Coincidiendo con la publicación de Las Meninas desde una luz artificial. Diario de una copia (Edición Reino de Cordelia, 2024) la galería Fernández-Braso presenta la exposición IOWA, del artista Félix de la Concha (León, 1962).

Segunda exposición individual de Félix de la Concha en la galería, después de Torres Blancas After Fallingwater celebrada en 2022, y tras presentar diferentes proyectos en las últimas ediciones de ARCOmadrid y ARCOlisboa.

Si el libro narra el proceso de copia, análisis y diálogo con el original de Velázquez en el interior del estudio durante el tiempo que el artista no podía pintar en el exterior, la exposición muestra la serie de obras pintadas en Iowa a plein air entre los años 2009 y 2014.

Armando Montesinos es el especialista en arte contemporáneo que en esta ocasión realiza el texto que formará parte del catálogo digital y en papel de la actual exposición de Félix de la Concha. En él cuestiona la percepción y conflicto entorno al término realismo y su relación, diferencias y límites entre el lenguaje pictórico y la fotografía. La singularidad del trabajo de Félix, difícil de encasillar solo en este movimiento, cercano también a otros lenguajes como el conceptual y el minimal. “En su obra investiga la realidad física de la pintura a la vez que diseña y despliega la ficción de la representación. Mientras que, con constancia y conciencia de conocimiento, simula que sólo pinta, De la Concha habita ese abismo entre lo visto y lo representado en el que residen el misterio y la belleza”.

Félix de la Concha estudió en la Facultad de Bellas Artes de Madrid hasta 1985, cuando es premiado en la Primera Muestra de Arte Joven (Círculo de Bellas Artes de Madrid). En 1989 recibe una beca de la Academia de España en Roma y trabaja en Italia hasta 1995, año en que se traslada a Estados Unidos, donde continúa gran parte de su trayectoria artística. Su obra pictórica parte del natural y se centra en el paisaje urbano y el retrato. En ambos introduce el concepto temporal como fundamento tanto en el proceso de ejecución como en la captación de los motivos. Sus obras paisajísticas se estructuran frecuentemente en polípticos o series, como One A Day: 365 Views of the Cathedral of Learning (1998-1999) y Fallingwater en Perspectiva (2005-2006).

Su obra se ha expuesto ampliamente tanto en España como en Estados Unidos. Las últimas muestras en nuestro país fueron Las meninas desde una luz artificial en Casa Museo Botines, León; Pórtico en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid y Restos de un naufragio en el Centro de Arte Contemporáneo de Burgos (CAB). En 2024 y por encargo del Boca Raton Museum of Art de Florida expondrá un proyecto específico para celebrar el 100 aniversario de la ciudad y el 75 del museo.

La exposición IOWA formará parte de APERTURA MADRID GALLERY WEEKEND. Se inaugurará el próximo jueves, 12 de septiembre, en horario de 12 a 20 h. Contaremos con la presencia del artista entre las 18 y las 21 horas.

IOWA

Eduardo Martín del Pozo (Madrid, 1974) es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y Tecnologías VJing aplicadas a la creación contemporánea por la Universidad de Granada. Martín del Pozo ha realizado numerosas exposiciones en España, Francia, Alemania, Holanda, Italia o Estados Unidos, tanto en Centros de Arte institucionales como en privados. Su obra puede encontrarse en colecciones, tanto públicas como privadas, en España, Francia, Italia, Bélgica, México, Estados Unidos o Arabia Saudí. Ha sido galardonado con el Primer Premio en el Premio Salou de Investigación Pictórica, Primer Premio en el XVI Concurso de Artes Plásticas de COCEF - Colegio de España en París, Mención Especial en el XLIV Premio Ciudad de Alcalá, Mención de Honor en el IV Premio Torres García / Mataró, y finalista en multitud de certámenes, como el Premio “BMW”, la Bienal del Tajo, la VI Mostra Unión Fenosa, Premios Ángel, Bienal UNICAJA, Premio Focus-Abengoa o el Premio Real Academia de San Carlos de Valencia, entre otros. Ha obtenido, por otro lado, becas y ayudas de importantes instituciones, tanto en España como en Francia.

Las flores más raras

Sabrina Amrani se complace en presentar "Generated Dreams", la segunda exposición individual de :mentalKLINIK en la galería.

Con este nuevo conjunto de obras y microclimas, el dúo de artistas (originarios de Estambul y con base en Bruselas) introducen una investigación provocadora sobre el desarrollo de prácticas artísticas en el siglo XXI y el alcance actual de la vida humana de la cual se origina. Orquestando el espacio de la exposición física como un render virtual, las obras en exposición realizan una densa escala de fallas online-offline, confusiones y tensiones para excavar cómo la vida, el arte y el entretenimiento se transforman exponencialmente entre sí. Una vez separados, estos ámbitos de la vida ahora están enredados en una burbuja opaca que mantiene a los humanos ocupados sin pausa. En todos los aspectos y siempre, sus mecanismos están relegando nuestros cuerpos al olvido pasivo mientras mantienen nuestras mentes conectadas sin parar al vórtice virtual neo-capitalista. La productividad, incluso cuando no hacemos nada, como una religión todo lo consume. Una experiencia fuera del cuerpo.
 
Con su distintivo estilo de glamour, fetichismo, pulcritud y sensualidad, :mentalKLINIK llenará el espacio de la galería con apariciones fantasmales. Esculturas de armazón de metal que recuerdan a conciertos o noches de club que se arrastran por el espacio como criaturas antropomórficas; formas humanas huecas y fantasmales sentadas, reclinadas o apoyadas, pero siempre indiferentes a nuestra presencia. Subvirtiendo la ideología optimista del crecimiento tecnológico, los artistas buscan provocar una cierta incomodidad. Reconociendo la nueva realidad que estamos construyendo, están visualizando una sociedad impulsada por el deseo perpetuo, a pesar del inminente declive de la agencia humana. Un mundo habitado por esclavos de un conjunto codificado de instintos mutados.
 
Un horizonte para la nueva era, como lo expresan los propios artistas, demarcará este entorno inerte. Está compuesto por una serie de pinturas húmedas y falsas que representan bloques de color abstractos, eco de Minimalismo y Expresionismo Abstracto al mismo tiempo; un limbo entre la mente y el cuerpo. La paleta recurrente de :mentalKLINIK compuesta por rosas fucsias, negros profundos, azules nocturnos y relucientes metálicos hace referencia tanto a las manos de los artistas como a los procesos de producción tecnológica. Junto con los "errores" anatómicos que caracterizan a los protagonistas fantasmales, cuestionan la autoconservación y la autenticidad (artísticas) en medio del cambio de paradigma del avance tecnológico y la inteligencia artificial.
 
¿Qué sucede cuando el arte surge de una fórmula lingüística? ¿Quién está sirviendo a quién y cómo se supone que debemos ubicarnos dentro de esta subversión? ¿Estamos seguros de la ilimitabilidad de nuestro crecimiento? Los visitantes encontrarán sus reflejos hipertrofiados en varias superficies espejadas que marcan la exposición. No hay escapatoria, Generated Dreams es un intento de comprobación de la realidad desde un sueño febril disonante del que no podemos salir.
 
Texto por Evelyn Simons

Generated Dreams

Este año se cumplen 25 años de actividad de La Caja Negra en torno a la gráfica, las ediciones, los proyectos editoriales y la obra sobre papel de artistas del siglo XX y XXI. A lo largo es este cuarto de siglo hemos tenido la oportunidad de presentar una amplia diversidad de proyectos que nos ha permitido abrir la conversación sobre los valores de la gráfica y la edición, la importancia de la experimentación en los procesos artísticos, el valor histórico de lo impreso dentro del contexto de la comunicación visual y las virtudes de las ediciones en tanto proyectos colectivos, históricamente localizados y que abren un campo de libertad particular a los artistas.&nbsp; Creemos que hemos podido mostrar un campo ampliado de la gráfica que recoge desde libros de artista a ediciones históricas, desde exquisitas ediciones limitadas hasta impresos efímeros de distribución masiva, procesos gráficos continuados de algunos artistas que definieron el medio a lo largo del siglo XX hasta propuestas performáticas y conceptuales de artistas de distintas edades y orígenes.

Durante la temporada 2024-2025 hemos planteado en la galería un programa que revisa y toda esa actividad en nuevas configuraciones que nos permitan hacer cruces temporales, generar nuevos vínculos y relaciones entre diversas prácticas y rescatar algunas piezas brillantes con las que hemos tenido la oportunidad de trabajar.

La primera exposición estará dedicada al tema del paisaje, la naturaleza y su representación y se inaugurará el 12 de septiembre coincidiendo con el programa Apertura de las galerías de Madrid.

Todos los artistas presentes en la exposición utilizan la observación de la naturaleza como punto de partida, ya sea conceptualmente o en términos de materiales utilizados. En la selección de obra propuesta encontramos exploraciones sobre temas como la conservación del medio ambiente hasta los ciclos de vida y muerte o celebran el orden y la belleza inherentes a la naturaleza tanto a escala microscópica como macroscópica.

<h3>Artistas participantes:</h3>
Ignasi Aballí, Pierre Alechinsky, Alexandre Arrechea, Miguel Ángel Blanco, Daniel Blaufuks, James Brown, Pedro Cabrita Reis, Fèlix Curto, Tacita Dean, Frank Gehry, Jan Hendrix, Jonathan Hernández, Joan Hernández Pijuan, Enrique Jezik, Alex Katz, Ellsworth Kelly, Carmen Laflón, Antón Lamazares, Richard Long, Jorge Macchi, Robert Morris, Matt Mullican, Nico Munuera, Perejaume, Liliana Porter, Ed Ruscha, Unai San Martín, Melanie Smith, Isidoro Valcárcel Medina, Oriol Vilapuig y Lawrence Weiner.

Mapa y paisaje

Esta es ya la cuarta exposición individual en nuestra galería de Regine Schumann (Goslar, 1961), con quién nos sentimos orgullosos de poder trabajar desde hace más de diez años.

Bajo el efecto de la luz negra, sus obras de vidrio acrílico fluorescente transformarán la galería irradiando su luz y color, al tiempo que la arquitectura de las distintas salas y también los propios espectadores se verán reflejados en sus superficies y también en un conjunto de espejos estratégicamente colocados por la artista para expandir ópticamente la dimensión espacial y crear un potente efecto inmersivo, de tal forma que todo se convierte en parte de la obra.

Schumann vive y trabaja en la ciudad de Colonia, Alemania. Su trabajo, influenciado por los artistas del movimiento color-field, se centra en los efectos de luz y color que causan los materiales fluorescentes y fosforescentes. Con paneles de vidrio acrílico de diferentes colores fabricados con pigmentos que reaccionan a la iluminación externa que reciben, elabora diferentes composiciones en los espacios de acuerdo con la teoría de los colores de Goethe. Cuanto más fuerte es la luz natural, más se potencia el color y el efecto luminoso. También usa luz ultravioleta para añadir nuevas variaciones de color, o intensificar el brillo de sus obras.

Como resultado, obtiene obras de colores y efectos cambiantes, que no sólo se relacionan con el espacio circundante, sino que cada vez sorprenden al espectador con una experiencia distinta dependiendo del ambiente lumínico.

Color me in mirrorview

Presentamos en nuestra sala de proyectos #LACRIPTAPROJECTS por primera vez una selección de obras de la artista Fanny Brodar (Oslo, 1971). Esta pintora que actualmente vive y trabaja en Maine, nació en 1971 en Oslo, Noruega y creció en Nueva York viendo Barrio Sésamo mientras dibujaba en el suelo de su habitación y proyectaba mundos y amigos imaginarios que le ayudaron a afrontar los momentos traumáticos vividos en su infancia.

Se formó como Ilustradora en el Art Institute of Boston, aunque su vida tomó un rumbo diferente y no será hasta principios de 2020 cuando retome la pintura como un escape al asilamiento provocado por la pandemia. No obstante, su experiencia como ilustradora es notable en su trabajo, dejándose ver también la influencia del arte y la cultura contemporánea japonesa y otros de sus referentes como las obras de artistas como Rose Wylie o Philip Guston.

Brodar representa múltiples personajes de colores vibrantes tomando como referencia sus vivencias infantiles para transmitir una visión de anhelo de compañía y vivacidad. Compone sus obras meticulosamente, creando una sensación de orden a partir del caos. Para ella, el arte es un medio de autocuración y a su vez una forma de sanar al niño interior de los espectadores. En sus últimos trabajos, también ha introducido personajes imaginativos inspirados en la naturaleza. Su objetivo es desarrollar una conexión afectuosa con el mundo natural e invitar a los espectadores a encontrar alegría en las cosas simples de la vida.

Fanny Brodar

Roger Ballen (Nueva York, EEUU, 1950) está considerado unánimemente como uno de los fotógrafos esenciales y más influyentes del siglo XXI. Su obra se ha expuesto en todo el mundo y forma parte de las colecciones permanentes de instituciones como el MOMA, Tate Britain, Centre Georges Pompidou, Maison Européene de la Photographie, y el Musée de la Photographie à Charleroi. En este proyecto mostramos fotografía y vídeo de Roger en torno a los conceptos de juego y humor negro. Ambos se encuentran de forma evidente en su obra, y aun más recientemente, aunque habitualmente se han destacado otras cualidades como el desasosiego y la locura. El protagonismo del inconsciente y los arquetipos relacionados con los instintos animales y la huella de la infancia en la vida adulta nos conectan con las zonas más oscuras de nuestra psique al contemplar su trabajo.

Hemos hecho una selección de imágenes icónicas -aunque no tan conocidas- en blanco y negro, así como sus nuevas Polaroids con dibujos. Roger ha tenido una larga relación con las Polaroids, sin embargo, nunca antes se había atrevido a dibujar en ellas, hasta que empezó a hacerlo a partir de 2023. Ello puede verse como la aplicación a un nuevo medio de sus originales y atrevidos dibujos que siempre han formado parte de sus escenografías y que han cobrado vida propia y autonomía desde el confinamiento del COVID-19. Camara Oscura fue la primera galería de arte que mostró estos dibujos en todo el mundo, convirtiéndose así en una parte fundamental de la obra de Roger Ballen.

Asimismo, estrenaremos en primicia el video “Roger the Rat” por primera vez en España. Producido en Johannesburgo entre 2015 y 2020, Roger crea y documenta una criatura mitad humana y mitad rata que vive una vida aislada fuera de la sociedad.

Tales of Wonder

Buscando Guanábana ando yo es el título de la exposición que la artista Sol Calero (Caracas,1982) presenta en el Museo CA2M, y que alude a la fruta dulce, de forma acorazonada y corteza verdosa que se produce en lugares de clima tropical de Centroamérica y Sudamérica. La muestra se centra en el concepto de movimiento, y en el hecho de nacer en un lugar y habitar otro. Migrar y ser migrante. Este es el caso de la artista, nacida en Venezuela donde residió hasta los diecisiete años, momento en el que, junto a su familia, se establece en Tenerife para pasar una temporada en Madrid y finalmente asentarse en Berlín, ciudad en la que reside en la actualidad.

Los pasos por distintos países y su condición de inmigrante latina han sido condicionantes para desarrollar un trabajo centrado en el carácter identitario relacionado con los símbolos de la cultura extra portable latinoamericana. Su formalización en esa plasticidad desbordante de color y esa exotización atraviesan toda su producción que se vertebra entorno a algunos intereses concretos que aparecen constantemente en su obra. No es la primera vez que Sol Calero recurre abiertamente a su propia biografía como ya hiciera en Archivos olvidados (2019) una colección de collages y pinturas en homenaje a la memoria de su abuela Luisa Hernández.

El proyecto Buscando Guanábana ando yo, primera muestra individual dedicada a Sol Calero en una institución madrileña, reúne algunas de las principales características de su trabajo como son las construcciones de espacios colectivos en los que se condensan gran parte de su producción e interés por la arquitectura y el diseño; la pintura mural, técnica que utiliza desde el inicio de su trayectoria donde las frutas, la vegetación y los exvotos se convierten en recursos gráficos y simbólicos reiterados.

La artista parte de lecturas abiertas y alusiones directas a la figura del turista y a la idea de perspectiva ante pensar un lugar y descubrir otro, de ahí las relaciones que se establecen, por parte del espectador, a la hora de enfrentarse a muchos de sus trabajos.

La muestra se completa con otros elementos recurrentes en la prácticas de Sol Calero como son el dibujo, la cerámica, los textiles y distintos objetos encontrados alusivos a la cultura popular latinoamericana. De esta forma, la artista reflexiona sobre el poder y la ambigüedad de los signos culturales, los tópicos y las connotaciones que estos símbolos adquieren en un contexto social y político y cómo todo esto afecta a los temas de género e identidad.

Comisariado por Tania Pardo.

Buscando guanabana ando yo

El Museo CA2M presenta la primera muestra individual en una institución madrileña del artista Santiago Sierra. Esta exposición consiste en la compilación y análisis de uno de los recursos más presentes en la práctica de Santiago Sierra (Madrid, España, 1966) a través de toda su carrera artística: la captación de imágenes de personas de cara a la pared, a modo de “retratos” inversos en los que la identidad del sujeto resulta negada o disuelta en la anomia. A partir de esta temática se ha creado un recorrido, compuesto de obras históricas y otras más recientes, que invita a reflexionar sobre cuestiones como la inmigración, la explotación, la exclusión, la devastación colonial o la guerra.

La muestra evidencia la capacidad del artista para insertar en los lenguajes formales del minimalismo, el arte conceptual y la performance de las décadas de 1960 y 1970, un sentido de urgencia por desvelar las redes perversas del poder contemporáneo; un poder que exacerba la alienación humana, transformando al mundo en un lugar de violencia, injusticia y muerte, y que atraviesa la totalidad del territorio hasta penetrar cada cuerpo individual.

La obra de Sierra más allá de una primera lectura de contenido político utiliza procedimientos que cuestionan la violencia del código de relaciones que domina la institución del arte y el sistema productivo en el que se inscribe y propone una mirada global sobre el mundo que habitamos. Más que el alcance de su crítica, o que los recursos formales que utiliza para plantearla, a través de fotografías y vídeos grabados en blanco y negro, reflexiona sobre esa forma de jugar con las condiciones de producción y de expectación. Recordemos su intervención en la Bienal de Venecia de 2003, donde transformó el pabellón español en un manifiesto contra las fronteras al exigir a los visitantes la documentación acreditativa de su nacionalidad española (los “papeles”) para acceder al recinto.

Las obras seleccionadas para esta exposición, muestran que las contradicciones del capitalismo son también efectivas en el espacio del arte, rehuyendo cualquier retórica y todo recurso mistificador y produciendo así una inescapable conciencia de lo real. Como el propio Sierra señala “hay poco margen aquí para la ambigüedad o la imaginación del espectador”. No hay mucho que interpretar. El espectador se siente en cambio interpelado, enfrentado crudamente a su condición de explotador a través de la mirada.

Comisariada por Alexis Callado.

1502 personas de cara a la pared

Los paradigmas hegemónicos, que marcan la visión del mundo que se considera "normal" o "correcta" en un momento y lugar específicos, y que tienen el poder de silenciar o marginalizar otras perspectivas y enfoques, deben ser puestos en entredicho.

Es una cuestión global que afecta a la forma de mirar y tratar al otro, tanto en el pasado como en la actualidad, tanto a escala humana como natural o geográfica. La creencia en relatos únicos ha dejado de tener sentido y se hace evidente la necesidad de revisar la historia y la cultura en relación con los otros. No simplemente incorporar otros relatos en nuestro discurso, sino entender y respetar la existencia de estos otros discursos. Resulta necesaria la actualización de dinámicas de comportamiento hacia un nosotros universal y hacia el planeta, que afectan gravemente a su sostenibilidad. Una preocupación compartida sobre cuestiones estrechamente vinculadas al desequilibrio medioambiental, social y económico, la identidad, la industria alimentaria, el extractivismo, el post-crecimiento, la descolonización, los hidrofeminismos o la democracia de la Tierra.

«Rutas relacionales» se plantea además como un proyecto colectivo que busca repensar el ecosistema del arte empezando por el espacio de la galería y siguiendo por el papel de todos sus agentes. Es una muestra viva y en continua metamorfosis que, desde septiembre de 2024 hasta julio de 2025, presenta las propuestas de cerca de cuarenta artistas, cuyas obras se van sustituyendo periódicamente en las salas para provocar nuevos cruces y diálogos entre ellas. La programación de distintas actividades y acciones en la galería a lo largo de todo el ciclo apuesta por la generación de preguntas más que por la búsqueda de respuestas únicas.

<h4>Artistas</h4>
Ambrossio (Ciudad de México, 1993), Luna Bengoechea (Gran Canaria, 1984), Nino Cais (São Paulo, 1969), Carma Casulá (Barcelona, 1966), Carla Chaim (São Paulo, 1983), Karishma Chugani (Casablanca, 1978), Claudia Claremi (Madrid, 1986), Lizania Cruz (Santo Domingo, 1983), Daniel De La Barra (Lima, 1992), Bárbara Fluxá (1974, Madrid), Jorge García (Toledo, 1977), Yuyo Gardiol (Santa Fe, 1980), Cristina Garrido (Madrid, 1986), Olalla Gómez (Madrid, 1982), Blanca Gracia (Madrid, 1989), Josefina Guilisasti (Santiago de Chile, 1963), Pascal Hachem (Beirut, 1979), Fritzia Irizar (Culiacán, 1977), Jimena Kato (Lima, 1979), Álvaro Laiz (León, 1981), Elena Lavellés (Madrid, 1981), Lecuona y Hernández (Santander / Garachico, Tenerife, 1978), Amanda Legórburu (Caracas, 2000), Lucía Loren (Madrid, 1973), Gloria Luca (Iaşi, Rumanía, 1988), Jenny Marketou (Atenas, 1954), Adriana Marmorek (Bogotá, 1969), Nicole Mazza (Florida, 1989), Cristina Mejías (Jerez de la Frontera, 1986), Clara Montoya (Madrid, 1974), Gloria Oyarzabal (Londres, 1971), Lara Salous (Ramallah, 1988), Estefanía Santiago (Federación, Entre Ríos, 1988), Miguel Sbastida (Madrid, 1989)

Comisario: Javier Martín-Jiménez

Felix de la Concha

IOWA

Roger Ballen

Tales of Wonder

Eduardo Martín del Pozo

Las flores más raras

Sol Calero

Buscando guanabana ando yo

:mentalKLINIK

Generated Dreams

Santiago Sierra

1502 personas de cara a la pared

Varios artistas

Mapa y paisaje

Varios artistas

Rutas relacionales

Regine Schumann

Color me in mirrorview

Fanny Brodar

Fanny Brodar