Galeria Freijo en colaboración con Estrany-de la Mota Art Advisors presenta, por primera vez en la galería, la obra de Claudio Zulian.

"En la práctica multidisciplinar de Claudio Zulian (Campodarsego, Italia, 1960) —que se mueve entre el cine, la video-creación, la producción musical y la escritura—, lo real emerge en sentido lacaniano como algo opaco y escondido: "el misterio del cuerpo que habla" y "del inconsciente". Asimismo, las imágenes que componen la dimensión artística y política de su obra no desvelan ese misterio, sino que lo transitan, lo atraviesan e, incluso, quieren preservarlo."
Carolina Ciuti

Hard times & animals - Cuerpo que (des)hace imagen

La exposición "Un río" constituye una selección de dieciocho obras de Juan Carlos Savater (San Sebastián, 1953) con las que el artista continúa la constante peregrinación espiritual que ha alimentado su carrera artística a lo largo de los años. Su pintura parece señalar algo más allá de lo representado y es siempre simbólica. Sus últimas obras son paisajes de territorios solitarios y agrestes concebidos como los escenarios simbólicos donde surgen unas visiones de flores o árboles transfigurados y ángeles semiocultos. Estas hierofanías son su forma de evocar una plenitud más allá de la vida y la muerte.

Un río

EMERGENCIA, primera exposición individual de Héctor Zamora en Albarrán Bourdais presenta una acción inédita que tendrá lugar durante el Madrid GalleryWeekend, así como obras nuevas de la serie Poralia, inspirada por el encuentro técnico y poético entre las hipérboles paraboloides y el movimiento ascendente de la fauna abisal. La muestra es una llamada de atención hacia los comportamientos armoniosos que pueden emerger cuando un problema atañe a una colectividad, y busca abrir un espacio de encuentro entre lo cotidiano y lo extraordinario en tres cuerpos de obra con los que se recorren los ejes fundamentales en la obra del artista mexicano.

<h4>Armonía y destrucción</h4>

EMERGENCIA es una acción creada específicamente para la galería e involucra a cerca de treinta participantes en la circulación de cientos de vasijas que se arrojarán de mano en mano en un circuito que verá a los objetos volar por una parte importante de la galería, entrando, saliendo y recorriendo el espacio de un modo que rompe con la solemnidad que caracteriza al cubo blanco.

La lógica de la circulación es vaciada de su función productiva en una acción que explora, en cambio, la tensión entre la armonía y la destrucción que surge entre individuos una vez establecido el ritmo de intercambio. Esta coreografía espontánea que nace entre los participantes es un elemento esencial en la obra de Zamora, artista que busca en su trabajo el equilibrio entre el cálculo preciso (con frecuencia ligado a la arquitectura y sus estructuras), y el azar que aporta la intervención humana.
 
Consciente de la inevitabilidad del accidente, Zamora introduce arena de colores en las vasijas. Así, su caída es bienvenida como la oportunidad de crear una serie de dibujos efímeros, mismos que permanecen en el piso de la galería durante toda la exposición. Si la manipulación y eventual destrucción del objeto artístico es tabú en los entornos expositivos, en esta acción son el medio mismo de su producción.

<h4>Catalizadores, provocaciones, accidentes</h4>

Ya en el 2003 Zamora exploraba la noción de circulación en piezas como Pneu, instalación para la que creó un cilindro de plástico rojo, inflado por una corriente constante de aire que, una vez activado, recorría la totalidad del edificio de varios pisos de la galería Garash en la Ciudad de México. Como la serpiente que se muerde la cola, la pieza no tenía principio ni fin: entraba por la puerta principal, atravesaba el espacio y salía por la parte trasera del edificio, subía al techo y regresaba a la entrada en un loop a la vez imponente e impenetrable. Desde entonces, el artista mezclaba ambición con una economía formal dictada por el contexto local de producción, utilizando medios extremadamente modestos (plástico, ventiladores, un presupuesto casi nulo) para lograr un resultado monumental que podía leerse como un cuestionamiento a la accesibilidad, la movilidad y la jerarquía de la obra de arte con relación a su espectador.
 
Una década después, Zamora creó las piezas Inconstância Material (2012) y O Abuso da historia (2014) en Sao Paulo, ciudad en la que residió durante 9 años y con la que estableció un dialogo importante que informó su pasión por la arquitectura. En Inconstância Material, Zamora puso en juego su interés por el ladrillo como símbolo de, por un lado, un ambivalente triunfo de la imaginación humana sobre su entorno natural, y por otro, el trabajo manual como pilar de la sociedad. La curiosidad del artista por las estructuras ligeras e incluso flotantes como las percibe en la obra de Panamarenko (podemos imaginar Pneu (2003) como un Aeromodeller (1969-1971) irreverentemente aplastado y unido en sus dos extremos), completaban una ecuación.
 
Si diez años antes un enorme neumático rojo se le imponía al espacio de exposición poniendo en crisis la noción de acceso, en Inconstância Material cientos de ladrillos creaban un flujo de barro cocido animado por trabajadores de la construcción que de otro modo jamás habrían puesto un pie en la galería. Las acciones generadas por el artista dan lugar a momentos de euforia y libertad, seguidos por preguntas serias e importantes sobre quién y cómo puede acceder a ellas.

Dos años después, también en Sao Paulo, Zamora realiza un quiebre simbólico con la acción O Abuso da historia, para la que trescientas plantas en sus macetas fueron aventadas desde los balcones de un tercer piso hacia el patio interior de un antiguo edificio. ¿Qué puede significar este título que nos habla de consideraciones históricas en una acción que produce efectos tan viscerales e inmediatos?

Para Ivan Muñiz Reed, Zamora “creó O Abuso da historia en Sao Paulo en el 2014 como un intento de “expurgar el contexto” y crear una experiencia universal con ninguna referencia específica al sitio. Como lo hace con frecuencia, el artista combinó unos cuantos elementos para realizar la obra —en este caso las plantas y los aproximadamente 20 hombres que lo ayudaron a aventarlas. Aun al seleccionar el tipo de plantas, tuvo cuidado de evitar cualquier sentido de localidad; usó el significante más común de una experiencia homogeneizada— una palmera de oficina.”

Como en las acciones tempranas de Roman Signer que involucraban arrojar o explotar objetos, Zamora encuentra en el acto de aventar un catalizador emotivoque no necesita ser sobre-explicado para revelar su potencia estética y discursiva. El artista evita señalar cualquier conclusión a los cuestionamientos que éstas piezas generan, prefiriendo poner entre signos de interrogación algunos de los márgenes sociales que censuran, limitan o reprimen sus acciones (aventar, bloquear, destruir). Así, globos, ladrillos, plantas y vasijas circulan, vuelan, abren caminos o los obstruyen; se estrellan y se convierten en escombros, o producen algo nuevo al estrellarse. En la obra de Zamora, todos estos objetos se animan e irrumpen en nuestros espacios, provocando con su presencia espacios de libertad, con frecuencia alegre, siempre reflexiva.
 
<h4>La geometría de la medusa</h4>

A lo largo de su carrera, Héctor Zamora ha realizado exploraciones a aspectos específicos de la geometría y la arquitectura, utilizando bloques y ladrillos de terracota de España, México o Brasil como materia prima. En las composiciones que con éstos ha generado, el artista busca explotar formalmente todas las potencialidades de un determinado tipo de ladrillo, basándose en ejercicios geométricos y de teorías de conjuntos para complicar su interpretación, llevándolos de ser una unidad de construcción, a un elemento de lenguaje, tanto racional como espiritual.

Es el caso de la pieza L’oeuf de vie (2024), escultura que ocupa la totalidad de un muro de la galería y en la que Zamora convierte un conjunto de ladrillos de terracota producidos industrialmente en algo cercano a una flor que parece vibraren el espacio.
 
Con su título, huevo de vida, Zamora apunta a su observación de las llamadas geometrías sagradas, identificadas desde la antigüedad en la naturaleza (el ejemplo paradigmático son las conchas logarítmicas de los nautilus) y utilizadas, sobre todo en arquitecturas y ornamentos religiosos, como vehículo de una espiritualidad que se expresa a través de las matemáticas. En la pieza, un grupo de ladrillos franceses de construcción son elevados a un plano contemplativo sin dejar de ser ladrillos que se mimetizan de un modo misteriosamente armonioso y complejo con su entorno.

Otros ejercicios formales acompañan en paralelo a las ambiciosas y con frecuencia efímeras instalaciones que Héctor Zamora ha realizado en todo el mundo. Las piezas ROJO Brique à bancher —acrotère (2024) y Azul 16 Brique à bancher— acrotère (2024), son parte de una serie que nació simultáneamente aLattice Detour, la intervención monumental que el artista realizó en la terraza del Metropolitan Museum of Art en Nueva York durante el 2020.

Inspirado por la obra de Donald Judd (cuya retrospectiva en el MoMA pudo ver a finales del 2020) y su búsqueda por encontrar en el equilibrio entre material, espacio y color la esencia invisible del arte, Zamora introduce por primera vez color a una serie de composiciones minimalistas, recordando con sus formas, colores y protocolos de instalación a obras sin título creadas por Judd en 1986. Enéstas, un campo de color era dividido por configuraciones de líneas verticales cortadas en el espacio negativo de una serie de rectángulos y paralelogramastridimensionales.

La exposición culmina con una nueva serie de esculturas con las que el artista continua las exploraciones que ha realizado en piezas como Synclastic/Anticlastic(2009), en la que estructuras de hormigón creadas a partir de paraboloides hiperbólicos recordaban a un ave o mobula (mantarraya) en distintos momentos de vuelo en su proceso de transformación hacia una superficie sinclástica, sorprendiendo al ser también arquitecturalmente plausibles (las primeras estructuras creadas con estas formas datan del siglo II).
 
En otras piezas como Hypars, intersections series (2014), Zamora se inspiró directamente en la obra de Félix Candela (1910-1997), arquitecto nacido en Madrid y exiliado desde 1939 en la Ciudad de México, en donde marcó el panorama arquitectural con estructuras insólitas, a la vez matemáticamente complejas y sensorialmente elocuentes, ricas en generosas curvas y formas ascendentes.
 
En su más reciente serie, Poralia (2024) Zamora mezcla las lecciones de Candela con su interés por el movimiento de, en este caso, las medusas del mismo nombre, criaturas que se propulsan elegantemente por las aguas profundas de los océanos. En la instalación, las Poralias se pasean por el espacio de la galería, desafiando las alturas con sus estructuras de cerámica esmaltada y acero.
 
La exposición va a contar con la curaduría de Marisol Rodríguez (Ciudad de México, 1984), escritora, editora y curadora centrada en la intersección de la historia cultural, la cultura popular y el arte contemporáneo. Actualmente vive en París, con distintos proyectos independientes, entre los que destacan su papel como curadora invitada de la 13a Bienal de Dakar bajo la dirección artística de Simon Njami (2018); la exposición AMEXICA, con obras de la Colección de la Familia Servais en el Institut Culturel du Mexique en París (abril-junio de 2023); y Chromosome Comic, en Biquini Wax EPS en Ciudad de México (2023).

Emergencia

El fin de la inocencia, primer asalto, por Julie Boukobza

Tengo 27 años, vivo sola desde hace un mes en el edificio Pegasus, en el centro de Los Ángeles. No sé conducir, no sé lo que es el amor, mi cuerpo no existe, mi trabajo está en el aire. Es el verano de 2007. Milena Muzquiz está ensayando en un viejo garaje de Echo Park, lleva un vestido blanco que complementa a la perfección su bronceado permanente. Canta con Martiniano López Crozet, su compañero en su grupo Los Super Elegantes. Hacen como que no existo hasta que se me acercan y sonríen. Sus sonrisas no son de esta América; son cálidas, para quedarse. Pocos días después viene en su viejo Volvo a darse un baño en la piscina de mi edificio y me lleva a dar una vuelta. Sabe que me siento un poco sola, un poco como Eloise en Nueva York. Nuestro amigo común, el artista Miltos Manetas, nos presentó y se toma como una misión entretenerme. Es una de las mujeres más divertidas y bellas que he conocido nunca. Nos unen demasiadas adicciones serias: ensalada Cobb con patatas fritas, Prosecco, bailar toda la noche en su jardín, suaguacatero, historias de amor (suyas) mejores que la colección egipcia del Met, Paradise Cove, Reunited de Peaches Herb, la tienda vintage de Shareen y su pila de vestidos de tres dólares tirados por el suelo. Este primer viaje a Los Ángeles termina con un artículo que escribí sobre su grupo en la revista l’Officiel y da comienzo a una amistad de casi dos décadas.

No estoy aquí para hablar de nuestra amistad sino de su arte, pero es más o menos lo mismo. Evolucionó tanto a lo largo de los años que sólo conocerla tan bien me permitió comprender sus rápidos cambios y su constante transformación. Milena comprendió mejor que cualquier película sombría de los hermanos Dardennes que el movimiento constante es la única forma de navegar esta vida. Un hecho extraordinario es que ambas nos convertimos en madres solteras con pocos años de diferencia de unos meta niños sicilianos. La maternidad nos salvó y nos mató. Nos hizo (casi) perder el apetito por las ensaladas Cobb y las compras vintage, pero finalmente nos obsesionamos por alguien más que nosotras mismas o por los hombres que siguen pasando por nuestras vidas. Milena cree que lamaternidad en solitario explica por qué utiliza una variedad infinita de materiales y técnicas en su proceso, ya que sus días y su noción del tiempo están siempre fragmentados; su práctica acaba siendo una larga frase, siempre interrumpida por dejar y recoger a su hijo.

En su génesis, el trabajo de Milena fue su voz, su música, su cuerpo y sus movimientos. También su vestuario, sus decorados y sus vídeos, creados junto a Martiniano. Pero cuando Los Súper Elegantes terminaron, pocos años después de conocernos, empezó a hacer cerámica de nuevo. Yo organicé su primera exposición en París en 2014, se llamaba Budlight y pretendía ser una floristería con sus obras como jarrones. Me regaló una obra de esa exposición, todavía latengo en casa. Está pintada en un gris azulado mate, parece un antiguo jarrón griego gigante que fue redescubierto años después en el fondo del mar y tuneado y reformado por una artista outsider enamorada de la naturaleza, la historia del diseño y los relatos de viajes tropicales pasados.

Ahora inaugura Surf and Turf, su quinta exposición con su galería Travesía Cuatro en Madrid. En esta exposición hay unas 30 obras: óleos, esculturas de cerámica, jarrones, acuarelas y joyas. Sus títulos son un despliegue de jerga pop. Una taza de café matutina con la inscripción “mamá número 1”, artículos de prensa sobre la guerra, ofertas de vacaciones con todo incluido, la actitud “stone broke” de un homeless salpicada de sol y delfines. Centrar la obra en un paisaje de lenguaje cotidiano y una serie de deberes comunes animados por el movimiento incesante. La experiencia es lo importante, según Milena: “confiar en el proceso es la única inversión segura que puedo hacer, si apostara por el concepto no habría lugar para los errores. Los errores son el hogar de toda obra, si tuviera una idea clara de lo que hago esta obra moriría”.

Una de las obras centrales de esta exposición se titula “Tiffany-twisted” y procede de la letra de Hotel California de The Eagles, aunque curiosamente su título original era Mexican Reggae:

Her mind is Tiffany-twisted, she got the Mercedes-Benz, uh She got a lot of pretty, pretty boys that she calls friends How they dance in the courtyard, sweet summer sweat Some dance to remember, some dance to forget

Citando de nuevo a Milena: “de toda la obra, creo que Tiffany-twisted lo dice todo. Lo hice pintando primero el lienzo con pintura de color al óleo y luego cubriéndolo con cera y pigmento blanco al óleo. Llené una pistola de spray con óleoazul y disparé a los bordes del cuadro por diversión. Recorté gran parte del cuadro y retiré el color de la parte inferior. Pensaba en el espacio negativo. Las imágenes de ranas proceden de dibujos a tinta japoneses de batallas entre animales, y de souvenirs mexicanos de los años 70 de ranas taxidermizadas bebiendo y bailando. El título es de la canción turística Hotel California de The Eagles. Lo hice sobre todo con las uñas, arañándolo como a la espalda de un amante».

Durante el transcurso de la escritura de este texto, Milena y yo no encontramos un segundo para llamarnos por teléfono por la diferencia horaria, y porque yo recogía a mi hijo del colegio en el momento en que ella dejaba al suyo. En un momento ocioso, de no comunicación entre boomers, ella le preguntó a Chat GPT: “soy artista, soy de la ciudad fronteriza de Tijuana y uso imágenes de cosas similares a las que se ven en tiendas para turistas, quiero ser crítica de estas cosas pero no de manera literal, ¿cómo puedo expresar esto?”

La respuesta de Chat GPT:

«Tu obra presenta a menudo escenas fragmentadas de playas, flores, amuletos y el tipo de detrito cultural pop que se encuentra en una tienda de souvenirs. No te limitas a recrear estas escenas; las distorsionas, las superpones y lasdesplazas hasta que reflejan la realidad subyacente: la tensión entre el paraíso comercializado y las circunstancias medioambientales y sociales que están ahí, en la superficie. El auténtico caos de una ciudad fronteriza.”

Don Henley, de The Eagles, autor de la letra de Hotel California, dijo: “en una frase, lo resumiría como el fin de la inocencia, primer asalto”. La noción de inocencia es algo que siempre está en juego en la obra de Milena. No muy lejosde esta cita de Shakespeare en Macbeth:

Luce como la flor inocente, pero sea la serpiente debajo de ella

Surf and Turf

<h4>Impulsos eléctricos</h4>
 
El emergentismo es un paradigma que Juan lleva tiempo investigando desde su práctica artística. Para explicarlo, suele hacerlo a través de la interacción entre las neuronas: ninguna de ellas, por si sola, es capaz de escribir un poema, la inteligencia emerge de un proceso participativo basado en la sinapsis, el impulso nervioso que posibilita la interacción de miles de millones de neuronas.

El impulso nervioso o eléctrico es la señal que se transmite de neurona en neurona y que tiene como finalidad pasar la información sensitiva o motora hasta llegar a la estructura del cuerpo donde se generó el estímulo desencadenante. Estos impulsos viajan a través de la médula, que Juan asemeja al tronco de un bambú, una planta vinculada a la construcción en muchos países asiáticos, que nos remite al sustento, a lo estable.

Durante una intervención quirúrgica de urgencia —una emergencia—, en la cual le fueron extraídos dos de sus discos vertebrales, soñó que atravesaba un bosque de bambú; o que un bosque le atravesaba a él. Las células cartilaginosas de estos dos discos (condrocitos) han sido cultivadas en laboratorio para fusionarlas después con un tallo de la misma planta, que parece crecer sobre el modelo de la columna vertebral de Juan impresa en fibra de bambú. Las imágenes de este proceso microscópico de conexión se magnifican hasta convertirse en un gran lienzo en el cual el artista nos posibilita acceder a aquello a lo que nuestros sentidos no llegan por sí solos.

Una serie de dibujos ejecutados durante el proceso de recuperación sobre los informes médicos le permiten entrar y salir de su propio cuerpo haciéndonos partícipes de este viaje. Estas obras funcionan no solo como una investigación sobre el propio sistema nervioso —que provoca movimiento pero también dolor—, sino como un experimento a través del cual Juan materializa el deseo siempre presente en su trabajo de hibridación con otros elementos vivos. Es, en el fondo, una investigación sobre la vida.

Estos mismos impulsos eléctricos que permiten el movimiento de nuestras extremidades son generados por el músculo cardíaco (el miocardio) estimulando el latido o contracción del corazón que nos permite mantenernos vivos. En una serie de trabajos anteriores, Juan cultivó células de su propio corazón para después introducirlas en la estructura de una hoja de espinaca en un ejercicio de unión entre la poética de su trabajo y las investigaciones científicas más punteras.

Juan diluye aquí los límites entre lo artístico y lo científico con la música como pretexto. Un disco de vinilo recoge y mezcla el sonido registrado durante la intervención quirúrgica, el de un bosque de bambú mecido por el viento y la música de una flauta con la forma de sus cervicales impresa a partir de las imágenes obtenidas por el procedimiento de la resonancia magnética. Completan este paisaje sonoro la traducción a surcos de las gráficas resultantes de un electromiograma, un análisis que mide la respuesta del músculo al impulso eléctrico.

Lo eléctrico nos remite a la luz, 光, un concepto omnipresente en el trabajo de Juan. De hecho, los dibujos de este proyecto han sido intervenidos con tinta luminiscente, como si sus nervios emitieran luz. Pero al final, los impulsos —o nervios— son, por definición, deseos que inducen a hacer algo de manera súbita, sin reflexionar. Como la necesidad de crear o, como dice Juan, “de hacer arte”.

Light

Sabrina Amrani se complace en presentar After the wake, la tercera exposición individual de Alexandra Karakashian en la galería.

After the wake

La obra presente en esta exposición forma parte de un trabajo más amplio, comenzado en 2017, y dedicado a explorar la memoria del último Hospital Psiquiátrico de Valencia, el antiguo Hospital Padre Jofré de Bétera. El proyecto indaga en la particular historia de este centro para abordar una reflexión entorno a la figura del manicomio como espejo de la sociedad, evidenciando al mismo tiempo, su fracaso como estructura de aislamiento.

Sucios, desgastados, y algunos rotos por el paso del tiempo, los espejos del Hospital Psiquiátrico de Bétera llevaban allí colgados casi cincuenta años. Espejos pequeños, para mirase una sola persona, rectangulares y sencillos, sin bisel ni cantoneras, unos ensartados a la pared con clavos y otros fijados con cinta adhesiva. Los que todavía resistieron al abandono, se encontraban repartidos entre las habitaciones individuales y los baños comunes de todos los pabellones del antiguo hospital: el de psiquiatría infantil, el de alcohólicos, toxicómanos, infecciosos, judiciales, el hospitalillo, el teatro, el hotel, etc.

El proyecto fotográfico Espejo del mundo explora la memoria del último Hospital Psiquiátrico de Valencia, retratando sus espacios a través de los espejos que todavía quedan en sus pabellones deshabitados. El proyecto toma su título a partir de una de las expresiones creadas por los internos del hospital de Juqueri (Brasil) para designar su lugar de internamiento, las cuales, quedaron recogidas en el libro O espelho do mundo (1986), de Maria Clementina Pereira Cunha.

Fotografiar los restos de un hospital psiquiátrico a través de sus espejos nos permite, por un lado, retratar lo que vemos y lo que el espejo ve, las ruinas de la institución manicomial; y por otro, evidenciar lo que no se ve, pero sí que vieron: como si esos espejos, que ahora solo reflejan un lugar vacío y abandonado, tuvieran memoria por haber sido testigos de las vidas de que pasaron frente a ellos, de sus historias y del significado de su internamiento. Ponerse delante de esos espejos supone ocupar el lugar de los que se miraron en ellos, invitándonos a habitar su otro lado, el lugar de lo invertido, del mundo al revés, y preguntarnos, inevitablemente, qué es realidad y qué es reflejo, y en qué lado del espejo nos situamos.

El proyecto recupera un total de 114 espejos originales, registrando antes el estado actual del espacio que reflejan, para componer una obra que, mediante la confrontación de fotografía —como índice de lo que el espejo ve—, y espejos —como testigos de lo que vieron—, cuestione la concepción histórica y social de la enfermedad mental como condición simétricamente opuesta a la razón, evidenciando, no solo el fracaso del manicomio como estructura de aislamiento, sino también el de la sociedad de la que es reflejo.

Espejo del mundo

Historias errantes, habla de la relación del ser humano con su entorno, con la bóveda celeste, con los mares, con el bosque y con las plantas. Con la otredad.

Cecilia Paredes (Perú, 1950) emprende un rumbo de exilio nómada que alimenta su determinación por descubrir y profundizar el modo en que se recibe al otro, al extranjero, al diferente… a lo desconocido. Y lo hace a través de una mirada cómplice con una condición que comparte.

A pesar de acudir recurrentemente a la historia o a la poesía como inspiración, la tendencia épica de la artista encuentra en la mitología el medio perfecto para hilvanar su discurso, para plantear sus descubrimientos a través de grabados impresos en diferentes materiales textiles e intervenidos mediante el dibujo, la pintura, el bordado y el ensamblaje, donde otros mundos, reales o imaginarios, encuentran su lugar.

Con las tres series que conforman Historias errantes, Cecilia Paredes continua una senda aspiracional de hacer realidad aquello que le preocupa. Ese deseo motriz se convierte en pintura, tejido, estampación, bordado o transformación y, solo entonces, artista e idea alcanzan una tregua momentánea, a la que pondrá fin en cuanto emprenda un nuevo trabajo. “Mi pieza favorita es siempre la que tengo en mente como próximo proyecto.”

<blockquote>
Soy el que observa, registra, anota, (no tengo, otra tarea).
¿Quién podría en estos tiempos, entre tantos escombros?
Me he puesto a tu servicio, ignoto merodeador.
No sé qué tengo de ti, un jirón apenas tal vez, pero me ayuda a estar.
Aunque ignoro qué nos separa ni a quién dirigirme,
me he avezado a este temple; soy metal dócil en la mano de los días.
Rafael Cadenas
</blockquote>

Historias errantes

[…] son pinceladas discontinuas producidas por un contacto intermitente: muevo el pincel y lo aprieto contra el lienzo hasta que oigo el latido siguiente de mi corazón. Intento seguir un ritmo secuencial marcado por mi pulso y esa es la razón por la que casi siempre trabajo en estos cuadros de noche, especialmente aquí en Nueva York. Me hacen falta concentración y silencio.
 
Juan Uslé (Santander, 1954), uno de los pintores españoles contemporáneos más personales y reconocidos del panorama artístico internacional, pasa a formar parte de los artistas representados por la Galería Elvira González en el ámbito nacional. El pintor tendrá así una primera exposición individual en la galería el próximo 12 de septiembre, con motivo del Apertura Gallery Weekend de Madrid, en la que presentará su obra más reciente.

Si bien su pintura suele enmarcarse en la llamada “Nueva Abstracción”, la obra de Uslé va más allá de las categorías y su férreo inconformismo convierte la práctica de la pintura en una búsqueda única y absolutamente personal que trata de extender los límites de la representación abriendo fisuras hacia nuevas formas de interpretación del entorno. A través de la utilización de recursos expresivos, Juan Uslé propone una deconstrucción de los procesos de representación de la realidad.

Juan Uslé

Cayón tiene el placer de anunciar una nueva exposición de SOTO (1923-2005) en sus dos espacios madrileños. Se trata del quinto proyecto del artista en la galería y, sin duda, uno de los más especiales.

Esta exposición en Madrid tiene una pretensión muy específica: la de mostrar únicamente el trabajo de Soto realizado con la incorporación de unos finos elementos metálicos en forma de T que provocan, con total seguridad, las obras más vibradas, sutiles y etéreas del artista. Es la primera ocasión en la que una exposición se dedica de manera exclusiva a este tipo de trabajo.

Por ello, Soto, la T trata de plasmar no una visión general de la obra de Soto, sino más bien, una mirada exclusiva con la que se demuestra, casi como con ninguna otra de las líneas de trabajo de su extenso y complejo corpus, la pretensión del artista representada en su más elevada intención de sublimada pureza.

Distribuidas en ambos espacios, 14 obras proyectarán la idea de Soto en torno a la luz y la vibración de los elementos, planteamientos formales que le vienen, fundamentalmente, de su admiración por los impresionistas a los que siempre vio como los padres del arte moderno.

Por vez primera se expondrá la que se considera la primera T, un pequeño madero (leño, en el lenguaje de Soto) realizado en 1961 que presenta, como novedad, el elemento metálico en forma de noventa grados. Se trata, en esta ocasión, de un pequeño clavo distanciado del fondo mediante un alambre; con los años (más bien, en la década de los setenta), ese clavo desaparecerá para ser sustituido por el fino metal realizado exprofeso con el deseo de generar la obra, su movimiento y, por esto mismo, su indefinición espacial.

La disposición de las obras de Soto producía un efecto en el que las piezas aparecen y desaparecen con el movimiento del espectador, dejando entrever un espacio intersticial: la vibración, el vaivén de lo invisible y lo visible, de lo material y lo inmaterial.

Las T se expusieron por vez primera en la retrospectiva del creador en Caracas de 1971 y desde entonces formaron parte de su línea de trabajo y fueron rápidamente aceptadas como solución enormemente eficaz a la intención desintegradora: “Soto exhibe lo mejor de sí cuando busca una imagen uniforme en toda la superficie, como en su serie de Tes, en la que filas de elementos en dicha forma, espaciados uniformemente, se proyectan desde el fondo desnudo y crean una ráfaga de vibraciones” (David Bourdon, 1974).

El proyecto, que coincide con Apertura 2024, tiene una continuidad conceptual con la exposición celebrada el pasado verano en nuestro espacio menorquín. Las muestras de Menorca y Madrid, por tanto, no son una continuidad, sino un complemento la una de la otra puesto que, gracias a las casi 75 piezas mostradas en nuestras dos sedes, se podrá conocer más profundamente la obra de este artista que transformó la manera de ver y, sobre todo, de experimentar la obra de arte.
 
Desde su fundamental retrospectiva celebrada en el Museo Guggenheim de Nueva York en 1974 y tras su participación de manera individual en el Pabellón de Venezuela en la XXXII Bienal de Venecia de 1964, su obra se ha visto reconocida en decenas de muestras individuales, entre las que destacan: Palacio Velázquez (Madrid) y Fundación Miró (Barcelona), 1982; Musée Soulages (Rodez), 2015; o Guggenheim (Bilbao), 2019.

La obra de Soto forma parte de la colección permanente de destacados museos internacionales como la Tate Gallery de Londres, el Centro de Arte Georges Pompidou de París, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Seúl o el Museo de Arte Contemporáneo Helga de Alvear, Cáceres.

La "T"

Peppi Bottrop crea dibujos y pinturas con trazos de carboncillo y grafito que configuran redes sin centro ni periferia y que continuamente conducen la mirada a lo largo de sus múltiples caminos.

Bottrop es impulsado y empujado por un impulso activo, que a su vez es absorbido por sus líneas vibrantes que no solo expresan visiblemente velocidad y energía, sino que también las perciben. A veces parecen ricas y ágiles, otras veces maniáticamente compactas o tranquilas, estoicas y poéticas en su denso ascetismo, sin perder nunca su sensación energética.

Al utilizar carbón u otro material excepcional para sus líneas y trazos, que en términos físicos o químicos son un amortiguador o un multiplicador de la luz, sus composiciones inician aún más una sinergia vibrante. Aunque a veces pinta sobre placas de yeso, directamente sobre la superficie o, más habitualmente, sobre tela grapada directamente a la pared, sus obras gráficas oscilan entre la pintura y la escultura, lo que indica un lenguaje visual distintivo que se mueve entre el constructivismo y el deconstructivismo, entre la figuración y la abstracción. Nacido en Ruhrgebiet, antaño la región minera de carbón más grande de Europa, Bottrop fue testigo de las transformaciones radicales del paisaje industrial y del cierre gradual de las minas, recuerdos a los que ahora hace referencia en sus composiciones que parecen mapas.

Ángel izquierda/Diablo derecha (Deus sive natura)

Coincidiendo con la publicación de Las Meninas desde una luz artificial. Diario de una copia (Edición Reino de Cordelia, 2024) la galería Fernández-Braso presenta la exposición IOWA, del artista Félix de la Concha (León, 1962).

Segunda exposición individual de Félix de la Concha en la galería, después de Torres Blancas After Fallingwater celebrada en 2022, y tras presentar diferentes proyectos en las últimas ediciones de ARCOmadrid y ARCOlisboa.

Si el libro narra el proceso de copia, análisis y diálogo con el original de Velázquez en el interior del estudio durante el tiempo que el artista no podía pintar en el exterior, la exposición muestra la serie de obras pintadas en Iowa a plein air entre los años 2009 y 2014.

Armando Montesinos es el especialista en arte contemporáneo que en esta ocasión realiza el texto que formará parte del catálogo digital y en papel de la actual exposición de Félix de la Concha. En él cuestiona la percepción y conflicto entorno al término realismo y su relación, diferencias y límites entre el lenguaje pictórico y la fotografía. La singularidad del trabajo de Félix, difícil de encasillar solo en este movimiento, cercano también a otros lenguajes como el conceptual y el minimal. “En su obra investiga la realidad física de la pintura a la vez que diseña y despliega la ficción de la representación. Mientras que, con constancia y conciencia de conocimiento, simula que sólo pinta, De la Concha habita ese abismo entre lo visto y lo representado en el que residen el misterio y la belleza”.

Félix de la Concha estudió en la Facultad de Bellas Artes de Madrid hasta 1985, cuando es premiado en la Primera Muestra de Arte Joven (Círculo de Bellas Artes de Madrid). En 1989 recibe una beca de la Academia de España en Roma y trabaja en Italia hasta 1995, año en que se traslada a Estados Unidos, donde continúa gran parte de su trayectoria artística. Su obra pictórica parte del natural y se centra en el paisaje urbano y el retrato. En ambos introduce el concepto temporal como fundamento tanto en el proceso de ejecución como en la captación de los motivos. Sus obras paisajísticas se estructuran frecuentemente en polípticos o series, como One A Day: 365 Views of the Cathedral of Learning (1998-1999) y Fallingwater en Perspectiva (2005-2006).

Su obra se ha expuesto ampliamente tanto en España como en Estados Unidos. Las últimas muestras en nuestro país fueron Las meninas desde una luz artificial en Casa Museo Botines, León; Pórtico en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid y Restos de un naufragio en el Centro de Arte Contemporáneo de Burgos (CAB). En 2024 y por encargo del Boca Raton Museum of Art de Florida expondrá un proyecto específico para celebrar el 100 aniversario de la ciudad y el 75 del museo.

La exposición IOWA formará parte de APERTURA MADRID GALLERY WEEKEND. Se inaugurará el próximo jueves, 12 de septiembre, en horario de 12 a 20 h. Contaremos con la presencia del artista entre las 18 y las 21 horas.

IOWA

Eduardo Martín del Pozo (Madrid, 1974) es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y Tecnologías VJing aplicadas a la creación contemporánea por la Universidad de Granada. Martín del Pozo ha realizado numerosas exposiciones en España, Francia, Alemania, Holanda, Italia o Estados Unidos, tanto en Centros de Arte institucionales como en privados. Su obra puede encontrarse en colecciones, tanto públicas como privadas, en España, Francia, Italia, Bélgica, México, Estados Unidos o Arabia Saudí. Ha sido galardonado con el Primer Premio en el Premio Salou de Investigación Pictórica, Primer Premio en el XVI Concurso de Artes Plásticas de COCEF - Colegio de España en París, Mención Especial en el XLIV Premio Ciudad de Alcalá, Mención de Honor en el IV Premio Torres García / Mataró, y finalista en multitud de certámenes, como el Premio “BMW”, la Bienal del Tajo, la VI Mostra Unión Fenosa, Premios Ángel, Bienal UNICAJA, Premio Focus-Abengoa o el Premio Real Academia de San Carlos de Valencia, entre otros. Ha obtenido, por otro lado, becas y ayudas de importantes instituciones, tanto en España como en Francia.

Las flores más raras

Sabrina Amrani se complace en presentar "Generated Dreams", la segunda exposición individual de :mentalKLINIK en la galería.

Con este nuevo conjunto de obras y microclimas, el dúo de artistas (originarios de Estambul y con base en Bruselas) introducen una investigación provocadora sobre el desarrollo de prácticas artísticas en el siglo XXI y el alcance actual de la vida humana de la cual se origina. Orquestando el espacio de la exposición física como un render virtual, las obras en exposición realizan una densa escala de fallas online-offline, confusiones y tensiones para excavar cómo la vida, el arte y el entretenimiento se transforman exponencialmente entre sí. Una vez separados, estos ámbitos de la vida ahora están enredados en una burbuja opaca que mantiene a los humanos ocupados sin pausa. En todos los aspectos y siempre, sus mecanismos están relegando nuestros cuerpos al olvido pasivo mientras mantienen nuestras mentes conectadas sin parar al vórtice virtual neo-capitalista. La productividad, incluso cuando no hacemos nada, como una religión todo lo consume. Una experiencia fuera del cuerpo.
 
Con su distintivo estilo de glamour, fetichismo, pulcritud y sensualidad, :mentalKLINIK llenará el espacio de la galería con apariciones fantasmales. Esculturas de armazón de metal que recuerdan a conciertos o noches de club que se arrastran por el espacio como criaturas antropomórficas; formas humanas huecas y fantasmales sentadas, reclinadas o apoyadas, pero siempre indiferentes a nuestra presencia. Subvirtiendo la ideología optimista del crecimiento tecnológico, los artistas buscan provocar una cierta incomodidad. Reconociendo la nueva realidad que estamos construyendo, están visualizando una sociedad impulsada por el deseo perpetuo, a pesar del inminente declive de la agencia humana. Un mundo habitado por esclavos de un conjunto codificado de instintos mutados.
 
Un horizonte para la nueva era, como lo expresan los propios artistas, demarcará este entorno inerte. Está compuesto por una serie de pinturas húmedas y falsas que representan bloques de color abstractos, eco de Minimalismo y Expresionismo Abstracto al mismo tiempo; un limbo entre la mente y el cuerpo. La paleta recurrente de :mentalKLINIK compuesta por rosas fucsias, negros profundos, azules nocturnos y relucientes metálicos hace referencia tanto a las manos de los artistas como a los procesos de producción tecnológica. Junto con los "errores" anatómicos que caracterizan a los protagonistas fantasmales, cuestionan la autoconservación y la autenticidad (artísticas) en medio del cambio de paradigma del avance tecnológico y la inteligencia artificial.
 
¿Qué sucede cuando el arte surge de una fórmula lingüística? ¿Quién está sirviendo a quién y cómo se supone que debemos ubicarnos dentro de esta subversión? ¿Estamos seguros de la ilimitabilidad de nuestro crecimiento? Los visitantes encontrarán sus reflejos hipertrofiados en varias superficies espejadas que marcan la exposición. No hay escapatoria, Generated Dreams es un intento de comprobación de la realidad desde un sueño febril disonante del que no podemos salir.
 
Texto por Evelyn Simons

Generated Dreams

Este año se cumplen 25 años de actividad de La Caja Negra en torno a la gráfica, las ediciones, los proyectos editoriales y la obra sobre papel de artistas del siglo XX y XXI. A lo largo es este cuarto de siglo hemos tenido la oportunidad de presentar una amplia diversidad de proyectos que nos ha permitido abrir la conversación sobre los valores de la gráfica y la edición, la importancia de la experimentación en los procesos artísticos, el valor histórico de lo impreso dentro del contexto de la comunicación visual y las virtudes de las ediciones en tanto proyectos colectivos, históricamente localizados y que abren un campo de libertad particular a los artistas.&nbsp; Creemos que hemos podido mostrar un campo ampliado de la gráfica que recoge desde libros de artista a ediciones históricas, desde exquisitas ediciones limitadas hasta impresos efímeros de distribución masiva, procesos gráficos continuados de algunos artistas que definieron el medio a lo largo del siglo XX hasta propuestas performáticas y conceptuales de artistas de distintas edades y orígenes.

Durante la temporada 2024-2025 hemos planteado en la galería un programa que revisa y toda esa actividad en nuevas configuraciones que nos permitan hacer cruces temporales, generar nuevos vínculos y relaciones entre diversas prácticas y rescatar algunas piezas brillantes con las que hemos tenido la oportunidad de trabajar.

La primera exposición estará dedicada al tema del paisaje, la naturaleza y su representación y se inaugurará el 12 de septiembre coincidiendo con el programa Apertura de las galerías de Madrid.

Todos los artistas presentes en la exposición utilizan la observación de la naturaleza como punto de partida, ya sea conceptualmente o en términos de materiales utilizados. En la selección de obra propuesta encontramos exploraciones sobre temas como la conservación del medio ambiente hasta los ciclos de vida y muerte o celebran el orden y la belleza inherentes a la naturaleza tanto a escala microscópica como macroscópica.

<h3>Artistas participantes:</h3>
Ignasi Aballí, Pierre Alechinsky, Alexandre Arrechea, Miguel Ángel Blanco, Daniel Blaufuks, James Brown, Pedro Cabrita Reis, Fèlix Curto, Tacita Dean, Frank Gehry, Jan Hendrix, Jonathan Hernández, Joan Hernández Pijuan, Enrique Jezik, Alex Katz, Ellsworth Kelly, Carmen Laflón, Antón Lamazares, Richard Long, Jorge Macchi, Robert Morris, Matt Mullican, Nico Munuera, Perejaume, Liliana Porter, Ed Ruscha, Unai San Martín, Melanie Smith, Isidoro Valcárcel Medina, Oriol Vilapuig y Lawrence Weiner.

Mapa y paisaje

Esta es ya la cuarta exposición individual en nuestra galería de Regine Schumann (Goslar, 1961), con quién nos sentimos orgullosos de poder trabajar desde hace más de diez años.

Bajo el efecto de la luz negra, sus obras de vidrio acrílico fluorescente transformarán la galería irradiando su luz y color, al tiempo que la arquitectura de las distintas salas y también los propios espectadores se verán reflejados en sus superficies y también en un conjunto de espejos estratégicamente colocados por la artista para expandir ópticamente la dimensión espacial y crear un potente efecto inmersivo, de tal forma que todo se convierte en parte de la obra.

Schumann vive y trabaja en la ciudad de Colonia, Alemania. Su trabajo, influenciado por los artistas del movimiento color-field, se centra en los efectos de luz y color que causan los materiales fluorescentes y fosforescentes. Con paneles de vidrio acrílico de diferentes colores fabricados con pigmentos que reaccionan a la iluminación externa que reciben, elabora diferentes composiciones en los espacios de acuerdo con la teoría de los colores de Goethe. Cuanto más fuerte es la luz natural, más se potencia el color y el efecto luminoso. También usa luz ultravioleta para añadir nuevas variaciones de color, o intensificar el brillo de sus obras.

Como resultado, obtiene obras de colores y efectos cambiantes, que no sólo se relacionan con el espacio circundante, sino que cada vez sorprenden al espectador con una experiencia distinta dependiendo del ambiente lumínico.

Color me in mirrorview

Presentamos en nuestra sala de proyectos #LACRIPTAPROJECTS por primera vez una selección de obras de la artista Fanny Brodar (Oslo, 1971). Esta pintora que actualmente vive y trabaja en Maine, nació en 1971 en Oslo, Noruega y creció en Nueva York viendo Barrio Sésamo mientras dibujaba en el suelo de su habitación y proyectaba mundos y amigos imaginarios que le ayudaron a afrontar los momentos traumáticos vividos en su infancia.

Se formó como Ilustradora en el Art Institute of Boston, aunque su vida tomó un rumbo diferente y no será hasta principios de 2020 cuando retome la pintura como un escape al asilamiento provocado por la pandemia. No obstante, su experiencia como ilustradora es notable en su trabajo, dejándose ver también la influencia del arte y la cultura contemporánea japonesa y otros de sus referentes como las obras de artistas como Rose Wylie o Philip Guston.

Brodar representa múltiples personajes de colores vibrantes tomando como referencia sus vivencias infantiles para transmitir una visión de anhelo de compañía y vivacidad. Compone sus obras meticulosamente, creando una sensación de orden a partir del caos. Para ella, el arte es un medio de autocuración y a su vez una forma de sanar al niño interior de los espectadores. En sus últimos trabajos, también ha introducido personajes imaginativos inspirados en la naturaleza. Su objetivo es desarrollar una conexión afectuosa con el mundo natural e invitar a los espectadores a encontrar alegría en las cosas simples de la vida.

Fanny Brodar

Roger Ballen (Nueva York, EEUU, 1950) está considerado unánimemente como uno de los fotógrafos esenciales y más influyentes del siglo XXI. Su obra se ha expuesto en todo el mundo y forma parte de las colecciones permanentes de instituciones como el MOMA, Tate Britain, Centre Georges Pompidou, Maison Européene de la Photographie, y el Musée de la Photographie à Charleroi. En este proyecto mostramos fotografía y vídeo de Roger en torno a los conceptos de juego y humor negro. Ambos se encuentran de forma evidente en su obra, y aun más recientemente, aunque habitualmente se han destacado otras cualidades como el desasosiego y la locura. El protagonismo del inconsciente y los arquetipos relacionados con los instintos animales y la huella de la infancia en la vida adulta nos conectan con las zonas más oscuras de nuestra psique al contemplar su trabajo.

Hemos hecho una selección de imágenes icónicas -aunque no tan conocidas- en blanco y negro, así como sus nuevas Polaroids con dibujos. Roger ha tenido una larga relación con las Polaroids, sin embargo, nunca antes se había atrevido a dibujar en ellas, hasta que empezó a hacerlo a partir de 2023. Ello puede verse como la aplicación a un nuevo medio de sus originales y atrevidos dibujos que siempre han formado parte de sus escenografías y que han cobrado vida propia y autonomía desde el confinamiento del COVID-19. Camara Oscura fue la primera galería de arte que mostró estos dibujos en todo el mundo, convirtiéndose así en una parte fundamental de la obra de Roger Ballen.

Asimismo, estrenaremos en primicia el video “Roger the Rat” por primera vez en España. Producido en Johannesburgo entre 2015 y 2020, Roger crea y documenta una criatura mitad humana y mitad rata que vive una vida aislada fuera de la sociedad.

Tales of Wonder

Buscando Guanábana ando yo es el título de la exposición que la artista Sol Calero (Caracas,1982) presenta en el Museo CA2M, y que alude a la fruta dulce, de forma acorazonada y corteza verdosa que se produce en lugares de clima tropical de Centroamérica y Sudamérica. La muestra se centra en el concepto de movimiento, y en el hecho de nacer en un lugar y habitar otro. Migrar y ser migrante. Este es el caso de la artista, nacida en Venezuela donde residió hasta los diecisiete años, momento en el que, junto a su familia, se establece en Tenerife para pasar una temporada en Madrid y finalmente asentarse en Berlín, ciudad en la que reside en la actualidad.

Los pasos por distintos países y su condición de inmigrante latina han sido condicionantes para desarrollar un trabajo centrado en el carácter identitario relacionado con los símbolos de la cultura extra portable latinoamericana. Su formalización en esa plasticidad desbordante de color y esa exotización atraviesan toda su producción que se vertebra entorno a algunos intereses concretos que aparecen constantemente en su obra. No es la primera vez que Sol Calero recurre abiertamente a su propia biografía como ya hiciera en Archivos olvidados (2019) una colección de collages y pinturas en homenaje a la memoria de su abuela Luisa Hernández.

El proyecto Buscando Guanábana ando yo, primera muestra individual dedicada a Sol Calero en una institución madrileña, reúne algunas de las principales características de su trabajo como son las construcciones de espacios colectivos en los que se condensan gran parte de su producción e interés por la arquitectura y el diseño; la pintura mural, técnica que utiliza desde el inicio de su trayectoria donde las frutas, la vegetación y los exvotos se convierten en recursos gráficos y simbólicos reiterados.

La artista parte de lecturas abiertas y alusiones directas a la figura del turista y a la idea de perspectiva ante pensar un lugar y descubrir otro, de ahí las relaciones que se establecen, por parte del espectador, a la hora de enfrentarse a muchos de sus trabajos.

La muestra se completa con otros elementos recurrentes en la prácticas de Sol Calero como son el dibujo, la cerámica, los textiles y distintos objetos encontrados alusivos a la cultura popular latinoamericana. De esta forma, la artista reflexiona sobre el poder y la ambigüedad de los signos culturales, los tópicos y las connotaciones que estos símbolos adquieren en un contexto social y político y cómo todo esto afecta a los temas de género e identidad.

Comisariado por Tania Pardo.

Buscando guanabana ando yo

El Museo CA2M presenta la primera muestra individual en una institución madrileña del artista Santiago Sierra. Esta exposición consiste en la compilación y análisis de uno de los recursos más presentes en la práctica de Santiago Sierra (Madrid, España, 1966) a través de toda su carrera artística: la captación de imágenes de personas de cara a la pared, a modo de “retratos” inversos en los que la identidad del sujeto resulta negada o disuelta en la anomia. A partir de esta temática se ha creado un recorrido, compuesto de obras históricas y otras más recientes, que invita a reflexionar sobre cuestiones como la inmigración, la explotación, la exclusión, la devastación colonial o la guerra.

La muestra evidencia la capacidad del artista para insertar en los lenguajes formales del minimalismo, el arte conceptual y la performance de las décadas de 1960 y 1970, un sentido de urgencia por desvelar las redes perversas del poder contemporáneo; un poder que exacerba la alienación humana, transformando al mundo en un lugar de violencia, injusticia y muerte, y que atraviesa la totalidad del territorio hasta penetrar cada cuerpo individual.

La obra de Sierra más allá de una primera lectura de contenido político utiliza procedimientos que cuestionan la violencia del código de relaciones que domina la institución del arte y el sistema productivo en el que se inscribe y propone una mirada global sobre el mundo que habitamos. Más que el alcance de su crítica, o que los recursos formales que utiliza para plantearla, a través de fotografías y vídeos grabados en blanco y negro, reflexiona sobre esa forma de jugar con las condiciones de producción y de expectación. Recordemos su intervención en la Bienal de Venecia de 2003, donde transformó el pabellón español en un manifiesto contra las fronteras al exigir a los visitantes la documentación acreditativa de su nacionalidad española (los “papeles”) para acceder al recinto.

Las obras seleccionadas para esta exposición, muestran que las contradicciones del capitalismo son también efectivas en el espacio del arte, rehuyendo cualquier retórica y todo recurso mistificador y produciendo así una inescapable conciencia de lo real. Como el propio Sierra señala “hay poco margen aquí para la ambigüedad o la imaginación del espectador”. No hay mucho que interpretar. El espectador se siente en cambio interpelado, enfrentado crudamente a su condición de explotador a través de la mirada.

Comisariada por Alexis Callado.

1502 personas de cara a la pared

Los paradigmas hegemónicos, que marcan la visión del mundo que se considera "normal" o "correcta" en un momento y lugar específicos, y que tienen el poder de silenciar o marginalizar otras perspectivas y enfoques, deben ser puestos en entredicho.

Es una cuestión global que afecta a la forma de mirar y tratar al otro, tanto en el pasado como en la actualidad, tanto a escala humana como natural o geográfica. La creencia en relatos únicos ha dejado de tener sentido y se hace evidente la necesidad de revisar la historia y la cultura en relación con los otros. No simplemente incorporar otros relatos en nuestro discurso, sino entender y respetar la existencia de estos otros discursos. Resulta necesaria la actualización de dinámicas de comportamiento hacia un nosotros universal y hacia el planeta, que afectan gravemente a su sostenibilidad. Una preocupación compartida sobre cuestiones estrechamente vinculadas al desequilibrio medioambiental, social y económico, la identidad, la industria alimentaria, el extractivismo, el post-crecimiento, la descolonización, los hidrofeminismos o la democracia de la Tierra.

«Rutas relacionales» se plantea además como un proyecto colectivo que busca repensar el ecosistema del arte empezando por el espacio de la galería y siguiendo por el papel de todos sus agentes. Es una muestra viva y en continua metamorfosis que, desde septiembre de 2024 hasta julio de 2025, presenta las propuestas de cerca de cuarenta artistas, cuyas obras se van sustituyendo periódicamente en las salas para provocar nuevos cruces y diálogos entre ellas. La programación de distintas actividades y acciones en la galería a lo largo de todo el ciclo apuesta por la generación de preguntas más que por la búsqueda de respuestas únicas.

<h4>Artistas</h4>
Ambrossio (Ciudad de México, 1993), Luna Bengoechea (Gran Canaria, 1984), Nino Cais (São Paulo, 1969), Carma Casulá (Barcelona, 1966), Carla Chaim (São Paulo, 1983), Karishma Chugani (Casablanca, 1978), Claudia Claremi (Madrid, 1986), Lizania Cruz (Santo Domingo, 1983), Daniel De La Barra (Lima, 1992), Bárbara Fluxá (1974, Madrid), Jorge García (Toledo, 1977), Yuyo Gardiol (Santa Fe, 1980), Cristina Garrido (Madrid, 1986), Olalla Gómez (Madrid, 1982), Blanca Gracia (Madrid, 1989), Josefina Guilisasti (Santiago de Chile, 1963), Pascal Hachem (Beirut, 1979), Fritzia Irizar (Culiacán, 1977), Jimena Kato (Lima, 1979), Álvaro Laiz (León, 1981), Elena Lavellés (Madrid, 1981), Lecuona y Hernández (Santander / Garachico, Tenerife, 1978), Amanda Legórburu (Caracas, 2000), Lucía Loren (Madrid, 1973), Gloria Luca (Iaşi, Rumanía, 1988), Jenny Marketou (Atenas, 1954), Adriana Marmorek (Bogotá, 1969), Nicole Mazza (Florida, 1989), Cristina Mejías (Jerez de la Frontera, 1986), Clara Montoya (Madrid, 1974), Gloria Oyarzabal (Londres, 1971), Lara Salous (Ramallah, 1988), Estefanía Santiago (Federación, Entre Ríos, 1988), Miguel Sbastida (Madrid, 1989)

Comisario: Javier Martín-Jiménez

Claudio Zulian

Hard times & animals - Cuerpo que (des)hace imagen

Patricia Gómez y María Jesús González

Espejo del mundo

Eduardo Martín del Pozo

Las flores más raras

Sol Calero

Buscando guanabana ando yo

Juan Carlos Savater

Un río

Cecilia Paredes

Historias errantes

:mentalKLINIK

Generated Dreams

Santiago Sierra

1502 personas de cara a la pared

Héctor Zamora

Emergencia

Juan Uslé

Juan Uslé

Varios artistas

Mapa y paisaje

Varios artistas

Rutas relacionales

Milena Muzquiz

Surf and Turf

Soto

La "T"

Regine Schumann

Color me in mirrorview

Juan Zamora

Light

Peppi Bottrop

Ángel izquierda/Diablo derecha (Deus sive natura)

Fanny Brodar

Fanny Brodar

Alexandra Karakashian

After the wake

Felix de la Concha

IOWA

Roger Ballen

Tales of Wonder