, Ana Arabaolaza, Ximena Bares, Cecil Beaton, Philippe Bonan, Marcelo Brodsky, Daniel Canogar, Toni Catany, Nieves Correa, Matías Costa, Dmitri Kessel, Gisèle Freund , Alberto García-Alix, Mathias Goeritz, Marisa González, José Antonio Hernández-Diez, Concha Jerez, Álvaro Laiz, Ramón Mateos, Leo Matiz, Aldo Palazzi, Armando Salas Portugal, Santiago Sierra, Darío Villalba y André Villers.

El retrato ha dominado y definido el medio de la fotografía desde sus inicios, a través de aquellos daguerrotipos de retratos mortuorios de mediados del siglo XIX. Desde sus comienzos, se establece un lazo estrecho entre la fotografía y la memoria, la huella fotográfica y el retrato, en sus múltiples modalidades: fotografías de famosos, celebridades, personajes anónimos, autorretratos, etc.

Esta selección de obras pone en diálogo lo moderno con lo contemporáneo, lo europeo con lo latinoamericano, lo desconocido con lo familiar. El anonimato toma una importante presencia en la fotografía desde sus inicios, inmortalizando sombras, siluetas y rostros de personas desconocidas, anónimas, lo cual contrasta con la sobrepresencia del yo en los medios en la actual era digital, donde los selfies, con sus respectivos nombres y apellidos, han invadido el paisaje del siglo XXI, aspecto que no ha pasado desapercibido por artistas contemporáneos como la conocida Amalia Ulman con su apropiación de la cultura selfie en Instagram.

Identidad y fotografía han ido de la mano desde la invención del medio fotográfico, estableciendo una clara unión entre el cuerpo (el yo) y la tecnología. En la actualidad, esto se hace más evidente cuando la cámara pasa a formar parte inseparable de nuestro cuerpo y de nuestras relaciones sociales, como una prótesis, como una extensión de nuestro brazo, que nos acompaña en nuestro día a día y nos convierte en cíborgs, en tecnocuerpos en permanente (auto)retrato.

Al recorrer la exposición, se hace visible esta unión entre identidad/retrato y tecnología/fotografía, a través de diversos formatos: desde retratos de contenido social, político y feminista, hasta autorretratos íntimos del artista masturbándose, de fragmentos de cuerpos o huellas digitales, atravesando a su vez un conjunto de rostros archiconocidos como aquel de Frida Kahlo mientras se lleva una botella de cerveza a sus labios.

Texto de Jessica Janeiro Obernyer 
Historiadora del arte

Famosos y anónimos. Retratos

El próximo día 26 de mayo, la galería Alvaro Alcázar presenta la exposición colectiva Comunidad, que se podrá visitar hasta el día 21 de julio. La muestra aborda diversas perspectivas del vasto concepto de Comunidad, que van desde una visión íntima e individualista hasta un enfoque mucho más colectivo, que presenta un grupo social con características comunes. De esta forma se presentan alrededor de 17 obras en diferentes técnicas, formatos y soportes y de 16 artistas diferentes, todas ellas unidas por un nexo común, el concepto de comunidad en sus diferentes enfoques; a través de ciudades como Nueva York, edificios, personas, símbolos o paisajes.

Entre los artistas participantes, destaca la presencia de artistas de la galería, como en el caso de Rafael Canogar con uno de sus metacrilatos mas recientes, Simon Edmondson con un inédito óleo sobre lienzo o Kepa Garraza que nos muestra una representación de su serie Just want to set the world on fire. Cristina Babiloni acapara miradas con un imponente políptico de 4m de altura representando el fondo marino. Igualmente destaca la presencia de Guillem Nadal con su Proyecto para una Isla o el recientemente incorporado a la nómina de artistas de la galería, Jose Cháfer, con su primera escultura realizada en bronce. De Eduardo Arroyo se presenta una escultura de piedra que hace referencia a la delirante historia de Carmen Amaya durante su estancia en el hotel neoyorkino Waldorf Astoria y que fue precisamente uno de los temas más célebres en la trayectoria del artista.

Es destacable también la aportación de artistas invitados, como es el caso del artista gallego Jorge Barbi, esta vez con obras escultóricas que, como resulta habitual en su producción, están realizadas a partir de objetos encontrados en el campo. Por su parte, del artista Andreu Alfaro presenta una emblemática escultura que encarna a la diosa Afrodita. La fotografía viene representada por un lado de la mano de las sevillanas Paz Juristo y Anuca Aísa, la primera con la imagen de un rascacielos neoyorquino y la segunda con una obra que forma parte de su serie “subsuelos”. Por otro lado, el fotógrafo francés Julien Spiewak presenta una obra de su serie “Corps de Style”, donde aparecen, como es habitual, un cuerpo desnudo junto a un fragmento de interior, en este caso una columna, que nos recuerda mucho a la mencionada Afrodita de Alfaro. La pintora Montserrat Gómez-Osuna trata también en tabla sobre acrílico una escena urbana, un edificio, una estructura difícilmente identificable e inquietante.

Por último, señalar también la obra de artistas extranjeros como en el caso de Matthew Benedict, con su icónico “Hazel Witch”, o el ruso Andrei Roiter, quien ha hecho llegar para la exposición un lienzo de gran formato representado cajas de cartón. Finalmente, el dibujante francés Jude Castel, con su particular dominio del bolígrafo Bic, ha realizado dos obras ex profeso para esta exposición dentro de la serie de memorias urbanas. Con todo ello, estamos ante una exposición con artistas de primer orden y gran diversidad de géneros sin aparente relación, pero bajo las que subyace un concepto común: el de comunidad.

Comunidad

El título de la exposición podría llevar por mal camino. Está tomado de una narración breve de Clarice Lispector, escritora rebelde de monólogos interiores. Sentada en un exuberante Jardín botánico, aún afectada por el encuentro torpe con un ciego en un autobús, Ana, la protagonista de Amore, “descubre que es la parte fuerte del mundo”, percibe la opresión de los límites de la moral y de la existencia burguesa, que tiende a simplificar, reducir, controlar.

La naturaleza retratada en las fotografías y archivos de Vincenzo Castella es justamente la naturaleza coleccionada, crecida en cautividad, domesticada.

La sensibilidad moderna, desde el pensamiento científico del siglo XVII, a través del Romanticismo europeo, funciona por separación y por dualismo: por un lado, el sujeto, el hombre que observa, por otro la naturaleza, el objeto de observación.

Las modernas colecciones botánicas son inseparables de las rutas de comercio entre Europa y las colonias orientales o las americanas. Éstas representan todo el entramado perverso entre colonialismo y conocimiento científico. También el museo moderno está basado, precisamente, en la relación de la naturaleza con el arte y con la historia, neutralizadas en el nombre de las ciencias naturales.

Pero la ciencia moderna no es una disciplina neutral. La división entre cultura y naturaleza es uno de los dualismos fundamentales del pensamiento modernista: el proceso de objetivación está activo tanto en la idea de naturaleza (naturaleza-objeto), como en los procesos que crean las divisiones raciales (hombre-objeto). En estas fotografías, la relación sujeto-objeto es discutible por un máximo de cercanía, que incluso permite una visión de conjunto. La máquina fotográfica se sitúa en medio de las plantas. La lente crea un halo circular en torno al centro del enfoque, el Halo 22º, un fenómeno óptico que aparece cerca o en torno al Sol o a la Luna y a veces en torno a otras fuertes fuentes luminosas.

“Inventarios botánicos, fragmentos de naturaleza: ¿qué valor tiene la representación en la historia del arte? ¿Funciona todavía?” Sus fotografías tienden a anular la relación sujeto-objeto, unen trozos de realidad, aluden a lo que no se ve, crean un imaginario, sostienen la imaginación. Recurren constantemente a la ambigüedad típica del lenguaje poético, que permite duplicar el modelo de complejidad. Nacen en un tiempo y en una situación, para el presente y no para la eternidad. 

Salvatore Lacagnina

Il Giardino era  tanto bello che lei ebbe paura dell'Inferno

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 "Usamos la fotografía para entender el mundo y nuestras imágenes son el subproducto de esa investigación, los cuadernos de notas de nuestra búsqueda."
</blockquote>
La Galería Elvira González inaugura el próximo miércoles 1 de junio “Sintaxis fotográfica”, la primera exposición de Albarrán Cabrera en la galería que tendrá lugar durante el Festival PhotoEspaña 2022.
El trabajo de Albarrán Cabrera se caracteriza por una particular estética que aúna la reflexión sobre la memoria y la experiencia, con la investigación de la química fotográfica. Con influencias derivadas de la filosofía y las artes tanto occidentales como orientales, Albarrán Cabrera emplea la fotografía como medio para cuestionar principios establecidos como el tiempo, el lugar y la identidad. Su trabajo logra así alcanzar una nueva noción de la percepción como elemento clave a la hora de entender no sólo el arte sino la propia experiencia vital.

Sintaxis fotográfica

La Fundación Canal presenta la exposición "Al descubierto. Obras seleccionadas de The Howard Greenberg Gallery". Esta muestra presenta una fascinante selección de 111 fotografías de uno de los principales archivos fotográficos del mundo, el de The Howard Greenberg Gallery (Nueva York). En la exposición tendrás la oportunidad de descubrir, de forma excepcional, imágenes de los principales maestros de la fotografía que de forma habitual no están al alcance del público y de hacer un particular viaje por la Fotografía del siglo XX.

"Al descubierto" incluye obras de 66 grandes nombres como Berenice Abbott, Manuel Álvarez Bravo, Diane Arbus, Bruce Davidson, William Eggleston, Walker Evans, Robert Frank, Eugène Atget, Robert Capa, Elliott Erwitt, Helmut Newton, Vivian Maier o Man Ray, que constituyen un viaje en el tiempo desde 1900 hasta principios del siglo XXI.

Howard Greenberg, referencia ineludible de la fotografía del siglo XX, lleva más de 40 años creando un archivo con más de 30.000 fotografías. En esta exposición, el visitante podrá experimentar cómo las piezas de un archivo pueden estar conectadas de múltiples maneras entre sí y, a partir de las agrupaciones de imágenes surgidas de la personal visión de la comisaria, establecer sus propias conexiones y asociaciones entre fotos y entre grupos de imágenes, generando el relato de su elección.

Al descubierto. Obras seleccionadas

El título pide una aclaración: centzontlahtoleh es el nombre de un pájaro muy presente en México y el Caribe que imita las voces de otros pájaros, pero también el ruido del tren o las señales del teléfono, el sinsonte. Es una palabra que procede del náhuatl y quiere decir 400 voces.

El tema de la colonización de Latinoamérica ha ocupado a la artista desde 2020, año en el que se hizo la exposición en el Museo Patio Herreriano “El reverso de los monumentos y la agonía de las lenguas” simultáneamente con la intervención hecha en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid, antiguo Colegio de san Gregorio. 

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 “Haber tropezado –de manera literal y sin haberlo buscado–, con el espléndido edificio en el que, en su día, se enfrentaron Bartolomé de las Casas y Juan Ginés de Sepúlveda, –en los edificios algo siempre queda de los acontecimientos que allí tuvieron lugar– haberme dado de bruces, con un suceso clave que marca el comienzo de la modernidad, la Disputa de Valladolid, en el preciso momento en el que todo ser pensante de la vieja Europa toma consciencia de asistir a la resaca de la Ilustración y cunde el desánimo por las promesas incumplidas de la modernidad; cuando ante las alargadas sombras del colonialismo aumentan las voces que piden reparación y restitución de bienes robados y los museos se apresuran a re-escribir sus agendas, ha provocado en mí una larga serie de dibujos, de las que una pequeña parte se muestra en esta exposición.
 
 Son dibujos hechos durante la pandemia, dibujos –a la vez diarios– sobre las preguntas que me hacía acerca de la existencia precaria y casi invisible de los pueblos nativos de América Latina y de sus lenguas que languidecen; sobre la insoportable prepotencia del mundo al que “pertenezco”, sobre las circunstancias de vida de unas comunidades periféricas en el seno de unos estados que, a grandes rasgos, acaban de cumplir los 200 años de su independencia.
 
 El resultado es esta exposición que gira alrededor de temas como la otredad, la resistencia, la transculturación, la traducción, el mestizaje, las lenguas en peligro de extinción y los pueblos marginados.”
 Eva Lootz
</blockquote>

Cuatro son las series expuestas:
“Náhuatl” de 2020, alude a una de las lenguas prehispánicas mayoritarias de México. Actualmente es hablada por más de un millón y medio de personas. 
La serie “Aníbal Quijano” de 2020, hace referencia a un destacado antropólogo peruano que fue de los primeros en emprender la re-escritura del relato de la colonización.
“La diagonal del loco” de 2021, que hace alusión a una figura del ajedrez; juega con dibujos que salen de manera espontánea y con la figura del “aspa”, la “cruz de san Andrés”, que es también el esquema del arriostramiento de una estructura constructiva.
Y por último “Toussaint Louverture” de 2020, serie que hace alusión a la revolución de Haití, que condujo al país a su independencia.

Esta es la primera exposición individual de la artista en Madrid desde “La canción de la tierra”, celebrada en Tabacalera en 2016.

Eva Lootz nace en Viena (Austria), donde cursa estudios de Filosofía y Artes Plásticas y se licencia en Dirección de Cine y Televisión. A finales de los años sesenta se traslada a España y a partir de 1973 comienza su actividad expositiva.

Partiendo de planteamientos anti-expresivos y procesuales, tendentes a una ampliación del concepto del arte, evoluciona hacia la creación de espacios intersensoriales y envolventes o, en términos de la autora, hacia un “arte continuo”. Su obra, en la que existe un marcado interés por la interacción de materia y lenguaje, se caracteriza desde el inicio por la utilización de registros heterogéneos.

Centzontlahtoleh, las lenguas que nos hablan

Con esta exposición, realizada en colaboración con las hijas y herederas del Archivo de Carlos Pérez Siquier para el festival PhotoEspaña 2022, la galería Blanca Berlín rinde homenaje al fotógrafo y al amigo, reuniendo una colección de las series más representativas del que fuera pionero de la vanguardia fotográfica en España y uno de sus autores más irónicos, innovadores y heterodoxos.

Pérez Siquier fundó en 1956, junto a José María Artero, la revista Afal, que congregó a los fotógrafos más significativos de su época, difundiendo la fotografía española fuera de sus fronteras y mostrando en el país la que se realizaba más allá de los Pirineos. En 1958, Edward Steichen, por entonces director del Departamento de Fotografía del MoMA, le invitó a participar, junto a otros exponentes del grupo Afal, en la frustrada exposición colectiva Masterworks of Photography from the Beggining to the Present, lo que significó un valioso reconocimiento de la creación española. El grupo Afal participó, además, en exposiciones en diversas ciudades europeas, entre ellas París, Múnich, Berlín y Moscú, contribuyendo a la divulgación de un lenguaje fotográfico muy distante del trasnochado pictorialismo peninsular vigente hasta ese momento.

En los años 50 se embarcó en su primera serie fotográfica. En el humilde barrio de pescadores de La Chanca retrató la pobreza, y también la belleza, de aquellas personas humildes que le acogieron siempre con generosidad cuando se dejaba ver, cámara al cuello, por sus rincones y calles. La muerte le sorprendió preparando la edición del que sería su libro póstumo, “La Chanca”, recientemente publicado por la Fundación Ibáñez Cosentino, en cuya sede de Olula del Río se fundó en 2017 el Centro Pérez Siquier dedicado enteramente a su obra.

A partir de los 60 empezó a experimentar con la fotografía en color, llegando a ser considerado en Europa como un adelantado de esta modalidad creativa. Su serie, La Playa, iniciada en los años 70, es el resultado de una mirada crítica y alejada de los cánones tradicionales que conecta con la estética hiperrealista del Pop americano. En “la geografía de la carne”, como denominaba con humor a este trabajo, la ironía y el erotismo son los protagonistas de un lenguaje moderno y rompedor, por el que ha llegado a ser reconocido en todo el mundo. De él, escribió Martin Parr en 2013: “En la historia de la fotografía hay algunas imágenes tan radicales que la gente simplemente no sabe dónde situarlas. Las imágenes de playas de Carlos Pérez Siquier resultan ahora tan frescas como el día en que se tomaron, y no hay que olvidar el contexto de la fotografía contemporánea de ese momento, tanto en España como en Europa.”

En 2003 recibió el Premio Nacional de Fotografía y la Medalla de Oro de Andalucía; en 2005, el galardón Pablo Ruiz Picasso de Artes Plásticas; en 2013, el Premio Bartolomé Ros de PhotoEspaña; en 2018, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Tiene obra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), en diversas colecciones particulares y en numerosas instituciones nacionales e internacionales.

En esta muestra se exhiben, además, algunas fotografías icónicas de otros cuerpos de trabajo en la misma línea de modernidad, como Color del sur, Informalismos, El viaje o Mi sombra y yo. La Briseña fue su última serie estructurada como tal, aunque la inconfundible figura de Pérez Siquier, “el americano” como era conocido entre algunos lugareños, no dejó de acompañar ni un solo día a sus vecinos de las playas, barrios y calles de la costa almeriense. Como a él mismo le gustaba decir: “Moriré con las fotos puestas”, y así lo hizo, poco antes de cumplir 91 años.

Almería, 1930-2021

It's a God-awful small affair 
 To the girl with the mousy hair 
 But her mummy is yelling, "No" 
 And her daddy has told her to go

But her friend is nowhere to be seen 
 Now she walks through her sunken dream 
 To the seat with the clearest view 
 And she's hooked to the silver screen

But the film is a saddening bore 
 For she's lived it ten times or more 
 She could spit in the eyes of fools 
 As they ask her to focus on

Sailors fighting in the dance hall 
 Oh man, look at those cavemen go 
 It's the freakiest show 
 Take a look at the lawman 
 Beating up the wrong guy 
 Oh man, wonder if he'll ever know 
 He's in the best selling show 
 Is there life on Mars?

It's on America's tortured brow 
 That Mickey Mouse has grown up a cow 
 Now the workers have struck for fame 
 'Cause Lennon's on sale again 
 See the mice in their million hordes 
 From Ibiza to the Norfolk Broads 
 Rule Britannia is out of bounds 
 To my mother, my dog, and clowns 
 But the film is a saddening bore 
 'Cause I wrote it ten times or more 
 It's about to be writ again 
 As I ask you to focus on
 
Sailors fighting in the dance hall 
 Oh man, look at those cavemen go 
 It's the freakiest show 
 Take a look at the lawman 
 Beating up the wrong guy 
 Oh man, wonder if he'll ever know 
 He's in the best selling show 
 Is there life on Mars?

Fuente: LyricFind. Autores de la canción: David Bowie. Letra de Life on Mars? © BMG Rights Management, Sony/ATV Music Publishing LLC, Ultra Tunes.

Comisariada por Juan Curto.

Life on Mars?

La galería de arte Fernández-Braso de Madrid reúne por primera vez y bajo el título de "Paisaje, pensamiento, pintura", a las artistas españolas Soledad Sevilla (Valencia, 1944) y Nuria Vidal (Madrid, 1967).

Coincidiendo en el interés de ambas artistas por aquello que confluye y se genera entre la pintura y las formas y elementos de la naturaleza y el paisaje, la exposición muestra y resalta dos formas de expresión estética, de valores y asociaciones tanto de carácter subjetivo como objetivo. Memoria, experiencia, percepción…, identidad, territorio, tiempo, existencia…. De esa confluencia surgen unas obras de apariencia abstracta definidas y formalizadas por diferentes procesos de realización que evocan, además, realidades, entornos y singularidades diferentes de las dos artistas convocadas.

Las obras seleccionadas de Soledad Sevilla pertenecen a las pinturas de muros vegetales que comenzó a realizar a mediados de la década de los noventa, en las que la trama o cuadrícula geométrica de su periodo inicial se transformó en un magma vegetal de pequeñas pinceladas. Evocación de muros, de vegetación. Una pintura barroca, que tiende al infinito, trascendente, sublime.

Las pinturas de Nuria Vidal forman parte de la colección "Rendición" realizada desde 2020. En ellas la naturaleza también define a estas obras por medio de la abstracción, pero sin embargo eligen este lenguaje pictórico para evocar paisajes emocionales evanescentes. Como su propio título reivindica, el papel se rinde como soporte al devenir de manchas profundamente ligadas al tiempo de su hechura, a la espera y a la autodefinición. Se trata de territorios esenciales, orgánicos y por necesidad etéreos.

Soledad Sevilla es Premio Nacional de Artes Plásticas 1993, Premio Arte y Mecenazgo 2014 y Premio Velázquez de Artes Plásticas 2020. En la galería Fernández-Braso de Madrid ha participado, anteriormente, en dos exposiciones: la individual "Nuevas lejanías" en 2014 y "Líneas paralelas", junto a Eusebio Sempere, en 2019.

Nuria Vidal es Premio Nacional de Grabado a una Artista Novel, 1996. Ha recibido las becas de la Real Academia de España en Roma en 1999-2000, y del Colegio de España en París en 2003. En 2021 presentó la exposición "Rendición", en el marco de la séptima edición de Mostra Espanha. Su trabajo está razonado por los comisarios y críticos, Enrique Andrés Ruiz y Juan Manuel Bonet

Paisaje, pensamiento, pintura

Ensimismada y simbólica, Ana Torralva (San Fernando, Cádiz, 1957) es portadora de una imaginación activa, visionaria, capaz de crear y trasgredir viajando más allá de las apariencias, sumiéndose –en tanto sumiéndonos– en un misterioso trayecto hacia un otro lado. Imágenes en un instante que pareció silencio, a veces con aire de contención otrora, ellas, mirando atrevidas allende la imagen. Ay, cierran los ojos algunas, sumidas en su trance, otras abandonan sus párpados a la nada. Trabajo buscando la verdad, sentencia nuestra artista con seriedad, busca la esquiva verdad.

Un corpus creativo de décadas que evoca el conocimiento de lo real, mas también una suerte de incontenida enajenación, casi un trance que permitiera a Torralva transustanciar ese viaje en un tránsito conducente al conocimiento. Pues la forma de contemplar nuestra artista el escenario del mundo es autoexigente y despojada, sin complacencias, siempre lo hizo así, estoy pensando en ciertos retratos de intelectuales a los que captó en un instante verdadero, mas también en las radicales poco conocidas series del psiquiátrico de Bétera (1978) o las dedicadas al infierno de la heroína (1979): sí, venga ahora otro “ay”, este profundo y conmovido. Torralva tienta el acceso a aquella verdad retratando historias del mundo en sus márgenes, de tal forma que ha creado, concentrada, su particular “Atlas” de lo real, mostrados ahora rostros del cante, gestos o figuras, cuerpos y fragmentos extendidos en un singular y gigantesco atlas que, a lo Warburg, antes que elevar las certezas, convierte la creación en un espacio extenso de preguntas, -un insólito lugar de rarezas, en sus palabras, un álbum de hermosa extrañeza.

Al cabo, la historia del arte ha sido un continuo relato preguntando sobre la representación, la creación de las imágenes (las apariencias), en tanto deviniendo el propio relato, su construcción, la historia del arte. Por cierto, no exactamente una narración de la claridad revelada sino, más bien, frecuentada por una especial cofradía de artistas que hicieron de la inquietud de las imágenes objeto de su quehacer (polvo y niebla, informa o mundos inciertos, temblor y deformidad, conmoción o suspensión de las imágenes, fragmento o mirada intensa), tal sucede a Torralva. En sus imágenes, en especial en la declarada intensidad de ciertas fotografías, retrata el mundo no olvidando que, como escribía el poeta de Tours, Yves Bonnefoy, retratar supone referir el tiempo ejerciendo una conciencia activa de la trascendencia.

Eleva sus retratos Torralva tentando nuevas maneras de mirar, formas otras de expresar lo representado, es la inquietud de esta artista a la que veo un deje oriental pues es el suyo un arte que, aunque expresado mediante la presencia de imágenes, no se aleja de lo concentrado y el vacío, el instante inefable o la plenitud de la mirada. “Un rostro –clama el ‘Diccionario Surrealista’– debe responder a todos los nombres del mundo”. Emergen así muchos de estos retratos de Torralva entre lo hondo, pareciere abriéndose paso desde una cierta épica de lo negro (así sucede por ejemplo&nbsp;en el chiaroscuro donde brota “Carmen Linares. La pureza”, 2017). A veces, como en el hermoso “Mujer con moño” (2012), plantea la artista la presencia de un duplo del retrato, imagen de frente y perfil, acercándose tal representación a la taxonomía documental, el delito o la ficha de la patología. En otras ocasiones, hace patentes los fondos empleados en los retratos, tal si mostrase su deseo de no engalanar el mundo, sino más bien lograr con este repudio de la escenografía un poco de silencio que permitiese la concentración. Sí, entre lo oscuro podrán destacar un rostro o unas manos, sucede en la secuencia de María Pagés (2007), como apareciendo desde la negrura. Elogio de lo austero, Torralva es ejerciente de un cierto antirretrato desplazándose a la negación de la revelación plena de facciones, pensemos en la invasión de sombras que puebla algunos de sus retratos (he recordado a Rosa Chacel, retratada por Torralva entre el vértigo de la noche que caía, quizás huyendo de la fatal y vana claridad solar). Aquí los tan bellos: “El mantón. Carmen Cortés”, “La Macanita. La seducción” (2003) o, ay, “La Paquera de Jerez”, casi en trance, con ojos cerrados, una de mis obras favoritas de Torralva que siempre me ha evocado aquel bello dibujo de Odilon Redon, “Les yeux clos” (1890). O, volviendo a la propia Ana Torralva, estoy recordando aquel hermoso “Santa Águeda” de los años ochenta, ojos vendados. Sí, entornan las mujeres frecuentemente los ojos en los retratos de nuestra artista, tal volviendo su gesto hacia la verdad, que es lo interior, será también lo jondo e inapresable. O, ay, será el dolor un trance. Retratos en los que, con frecuencia, sustrae los fechados, pareciendo disolver los tiempos en la paciente construcción de este atlas que jamás concluirá.

“Por el arco vacío entra un aire mental”, en la voz de García Lorca sobre el duende. Búsqueda de una suerte de concentración que explora la ascesis, tiempos de silencios, en muchas de sus imágenes parece haberse detenido la clepsidra quedando en suspensión las horas, aquel mundo de voces y quejíos. Silencio. Desde una cierta metafísica de la mirada retrata Torralva en este arte de las sugerencias con un aire de “estado mental”, ahora el verbo es de Duchamp&nbsp;y, antes que evidencias, su tarea es siempre expresión de una actividad solitaria, el silente oficio de crear embargada en la necesidad de la repetición o la variación, retrato inquietante y misterioso de un momento congelado, algo que, escapado, es irrepetible y, al cabo, reflexión sobre la historia del arte, la sublime catarsis o la construcción de la mirada.

Reconoce nuestra artista utilizar como esencial método de trabajo la mencionada fragmentación: esto es, la muestra de diversas imágenes que podrían tentar componer un todo de lo representado, diferentes vistas, fragmentos, facetas o gestos. Como en la mujer fraccionada, “Mujer que se arranca (Ella)” (2003) o las hermosas secuencias dedicadas al zapateao (2014) y las mencionadas manos de María Pages. El trabajo de Torralva se convierte entonces en una narración que, siendo emocional, incluye una visión templada y concentrada que le permite la construcción de relatos, viajeros frecuentemente a lo íntimo, tal sucede en retratos aquí presentes como “Encarnación Fernández. La Unión” (1996); “Cristina Hoyos” (2003) o “Marina Heredia II” (2016) con aire de alejadas del mundo, concentradas en su ser.

Pienso en la representación contemporánea del flamenco, claro, viendo estas fotografías, en mi memoria aquel kleeiano&nbsp;Vicente Escudero, bailarín nervioso y fino dibujante retratado por Man Ray junto a su sombra y aupado por los de “El Paso”. También en José Menese, -visitando la Cuenca abstracta&nbsp;o cantando a Juana Mordó-, desde La Puebla de Cazalla, el pueblo de los Moreno Galván. Cito a Manuel Viola, a los hermanos Saura o a Bonifacio Alfonso, claro, mas tengo que pensar en este punto en la esencial arpillera “Galería de la Mina” (1965), el cuadro millaresco del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca que refiere el viaje hacia la profundidad. Lo recordé leyendo las palabras de Ana Torralva sobre el cante de Las Minas: “para los mineros, habituales campesinos soleados del sureste, la traumática experiencia vital es la del pozo. Por eso se lamentan de la oscuridad como ningún otro pueblo tradicionalmente minero. Toda la vida del minero del luminoso sureste está pendiente de esa oscuridad, de esa muerte potencial que, en gran parte, se apodera de su cante”

Imágenes de nuestra artista que, desde aquella oscuridad que a veces nos devuelve a la pintura del Siglo de Oro, ejerce un testimonio y lirismo capaz de incitar a explorar en los otros el propio ser, su propio desasosiego. Como en aquel autorretrato desesperado de Courbet, se recoge el pelo Ana Torralva, miran sus ojos, aquí bien abiertos, al mundo.

Alfonso de la Torre, comisario de la exposición.

AY! [mujer flamenca]

Cruz Novillo es uno de los artistas españoles que, a partir de los años setenta acomete la renovación del lenguaje visual geométrico en España. Su obra está influenciada por parámetros matemáticos, musicales, geométricos y por diversas teorías del color. En los años noventa, desarrolla el concepto plástico “Diafragma”, denominación que engloba multitud de obras cuya característica común es la combinación de un número variable de elementos monocromáticos, sonoros, fotográficos o tridimensionales.

En su obra, la abstracción geométrica y la figuración conviven de una manera natural ya que ambas provienen de los patrones marcados por la combinación de notas musicales, números y colores.

Cruz Novillo es Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Es Premio Nacional de Diseño 1997; Premio Nacional de Pintura Comunidad de Castilla La Mancha, 2002; Medalla al Mérito de las Bellas Artes 2012. En 1977 representó a España en la Bienal Internacional de Sao Paulo, Brasil. Su obra está representada en colecciones privadas y públicas nacionales e internacionales como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS); Museo Patio Herreriano de Valladolid, España; Fundación Juan March, Madrid, España; Colección Accenture, Madrid.

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