“Decidí observar lo que me rodea, distorsionar la cotidianidad de los objetos y crear una serie de bodegones con elementos que jamás se hubieran encontrado por su utilidad”

Las obras de Marta Lapeña (Soria, 1993) recrean escenas cotidianas que sugieren calma y sosiego, en contraposición con un mundo actual lleno de sobreinformación y estímulos visuales. Distracciones que influyen tanto a la hora de observar y sentir como de crear con calma desde la parte más instintiva y natural del ser humano. Este es el punto de partida de la artista: su instinto. Con él muta los niveles de realidad a los que estamos constantemente sometidos y convierte la pintura en una vía de escape y en un medio para evocar su propia realidad.

Encontrar la belleza en lo que nos rodea y definir el momento simplemente con objetos a través de la pintura son las dos grandes obsesiones de Marta Lapeña. Sus composiciones, generadas a partir de elementos que ella misma encuentra, recoge y fotografía, reúnen ciertas características que las hacen únicas: el momento (la luz), el lugar (el espacio) y sus patrones estéticos (la visión), tres constantes en su proceso creativo. Tanto la técnica como la composición nunca dejan de ser una preocupación en sus obras, en una búsqueda constante de la armonía, donde combina además dos mundos diferentes bajo un mismo proceso: el lienzo y el muro; la calle y el estudio. De ahí su inclinación por el gran formato y por la síntesis del color, clara influencia de su formación como arquitecta de interiores, reflejada en las composiciones e integración en el entorno. “Alejando estas composiciones de los patrones clásicos o establecidos y dejándome llevar por la estética que funciona ante mis ojos, todo es reemplazable. Nada es fijo ni predecible».

Marta Lapeña (Soria, 1993)

Artista plástica y muralista. Vive y trabaja en Madrid. Tras graduarse en Arquitectura de Interiores por la Universidad Politécnica de Madrid, decide por vocación entregarse a la pintura y a la investigación de diferentes técnicas, centrándose más adelante en la concepción y desarrollo de proyectos artísticos, sociales y personales. Su obra se sitúa entre la pintura y el muralismo, a veces materializada en proyectos específicos y otras en propuestas más experimentales. Su trabajo está innatamente influenciado por experiencias de la vida cotidiana, personas que ha conocido, el entorno que le rodea y los temas sociales que le preocupan.

Lo cotidiano

La Fundación Canal presenta la exposición “Al descubierto. Obras seleccionadas de The Howard Greenberg Gallery”. Esta muestra presenta una fascinante selección de 111 fotografías de uno de los principales archivos fotográficos del mundo, el de The Howard Greenberg Gallery (Nueva York). En la exposición tendrás la oportunidad de descubrir, de forma excepcional, imágenes de los principales maestros de la fotografía que de forma habitual no están al alcance del público y de hacer un particular viaje por la Fotografía del siglo XX.

“Al descubierto” incluye obras de 66 grandes nombres como Berenice Abbott, Manuel Álvarez Bravo, Diane Arbus, Bruce Davidson, William Eggleston, Walker Evans, Robert Frank, Eugène Atget, Robert Capa, Elliott Erwitt, Helmut Newton, Vivian Maier o Man Ray, que constituyen un viaje en el tiempo desde 1900 hasta principios del siglo XXI.

Howard Greenberg, referencia ineludible de la fotografía del siglo XX, lleva más de 40 años creando un archivo con más de 30.000 fotografías. En esta exposición, el visitante podrá experimentar cómo las piezas de un archivo pueden estar conectadas de múltiples maneras entre sí y, a partir de las agrupaciones de imágenes surgidas de la personal visión de la comisaria, establecer sus propias conexiones y asociaciones entre fotos y entre grupos de imágenes, generando el relato de su elección.

Al descubierto

El artista español Cruz Novillo (Cuenca, 1936) expone por tercera vez en las salas de la galería Fernando Pradilla. En esta ocasión presenta su proyecto “Diafragma La Haya” que, estructurado en tres bloques, reúne obras de los ciclos Diafragma La Haya, Diafragma decafónico de dígitos para el INE y una selección de piezas históricas, entre pinturas, esculturas y obra sobre papel, correspondientes a las diferentes etapas que ha transitado su dilatada carrera artística. Del ciclo Diafragma decafónico de dígitos para el INE se exhibe una selección de obras de diferentes formatos que recogen índices estadísticos traducidos al lenguaje visual y sonoro de Cruz Novillo, y que el artista ha denominado obras cronocromofónicas. Junto a estos lienzos tintados se exhibe un vídeo en LOOP de la fachada del INE, creada por el artista en colaboración con su hijo Pepe Cruz (arquitecto y diseñador) por encargo del estudio de arquitectura RLA en 2005. Con el ciclo Diafragma La Haya Cruz Novillo recupera una de sus series históricas de finales de los ochenta, exhibida primero en la galería Artline (1988, La Haya, Países Bajos) y luego en la Galería Aele (1989, Madrid). La mayor parte de estas obras se extraviaron, por lo que el artista ha incursionado nuevamente en el ciclo creando varios dípticos en acrílico sobre lienzo que combinan los formatos (obras de 145 x 145 cm y 35 x 35 cm) y los colores (blanco y negro y rojo y amarillo). La idea de acudir a ciclos de etapas anteriores ha sido una práctica bastante frecuente en la obra de Cruz Novillo. Las Estructuras manipulables de los años setenta tuvieron una segunda versión en el 2008, y en esta exposición vuelve a su Diafragma La Haya, tres décadas después de ser creados. Ya en su discurso de ingreso como académico electo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en 2009 Cruz Novillo manifestaba su inclinación a recuperar procesos creativos anteriores: “... rescato de vez en cuando, siempre por azar sobrevenido, proyectos de ciclos de muchos años atrás, irrealizables entonces, pero perfectamente realizables ahora con los recursos, materiales, técnicas actuales y con los medios disponibles en estos momentos. Hay que tener en cuenta que el comienzo y gran parte del recorrido de mis ciclos diafragmas se produjo en una época en la que yo todavía trabajaba con métodos, materiales y procesos analógicos, contando con los dedos y dibujando con lápices de colores, siendo la llegada de la digitalización, que tardé en aceptar, una revolución de efectos incalculables para mi obra.” De ahí, estas obras de cronologías tan poco determinadas, como diría Cruz Novillo. La caligrafía visual de Cruz Novillo acoge signos de distinta índole: plásticos, sonoros, temporales y espaciales, derivando en un sincretismo que propicia esa capacidad de unas obras para engendrar otras nuevas. El desarrollo del concepto de Diafragma que Cruz Novillo implementa a comienzos de los años noventa, le permite crear multitud de obras cuya característica común es la combinación de un número variable de elementos monocromáticos, sonoros, fotográficos o tridimensionales. En este sentido el artista ha declarado: “Es muy poco probable que de cada uno de los ciclos realice más de unas pocas obras. Me interesa mucho más la cantidad de ciclos desarrollados simultáneamente que el número de piezas realizadas de cada ciclo. Es muy importante para mí la sensación en cada ciclo de manejar una gran cantidad de unidades potencialmente posibles; mucho más importante cada día, siendo el rasgo más destacable de mi obra en este momento y en el futuro inmediato: la capacidad de crear ilimitado número de ciclos, de ilimitado número de obras cada uno; y la voluntad de hacer el mínimo número de obras imprescindible para que se perciban todas las características conceptuales básicas.” El teórico y crítico de arte Miguel Cereceda, comisario de la exposición retrospectiva “Cruz Novillo: dibujante, escultor, compositor”, presentada en el Palacio de Quintanar en Segovia y en la Sala Arco de Santa María en Burgos, reseñaba en el texto de la muestra el fuerte impacto que causó en Cruz Novillo la obra minimalista de Frank Stella y de Jasper Johns en un viaje que el artista realizó en 1963 a la ciudad de Nueva York. Cereceda escribe “...aquellas pinturas anti expresivas de finales de los cincuenta y principios de los sesenta de Stella y Johns significaban una verdadera revolución. Y de modo sorprendente Cruz Novillo absorbió rápidamente aquella ética del minimalismo.” Varios son los códigos de esta corriente artística que podemos hallar en la obra de Cruz Novillo, desde la economía de medios, hasta esa actitud más reflexiva en torno al propio hecho artístico, pasando por la implicación del espectador en la percepción de la obra. Y es que para Cruz Novillo esta experiencia supuso “la gran oportunidad de vivir el futuro con muchos años de anticipación”. Obras como las de la serie Tximparta, presentadas en la Bienal de Sao Paulo de 1977 hablan elocuentemente de la impregnación del repertorio y discurso de la estética Minimal en su trabajo. Cruz Novillo es Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 2009, Cartero Honorario de Correos y Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2012. Además de su participación en la mencionada Bienal de Sao Paulo en 1977 ha participado en numerosas exposiciones y en ferias internacionales de arte como FIAC París, Art Basel, Art Cologne, y en ARCO de forma habitual desde 1985. En 2020 fue el artista invitado del stand de El Mundo en la feria de Arco Madrid de ese año. De sus recientes exposiciones institucionales en Segovia y Burgos, comisariadas por Miguel Cereceda, se publicará un catálogo editado por la prestigiosa revista Experimenta, que ha contado con el apoyo del Palacio Quintanar de Segovia y la Galería Fernando Pradilla de Madrid.

Diafragma La Haya

La exposición «Català-Roca. La lucidez de la mirada» rinde homenaje a Francesc Català-Roca (Valls, Tarragona, 1922-Barcelona, 1998), en el centenario de su nacimiento, reivindicándolo como como una de las figuras fundamentales de la fotografía humanista documental de la posguerra española; el padre de la generación que renovó el lenguaje fotográfico y un referente para la generación posterior.

La muestra, comisariada por Oliva María Rubio, cuenta con una selección de 81 imágenes del autor, procedentes de los fondos del Archivo fotográfico del Col·legi d’Arquitectes de Catalunya y ha sido organizada por la Dirección General de Patrimonio Cultural de la Comunidad de Madrid en colaboración con PHotoEspaña.

En las distintas ciudades de la geografía española, Català-Roca retrató un compendio de nuestra historia reciente en imágenes: sus gentes, cultura, tradiciones y modos de vida, mostrando los cambios que se estaban produciendo en la economía y en la arquitectura del país, el cual empezaba a recuperarse poco a poco de los estragos de la Guerra Civil. Sus fotografías nos convierten en testigos de una época, de una España en blanco y negro en la que ya se apuntan algunos cambios.

Junto a las imágenes míticas de la Gran Vía o el Metro de Madrid y los retratos de figuras como Salvador Dalí o Joan Miró, la exposición nos acerca a otras imágenes desconocidas e inéditas como algunas fotografías familiares o las realizadas en color durante su estancia en Nueva York a finales de los años ochenta. Su faceta de retratista nos muestra, tanto la pobreza de los barrios marginales, con imágenes de vendedores ambulantes, recaderos, limpiabotas o cacharreros, como la elegancia de la burguesía que acude al Liceo.

El estilo personal de Català-Roca se consolida en los años cincuenta, tras haber trabajado desde los trece años en el laboratorio de fotografía experimental de su padre, abriendo el suyo propio a los veintiséis. Supo compendiar los conocimientos técnicos adquiridos durante esta etapa con las tendencias fotográficas de la época de entreguerras y ponerlos al servicio de una fotografía que diera cuenta de la realidad del país en que vivía. Ello dio como resultado trabajos tan destacados como los que hizo en Madrid y Barcelona, ambos libros publicados por la editorial Destino en 1954.

Su trabajo, multidisciplinar, no se reduce a la fotografía documental humanista, sino que igualmente desarrolla un importante corpus de fotografía de arquitectura, retratos, fotografía industrial, cerámica y artesanía, arte, así como numerosos documentales entre los que destacan La ciudad condal en otoño (1951), Piedras vivas (1952) o Salineros de Ibiza (1954).

A partir de los años setenta, centra su trabajo e investigación en la fotografía en color, que concibe como un nuevo idioma y una forma necesaria y natural, aunque nunca abandona por completo el trabajo en blanco y negro.

La lucidez de la mirada

Rostros y Jardines nace como un diálogo entre Marta Aguirre (Tudela, 1983) y Elvira Carrasco (Cuenca, 1990), dos artistas plásticas que desde la individualidad de sus obras y la investigación de lo abstracto a través del color, presentan una serie de obras que llevan al límite una figuración muy subjetiva.

Reflejo de la experimentación sintética del color y la forma, Marta Aguirre contempla su obra como un viaje a dimensiones más allá de la realidad mediante el cromatismo. Relacionando la mancha, el grafismo y distintos materiales, establece una armonía de conjunto que permite que cada color tenga una dimensión y comportamientos únicos.

El proyecto actual de Elvira Carrasco “Faces Project” resulta en la materialización de la simbiosis entre pintura y fotografía. La artista recurre a su propio rostro como soporte pictórico, donde, de una manera casi performática, aplica la pintura con la gestualidad propia del action painting para, posteriormente, fotografiarse.

Rostros y Jardines reúne la creación de ambas artistas y plantea una muestra sobre la representación de un momento a través del color, medio y herramienta fundamental para la representación de las emociones. Una exposición esencialmente pictórica donde el gesto y su naturaleza cobran protagonismo en la experiencia de Elvira Carrasco y Marta Aguirre al enfrentarse a la pintura, descubriendo un encuentro fresco y colorista para el espectador.

Rostros y Jardines

Safaa Salem Eskander (Bagdad, Irak 1990), además de pintor y calígrafo, es poeta y narrador, licenciado en química por la Universidad de Bagdad. Publicó hasta la fecha tres poemarios que son: El universo es la tumba de mi soledad, Trémulo de sombra y luz, y Musicalidad de la biografía de la rosa. Ha participado como artista invitado en exposiciones en Bagdad, Qatar, Babel, La Haya y el Cairo.

"El artista trata de dibujar los versos a través de colores y formas para ponerlas frente a nosotros con sus signos, líneas y espacios como una pregunta sobre el sentido de la vida. Esta órbita gigantesca con o sin las entonaciones y la música interior, o sin ninguna relación directa con la letra. Pero finalmente nos enfrentamos con imágenes renovadas donde añade sentido a la carga primitiva de la palabra. El poeta se adentra aquí en la profundidad de las figuras, los colores y el significado mágico de los objetos sin abandonar la idea y la esencia poética propia de su doble vida artística entre la escritura y la pintura."

Abdul Hadi Sadoun. Escritor y Académico, Área de Estudios Árabes e Islámicos, Universidad Complutense de Madrid

Música Oriental

Casa negra es una exposición personal del artista cubano Marco A. Castillo, fundador del reconocido colectivo artístico Los Carpinteros. Con esta muestra Marco reflexiona sobre el impacto de nacer y vivir en una dictadura y todas las dinámicas y repercusiones que este hecho tiene en la vida doméstica y en los patrones estéticos que rodean a los individuos en esta realidad.

Inspirada en el diseño e interiorismo cubano de los años 60, la serie Juego de sala, 2022 nos coloca frente a la historia de una generación de diseñadores e intelectuales aniquilada, la misma generación que tuvo la función de cambiar el patrón estético y funcional de Cuba para modular la vida del llamado “hombre nuevo” en los primeros años de la Revolución. A través de un grupo de esculturas de caoba inspirada en la estética Sputnik el artista nos habla de los sistemas totalitarios que, como en una obra de teatro, se construyen y se legitiman a partir de ficciones utilizando las mentes más brillantes de su generación, las mismas que una vez cumplida su encomienda son desechadas y expulsadas de la propia historia. La elección de este movimiento específico dentro del diseño cubano no es fortuita y servirá de hilo conductor de toda la muestra. Este grupo surge, paradójicamente, al mismo tiempo que comienza la desestructuración de la familia tradicional, la desaparición de la clase media y la mayor migración jamás presenciada en la isla. Observadas desde arriba estas esculturas parecen vistas aéreas del interior de una casa como si el artista quisiera recuperar esa imagen no quebrada de la familia cubana en la memoria colectiva.

Por su parte una serie de libros donde la palabra Dictadura aparece una y otra vez de manera compulsiva ocupan toda una sala de la galería. Marco Castillo nos propone adentrarnos en su juego donde nos enfrenta a una amalgama de tipografías y formas geométricas abstractas y desordenadas para que intentemos descifrar el mensaje oculto detrás de cada pieza. Más que remitirnos directamente al impacto conceptual de la palabra Castillo nos habla de la manera en que el poder se perpetúa, a partir de puestas en escena donde el ser humano no es consciente del sistema de construcciones que están conformando su propia cárcel. Un sistema de espejos donde es imposible saber dónde empieza y termina la ficción pero que el artista intenta disrumpir con este grupo de obras. En un giro de 180 grados todas las letras y formas se organizan y develan como un mantra la palabra dictadura. Las obras estarán acompañadas por un videoarte que completa el concepto de la muestra y que funciona como el punto focal que encierra el horror al que es sometido el ser humano en este tipo de sistema.

En esta exposición tendremos la sensación de estar recorriendo una casa estéticamente bella pero donde cada elemento nos remite a un mundo perverso en el cual los individuos son acorralados por los propios engendros del poder. En Casa negra, Marco Castillo nos emplaza frente a la historia de un país y pudiera también ser pensada como el mapa para entender el universo distópico al que nos enfrentamos.

Casa negra

La Galería Elvira González inaugura su quinta exposición individual del artista Adolfo Schlosser. Afincado en España durante las últimas cuatro décadas de su vida, la necesidad de expresión de Schlosser le impulsó a practicar distintas disciplinas (pintura, literatura, escultura…) y a utilizar el arte para investigar el vínculo activo entre el alma y la naturaleza.

La exposición presenta más de cuarenta obras en las que se analiza la evolución del artista a través de una selección de esculturas, obra sobre papel e instalaciones desde 1973 a 2002. La práctica de Schlosser se plantea como la reflexión de un artista que considera la naturaleza como organismo viviente y no como medio; por lo que en sus obras hay una clara referencia a ella desde un punto de vista formal además del uso de materiales como algas, piedras, cera natural, paja y adobe.

Adolfo Schlosser

En 1884 Edwin Abbott Abbott publicó bajo el seudónimo A Square, la novela Planilandia. Una novela de muchas
 dimensiones (Flatland, A Romance of Many Dimensions). En esta, hablaba de un mundo en el que solo existían
 dos dimensiones, un mundo bidimensional donde su protagonista, un cuadrado, nos narra en primera persona un sueño en
 el que escapa de su mundo plano, bidimensional a un mundo de tres dimensiones más complejo.

Esta exposición aborda la práctica artística de Juan Cuenca en la que, como en el relato que mencionábamos,
 sus obras tratan de escapar desde la bidimensionalidad a la tridimensionalidad, utilizando para ello pequeños gestos
 sutiles que de alguna manera transforman por completo el carácter de estas piezas, su esencia, para hacer que pasen
 de su bidimensionalidad formativa, a una nueva tridimensionalidad objetual y fáctica; pero además –también como en
 el relato– se verán cruzadas por una cuarta dimensión: el tiempo, que a su vez es transformado en memoria.

Con esta exposición queremos mostrar obras de reciente creación junto a proyectos y piezas en otras muchas
 dimensiones y disciplinas, así como obras del Equipo 57, ahondando en la complejidad y diversidad de sus trabajos a
 lo largo de toda su trayectoria profesional y vital sin los que no es posible entender su obra, en toda su
 dimensión.

 Texto de Ramón Mateos (comisario), 2022

Juan Cuenca, una historia de muchas dimensiones

Shadowpieces es una exposición de obras que abarcan los últimos tres años de la actividad del pintor abstracto Peter Krauskopf. En lugar de presentar un conjunto completo de pinturas, el artista ha optado por una confrontación consciente de los temas que trata en su obra. En obras anteriores, las formas densas y los degradados, aparentemente generados por el ordenador, se iluminan o se oscurecen mutuamente, manipulando un motivo central de la propia pintura. Los lienzos más recientes son testimonio de una interrogación más conceptual sobre el carácter del color y sus profundidades: los colores al óleo, exuberantes y densamente aplicados, se superponen sucesivamente, para ser desenterrados de nuevo por el pintor con precisión formal. El universo pictórico de Peter Krauskopf se desarrolla en la tensión entre el control algorítmico que ejerce sobre su oficio y la naturaleza imprevisible inherente a su técnica.

Shadowpieces se refiere a los espacios de luz y oscuridad que Krauskopf deja en sus obras: su técnica crea campos de los que parece filtrarse la luz, y otros en los que parece sumergirse. Sin embargo, el título no oculta la preferencia intuitiva del artista por la sombra como protagonista. Con su plasticidad, los cuadros de Krauskopf asignan ineludiblemente un lado u otro al espacio que tienen delante. La mayoría de las veces, el pintor -y más tarde el espectador- se coloca en una posición desde la que la luz parece emanar de más allá del lienzo.

Las obras de Peter Krauskopf son abstractas, pero el carácter no figurativo, se nutre constantemente de las experiencias cotidianas del artista. A través de la pintura, sus intuiciones vuelven a la realidad como imágenes genuinas. La complicación de la frontera entre la abstracción y la ficción es una elección intencionada en este proceso de reconstrucción. Lo mismo ocurre con los textos breves que acompañan a algunas obras de la exposición y que relatan experiencias personales. Los relatos de las situaciones son claramente suyos, pero ¿ocurrieron realmente de la forma en que los describe? En lugar de intentar explicar los cuadros, los textos plantean una pregunta. Una pregunta sobre la realidad de la narración, y la realidad del narrador; una pregunta sobre la realidad de la pintura, y la realidad del pintor.

Shadowpieces

History in Fragments (Historia en fragmentos) es una exposición colectiva que presenta obras de artistas cuya práctica aborda aspectos y cualidades de la cerámica, ya sea como materia prima, marco conceptual o contexto para instalaciones más grandes. Esta exposición destaca la diversidad de enfoques para hacer obras de arte en cerámica y la importancia de este medio como registrador del tiempo y testigo de los acontecimientos.

Históricamente, la representación y el tratamiento de la superficie de las vasijas de cerámica ha sido una forma de registrar la historia. Han sobrevivido numerosos ejemplos de estas obras de la antigua Grecia, Roma, Persia, China, América del Sur, África y las culturas indígenas de América del Norte y Australia. Desde los primeros días de la industrialización, las superficies de cerámica se han explotado al servicio de la comercialización de un aspecto exclusivo, como el que se encuentra en la porcelana de Delft en el siglo XVII y la fabricación de porcelana británica y francesa del siglo XVIII. A finales del siglo XIX y principios del XX hubo intentos de experimentar con la cerámica, principalmente a través del lema modernista de "la forma sigue a la función". Hasta la década de 1960, ha habido muy pocos casos en los que la cerámica se haya considerado como un material para hacer arte contemporáneo y ha habido grandes desafíos para que los medios sean considerados en los ámbitos críticos de la cultura visual. En las últimas dos décadas, sin embargo, la cerámica se ha abierto camino en el arte contemporáneo dominante al hacer que el medio rompa con las decoraciones tradicionales de forma, función, esmalte y superficie.

History in Fragments rastrea algunas de las estrategias utilizadas en las obras de los artistas Manal AlDowayan, Joël Andrianomearisoa, Gabriela Bettini, Julia Llerena, Timo Nasseri, Edison Peñafiel y Luis Úrculo; todos los cuales provienen de una amplia gama de orígenes, culturas, prácticas y diversos medios con los que eligen trabajar.

History in Fragments

Una serie de manipulaciones, acciones y discusiones sobre un cierto tipo de arquitectura

A través de distintos medios, acciones e intervenciones.

¿Cómo podemos crear una arquitectura a partir de una fragancia?

¿Cómo podemos crear una arquitectura a partir de una mirada?

¿Cómo podemos crear una arquitectura a partir de una obra de literatura?

¿Cómo podemos crear una arquitectura a partir de un sabor?

¿Cómo podemos crear una arquitectura a partir de una forma?

¿Cómo podemos crear una arquitectura a partir de una pieza de ropa?

...

¿Cómo podemos crear una arquitectura a partir de una emoción?

Aleatoriamente a través de nuestro tiempo

Y a través de nuestros deseos.

Deseos del mundo.

Todo desaparecerá así que muramos en nuestra fantasía

Una arquitectura para todos nosotros

La exposición se ha realizado en colaboración con 12 estudiantes de la confluencia Institute for Innovation and Creative Strategies, París

Random desires for a certain kind of architecture

La obra de Matthias Bitzer es poética y enigmática al conjugar la pintura figurativa con la abstracción y las geometrías ornamentales. Su pasión por la literatura, la poesía y la ciencia resultan en una red óptica que conecta las brechas de nuestra percepción del tiempo y el espacio. Su fuente de inspiración deriva de una amplia gama de personajes históricos a menudo olvidados, incluyendo a Emily Dickinson.

El lenguaje artístico único de Bitzer se basa en temas formales y conceptuales que divergen entre la abstracción y la figuración. Toma de referente artistas de los siglos XIX y XX como Láslò Moholy Nagy u Oskar Schlemmer. No obstante, su trabajo va más allá de lo que exploraron sus antecesores.

Bitzer despliega una nueva perspectiva sobre el modernismo al crear un cosmos visual que sumerge al espectador en un mundo de figuración, patrones geométricos, imágenes superpuestas y abstracción. En este sentido, Bitzer se preocupa por la identidad como una postura existencialista constantemente revelando la fragilidad de lo que tomamos como "verdad".

You in the space

La Galería Elba Benítez se complace en anunciar la próxima exposición de la obra de Alejandro Campins, que se inaugurará el 8 de septiembre de 2022.

Titulada Espacio rígido, la muestra presentará los nuevos trabajos de la serie Tíbet, que nos adentra en una de las geografías más interesantes del mundo contemporáneo: la meseta norte del Himalaya, conocida como el Techo del Mundo. Utilizando como punto de partida conceptual la odisea de la transformación cultural, las pinturas intentan plasmar no solamente el paisaje natural en sí mismo, sino también el conflicto detrás del velo de su bella apariencia: el impacto de la Revolución Cultural China en el budismo tibetano. En este hábitat, donde las dualidades y los accidentes se consideran inexistentes, la ruina arquitectónica adquiere gran relevancia como síntesis de todo conflicto y la metamorfosis.

Para Campins, los paisajes no son solo físicos o imaginarios: son espacios metafísicos que desestabilizan nuestra concepción y ocupación empírica y familiar, pues exhiben e interrogan sus estructuras y condiciones. No son una representación de las cosas, sino un acontecimiento ontológico, una apertura, una revelación del mundo.

Espacio rígido

Bajo el título Las montañas azules caminan Nico Munuera presenta una nueva serie de trabajos que tienen su origen en el agua y en los movimientos geológicos.

Se trata de un conjunto de obras únicas que hacen referencia clara a la estampa japonesa y que conservan en sus márgenes las huellas de su propio proceso de elaboración. Estas marcas nos proporcionan indicios de que la pintura es algo mucho más extenso y complejo, siempre difícil de contener en un rectángulo.

La idea de movimiento interno que provoca la forma exterior de una planta, idea a la que ha aludido Munuera en otras series de trabajos, se desplaza en esta ocasión al interés por el estado de transformación mucho más lento de las formaciones geológicas. Unas transformaciones internas y silenciosas cuya apariencia exterior es la de contener de manera pétrea un tiempo infinito. Se trata de una transformación continua pero imperceptible a simple vista:

“Un movimiento que debemos aprender a ver si que queremos ser conscientes de nuestro propio movimiento. Un estado de conciencia que nos acerque a la naturaleza a la cual pertenecemos y de la que dependemos”

En esta exposición se pueden ver claramente las referencias a la observación del paisaje y de los pequeños elementos que lo conforman. Las imágenes funcionan como archivo directo de la mirada al tiempo que se relacionan con elementos gráficos. En este sentido se hacen eco de la serie Geología aproximada de la pintura (2022) en donde la idea de lenguaje y la construcción de conceptos que van sucediendo en el tiempo dilatado en el estudio quedan plasmados en un plano.

Estas obras sobre papel de Nico Munuera son directas, llenas de sencillez y belleza. Unas pinturas que se manifiestan como un ejercicio performativo y como un lugar de meditación, mientras que también son capaces de provocar una reflexión que une nuestro presente contemporáneo con el origen de la tierra.

En ellas encontramos un entendimiento de la pintura que va mucho más allá de la mirada superficial del paisaje y de sus elementos. Se trata de una observación minuciosa de la propia práctica pictórica que se transforma ella misma en naturaleza “…porque la pintura, a fin de cuentas, entre un millar de cosas, es solo arena y agua.”

Nico Munuera, (Lorca, 1974) tiene como eje central de su trabajo la pintura y los procesos tanto internos como externos que la conforman. Desde una fuerte conciencia de la pintura como naturaleza en sí misma, crea campos de color, donde la sencillez de la horizontal o el gesto mínimo actúan como registros temporales. La fluidez, el color y la idea de límite son características fundamentales de su trabajo, así como los conceptos de tiempo, secuencia, intuición y belleza. Desarrolla su trabajo entre Valencia e Ibiza, y su obra ha sido expuesta y se encuentra en las colecciones de múltiples instituciones como Fundación Barrié, Museo Patio Herreriano o en el IVAM.

Las montañas azules caminan

En septiembre de 2007 se inauguraba Piedra, la primera de una serie de exposiciones que la galería ha dedicado a una de sus fotógrafas más representativas. Se iniciaba, no solo una estrecha relación profesional entre galerista y artista, sino una amistad que ha ido en aumento con el paso del tiempo. Isabel Muñoz no podía faltar en la celebración de los 15 años de la galería, tres lustros después de aquella temprana muestra.

La fotógrafa catalana nos hace partícipes de sus proyectos más recientes, algunos inéditos, como la serie Los españoles que ha inspirado el título de la exposición, en referencia a la armonía de proporciones característica de los caballos de pura raza española. Felipe II dio origen a este linaje con el propósito de representar en el equino las cualidades que, según el monarca, deberían adornar al caballero español. Para Muñoz, este cuadrúpedo es un animal noble, valiente y que, además, baila, manteniendo esa conexión íntima con su jinete que le ha hecho merecedor del calificativo “sanador”. El empleo del oro de 24 quilates para plasmar su elegancia nos deja una selección de pequeños tesoros que esconden un vibrante latido espiritual: en muchas religiones, sobre todo hinduistas y budistas, los fieles ofrendan láminas de oro a sus dioses para suplicar su clemencia.

La preocupación de Isabel Muñoz por el planeta vuelve a manifestarse en el uso que hace de materiales como el coral y el nácar, convertidos, con ayuda de Manolo Gordillo y mediante la serigrafía, el grabado y las tintas de pigmentos, en unas copias fotográficas de bellísima hechura. Con este alarde experimental genera una vuelta de tuerca sobre sus anteriores series Agua y Japón y un nuevo mensaje de advertencia en torno al calentamiento global.

La búsqueda de los orígenes del ser humano es otro de los temas recurrentes en su trayectoria y en Escala 1 lo aborda con las dos imágenes de árboles sagrados que anuncian la orientación que van a tomar sus futuras investigaciones. En esta ocasión experimenta con el chine collé, una técnica del siglo XIX que ofrece variaciones cromáticas y texturas de notable delicadeza.

La exposición recoge, así mismo, varias obras de videoarte e imágenes de carácter retrospectivo, algunas inéditas, otras especialmente reconocidas, utilizando en muchos casos la platinotipia, una de las expresiones más ilustres del arte fotográfico en cuya ejecución Isabel Muñoz ocupa un destacado lugar internacional.

Como broche final de la exposición, incidiendo en el afán innovador de la artista, se expone una colección de joyas basada en fragmentos de sus fotografías, realizada por ella misma en colaboración con el estudio taller de orfebrería Malicia.

Escala 1

El arquitecto modernista Adolf Loos en su famoso ensayo “Ornamento y delito” (1929) defendía lo “inmoral” y lo “degenerado” del ornamento -del adorno- especialmente en los objetos utilitarios. Hoy día las fronteras entre arte y decoración, minimalismo y ornamento, o arte y artesanía son cada vez más fluidas, más líquidas. También las tendencias y las modas se difuminan y se confunden entre sí. La obra de Estefanía Martín Sáenz (Bilbao, 1982) aborda los significados latentes en las imágenes ornamentales (desde los patterns del papel pintado para paredes a los estampados textiles), en cuyo diseño el dibujo tiene un papel fundamental. Entre los arabescos de esos motivos geométricos o florales, la artista nos descubre un animado mundo de seres y personajes escondidos.

Esta poética se caracteriza por un singular tratamiento del universo femenino y sus emociones, donde la dulzura y la delicadeza, el encanto y la seducción -en definitiva, los tópicos “positivos” asociados culturalmente a la imagen de la mujer: encantadora, sumisa, aérea, fiel, inocente, abnegada- aparecen indisociables de sus contrarios. Así, la crueldad y el dolor se asoman desinhibidamente en estos trabajos, para dejarnos en suspenso ante la ambivalencia de las posibles interpretaciones. Loos afirmó que “nadie puede vivir sin ningún adorno hoy en día en nuestro nivel cultural… Liberarse del adorno es un signo de fortaleza espiritual”. Posiblemente la obra de Martín Sáenz navega entre esas aguas turbulentas y precisamente su ambigüedad es lo que más nos hace disfrutar de ella.

Comisariada por Juan Curto.

Marta Lapeña

Lo cotidiano

Marco A. Castillo

Casa negra

Matthias Bitzer

You in the space

Varios artistas

Al descubierto

Adolfo Schlosser

Adolfo Schlosser

Alejandro Campins

Espacio rígido

Cruz Novillo

Diafragma La Haya

Juan Cuenca y Equipo 57

Juan Cuenca, una historia de muchas dimensiones

Nico Munuera

Las montañas azules caminan

Francesc Català-Roca

La lucidez de la mirada

Peter Krauskopf

Shadowpieces

Isabel Muñoz

Escala 1

Marta Aguirre y Elvira Carrasco

Rostros y Jardines

Varios artistas

History in Fragments

Estefanía Martín Sáenz

Ornamento y delito

Safaa Salem Eskander

Música Oriental

Joël Andrianomearisoa

Random desires for a certain kind of architecture